石膏几何形体

出版者:湖北美术出版社

作者:潘德彬

页数:16

出版时间:1999-07

价格:15.00

装帧:平装

isbn号码:9787539407685

具体描述

潘德彬

无论是自然物还是人造物，从形体上我们都可以把它概括为几何

形体或几何形体的构成。几何形体是构成万物形体最基本的单位。如

树的主干可分析为圆柱体，人的头部基本形体可分析为球体。作为美

术基础训练，素描写生一般都是由石膏几何形体写生开始的。通过石

膏几何形体写生训练，可以使学生在透视学、绘画写生、构图等方面

获得一定的知识和技能，为进一步学习打下牢固的基础。

初学绘画首先要过勾形关。画石膏几何形体必须懂得一般的绘画

透视规律，特别是平视状态下物体形的基本规律。在写生方法上可先

画些结构素描，把石膏看成透明玻璃体来理解，每根结构线都可理性

的画出来，不画明暗。通过一段时间的训练，学生就会养成主动的绘

画习惯，逐步学会理解和分析。明暗调子的表现可以说是初学者要过

的第二关，写生明暗调子的表现是按照客观世界的规律来进行的。物

体受光后所产生的明暗变化规律必须弄清，明暗五调子是重要内容之

一。在画调子的过程中要整体的观察，只有这样才能正确的控制画面

的明暗关系。黑、白、灰是构成画面效果最大的、最基本的层次单位，

画者要善于在客观对象中归纳出这些基本层次来。如果这些基本层次

处理不当、画面就会产生“闷”或“灰”的现象。另外，绘画的工具

和材料都是有其自身特点的，我们要有充分体现材料魅力的概念。不

要临摹对象，只要不违反对象的明暗关系，画面最黑部位画多黑都是

由画者来确定的，同时也是由工具材料所局限的。

一、构图定位

作为写生的构图要求要能突出主体，画面要相对饱满。首先定出

对象总体外形，如最高点和最低点，最左点和最右点，以及它们所构

成的基本形。同时，要考虑对象总体外形的相似与准确性。

一 确字名物体所在的位置

一、确

在定位的基础上找出各物体所在的位置，不要轻易改变上一阶段

所确定的点。我们所画的对象都是在一个相对的空间环境里，他们都

有着前后、左右、大小不同的关系，这一阶段要画的就是这些关系。有

些初学者因不注意整体地画，或不按步骤进行，常常出现画完了才发

现空间位置不对的毛病。

三、画出各物体的基本结构

封面作品：石膏几何形体 钟亚萍（96级附中学生）

对各物体的基本结构要进行分析。凡对称结构可用正中线左右对

称地画。为了把结构画准确，可把看不见的部分理解的画出。在画每

个物体结构时一定要先画大结构后画小结构，先概括再深入。初学者

可把笔当尺，在眼和物之间将手臂伸直用拇指沿铅笔上下滑动来测量

对象各个部位的大小、长短、高低等比例。还可通过垂直线、水平线

衡量物象有关倾斜形的角度，以寻找正确的结构关系。最后，在画面

上画出明暗交界线的位置和投影的位置。

四、铺大调子

将画面所有的背光面及投影都铺上1―3遍调子，这样画面已右

明暗受我和一

背光两大部分了。在此基础上再由背光的最深部位开始，

逐渐地把背光及投影调子大的不同层次表现出来。当暗部已有大的变

化后，可由受光部相对深一些的部位开始将大的变化画出，在画受光

部的时候要注意与暗部比较地画，要严格控制色调不能过重不然就

失去了光感。

五、深入刻画

在绘画的整个过程中，虽然我们总是强调要整体地画，但毕竟还

是从第一笔开始的，整体地画的含意是针对某一步骤而言的。如起稿

阶段，必须将对象的形体结构都画完才能上明暗，这是整体地画。如

果画面还有部分物体的形体结构没有画出，而另外一些物体已上了明

暗，这就是不整体的。在深入刻画步骤里，画者必须一个局部一个局

部的深入仔细地刻画，画足。不然，画面就会像没画完似的。这一阶

段在观察上要特别注意的问题是，既要局部地观察又要整体地比较，

局部服从整体。同时，还要注意近实远虚空间关系的把握和物体质感、

量感的塑造。

六、调整

在深入刻画阶段，画者的重点是放在深入上，有可能顾此失彼，

整体效果不好。因此，调整阶段的任务就是要从整体上审视画面，看

