中国画基础

出版者:中国社会出版社

作者:潘非

页数:0

出版时间:1998-09

价格:19.00元

装帧:平装

isbn号码:9787800888540

具体描述

内容简介

中国画是中国特有的绘画形式，是中华民族优

秀传统文化艺术的重要组成部分。在其悠久的发展

过程中，形成了独特的绘画语言和艺术风格。在立

意、造型、笔墨、色彩、构图及观察、写生和表现

生活等方面都形成丰富而完整的理论与技法体系。

《中国画基础》向读者概略地介绍中国画的源

流发展、艺术成就，然后按人物画、山水画、花鸟

画等画科分别讲解基础知识和基本技法，以达到引

导初学中国画的读者正确地认识和学画中国画的目

的。

作者简介

潘非，1947年生于北京。1967

年毕业于北京市工艺美术学校。

1980年以来，在北京市工艺美术学

校任教，现任该校高级讲师。

潘非自美校毕业后，长期研习

中国山水画，在绘画创作实践中，

重自然、师造化，由水画题材多表

现北方山川风貌，形成质朴、厚重

的绘画风格 作品曾多次参加国内

外画展

1994年秋，应邀赴美国纽约州

布法罗大学讲学并举办画展

现为北京市美术家协会会员，

北京工艺美术学会会员。

目录信息

目录
学画（代序）
第一章 中国画概说
第一节 早期绘画
第二节 中国绘画走向成熟
第三节 中国画的全面发展
第四节 中国古代绘画的繁盛时期
第五节 元、明、清绘画――文人画主导画坛
第六节 中国绘画的巨大变革
第二章 中国画基础知识
第一节 中国画的分科
第二节 中国画的工具和材料
第三章 中国画的基本技法
第一节 笔法
第二节 墨法
第三节 设色
第四节 临摹与写生
第五节 构图
第六节 题款与用印
第四章 中国人物画
第一节 工笔重彩人物画
第二节 写意人物画
第五章 中国山水画
第一节 树木
第二节 山石
第三节 云水
第四节 点景
第五节 透视、构图与意境
第六章 中国花鸟画
第一节 工笔花鸟画
第二节 写意花鸟画
编后
参考书目
· · · · · · (收起)

用户评价

这本书的装帧设计简直是艺术品！封面那淡雅的宣纸质感，搭配着几笔写意的松枝，一下子就将人带入了一种沉静而悠远的东方美学意境中。内页纸张的磅数恰到好处，既能很好地承托水墨的晕染，又不会显得过于厚重难翻。排版上，作者对留白的处理达到了炉火纯青的地步，每一组图例和文字之间都保持着一种呼吸的距离感，让人在阅读时心神安定，专注于眼前的内容。尤其值得称赞的是，书中的色彩运用——虽然是基础入门，但即便是讲解基础的墨分五色的部分，那种由浅入深、层层递进的过渡，都处理得极为细腻。拿到手里，就能感受到出版方对“基础”二字的敬畏，它不仅仅是一本教学用书，更像是一件值得珍藏的艺术品，让人爱不释手，每一次翻阅都是一次精神的洗礼。我甚至觉得，在开始临摹之前，光是欣赏这本书本身，就已经学到了不少关于气韵和布局的道理。

这本书的创新之处，更体现在其对“心法”与“技法”平衡的把握上。很多技术书籍，教你如何用手，却不教你如何用心；而一些哲学导向的书籍，又过于强调意境而忽略了实际操作的难度。这本教材成功地架起了这座桥梁。它在讲解完“枯湿浓淡”的物理属性后，会立刻穿插一些关于“观察自然”和“修养性情”的段落，引导读者反思笔墨背后的精神世界。例如，在讲解画梅花的“枝法”时，它会结合中国文人精神中“傲骨”的意象来阐述，使读者明白，每一根线条的走势，都承载着创作者的情感立场。这种技进于道，道寓于技的编写思路，让这本书不仅仅是工具书，更像是一本关于“如何以中国画的方式生活和思考”的入门指南，让人在挥毫泼墨之间，体悟到传统文化的深层魅力和生活哲理。

我作为一个半路出家的国画爱好者，最大的困扰一直是“下手难”。市面上很多教材要么过于学院派，充满了生硬的线条和晦涩的术语，要么就是过于轻浮，教些不痛不痒的花拳绣腿。而这本教材的叙述方式，简直是为我们这种“半吊子”量身定制的。它不是那种居高临下的说教，更像是一位经验丰富的前辈，手把手地带着你，从最基本的“握笔的姿势”和“如何调配一碗墨汁”这种看似琐碎，实则决定了后期学习方向的细节入手。书中对“气韵生动”这个核心概念的拆解尤为精妙，它没有停留在空泛的口号上，而是通过对古代名家作品局部放大，结合现代视角进行深入浅出的剖析，让你真正理解，看似随性的一笔，背后蕴含着多少对自然规律的洞察和提炼。读完前几章，我甚至重新审视了自己过去对“写意”的理解，发现自己之前很多地方都理解得太片面了。

这本书在讲解技法时，那种循序渐进的逻辑性，真的让我感到惊喜。它没有一下子就要求你画出完整的山水或花鸟，而是将学习过程分解成了无数个可操作的小单元。比如，在学习“点皴”的那一章节，它不仅展示了“是什么”，更详尽地分析了“为什么”——为什么用侧锋容易产生苍劲感，为什么使用渴笔才能体现出枯石的质地。而且，教材中对于“临摹”的要求，强调的不是机械的复制，而是“理解性模仿”。它会提供不同时代、不同流派对同一物象（比如竹叶或山石）的几种处理方式，让读者自行对比、体会，从而建立起自己的审美判断体系。这种开放式的引导，极大地激发了读者的主动探索欲，而不是被动地接受既定范式，让人感觉自己不是在被动学习，而是在进行一场与古人、与自我的对话。

从内容广度和深度来看，这本书的覆盖面远超我预期的“基础”范畴。我原以为它只会涉及基础的笔墨练习，但令人意外的是，它还专门辟出一个章节，详细介绍了中国画装裱的基础知识，以及如何根据画面的内容选择合适的“装裱形式”——这在很多基础教材中是完全被忽略的环节。此外，它对于“入古出新”的探讨也颇有见地。在讲解了基础技法之后，它没有止步于传统，而是引入了如何将现代审美观念融入传统笔墨的讨论，这对于身处当代，渴望在继承中有所突破的学习者来说，提供了宝贵的理论支撑。这本书的作者似乎非常清楚，现代人学习传统艺术时，思维的跳跃性和对效率的追求，所以它在保证专业性的前提下，尽量减少了冗余信息，将核心知识点提炼得极为凝练，读起来效率极高。