看大的明暗关系拉开没有，画面是否显得琐碎、凌乱，形体及透视关

系是否画准等。总之，要去掉画面上的败笔（不好的地方），使画面效

果统一、完整。

（作者系中专部副主任、副教授）

用户评价

我购买这本书的初衷是想找一本关于基础造型训练的速成指南，希望能在短时间内掌握一些速写技巧。然而，这本书的内容远远超出了我的预期，它更像是一部关于“形体哲学”的入门读物。它没有提供任何“三分钟学会画立方体”的捷径，反而让我明白了为什么很多初学者在画几何体时会感到困难——那是因为他们只在模仿外形，而没有真正理解构成这个外形的内在逻辑和结构关系。作者反复强调，每一个几何形体都不是孤立存在的，它们是相互渗透、相互定义的。书中关于“透视坍缩”和“视觉压缩”的讨论，非常深入浅出地解释了二维平面如何暗示三维深度，这对我理解空间透视的本质性规律起到了决定性的作用。读完这本书，我的心态发生了转变，不再急于求成，而是愿意花时间去“感受”一个圆柱体是如何从一个平面拉伸而成，或者一个锥体是如何从一个点辐射开来。这种对基本构成单元的敬畏和深入理解，反而为我后续的创作打下了更坚实、更具创造力的基础。

说实话，这本书的排版设计简直是艺术品级别的享受。我是一个对书籍触感和视觉体验要求比较高的人，这本书的纸张选择非常考究，那种略微粗糙但吸光的质感，让任何细微的线条和渐变都能得到完美的呈现。而且，全书的装帧工艺非常扎实，即便是经常翻阅也不会有松脱的感觉。更值得称赞的是，它在处理复杂的几何图形时所采用的印刷技术。那些阴影的层次过渡得极其平滑自然，完全没有廉价印刷品常有的那种生硬的色块感。比如，它在表现“交切面”时，那种从明亮到黑暗的过渡，精准地模拟了真实光线下石膏表面的漫反射效果。这本书的图文关系处理得极其平衡，文字总是恰到好处地引导你的目光聚焦到关键的视觉信息上，从不喧宾夺主。我甚至觉得，这本书本身就是一件关于几何美学的实体范例。对于那些对视觉艺术和设计有追求的人来说，这本书的“物性”本身就是一种价值的体现，它提供的阅读体验是多维度的，而非仅仅信息输入的单向过程。

我对这本书的评价，必须从它的结构和引用的角度来谈。这本书的学术严谨性是毋庸置疑的，但它巧妙地避开了纯粹的数学推导，而是以一种跨学科的视野来构建它的理论体系。我惊讶地发现，作者竟然能够将古希腊哲学中对完美的几何形态的追求，无缝衔接到文艺复兴时期透视法的确立，再联系到二十世纪初包豪斯对基础几何的推崇。这种宏大叙事的能力，使得阅读体验变得非常流畅且具有历史厚重感。书中引用了许多我意想不到的艺术史案例，比如分析蒙德里安的构图如何是平面几何形式的极致表达，以及立体主义绘画中对多重视角的几何分解。这些引用不是为了炫耀知识储备，而是作为支撑其核心观点的有力论据。对于每一个重要的几何概念，作者都追溯了其在人类文明进程中的演变，这让原本冰冷的“形”拥有了鲜活的文化脉络。阅读这本书，就像是参加了一场由一位博学多才的学者主持的跨越数千年的文化沙龙，它极大地拓展了我对“形式即内容”这一理念的理解深度。

说实话，我是在一个灵感枯竭的下午偶然翻到这本书的，当时我正苦恼于一个室内设计的项目，总觉得空间布局缺乏层次感，死气沉沉的。这本书的内容，虽然标题听起来和室内设计似乎关联不大，但它提供的思考框架却极其有效。它深入探讨了不同几何组合对人类心理产生的影响。比如，它分析了为什么尖锐的、具有强烈方向性的三角形会激发行动感，而圆润的椭圆则带来安宁与包容。书中用了大量的篇幅来解析古典建筑中如何运用比例和重复的几何母题来营造秩序感和庄重感，这对我启发很大。我立刻联想到了如何将这些“体块的对话”应用到我的平面规划中，尝试用不同的体量和进深来划分功能区域，而不是简单地砌墙。最让我印象深刻的是其中一章关于“负空间”的论述，作者强调了被物体环绕的空间同样重要，它定义了物体的存在。读完这一章，我感觉自己的视野瞬间被拓宽了，仿佛突然明白了为什么有些房间虽然很大却让人感到压抑，而有些小空间却让人感到舒适——那都是关于形体间微妙张力的学问。这本书不是教你如何画，而是教你如何“思考空间”。

这本书拿到手里，首先映入眼帘的是那种带着岁月沉淀感的封面设计，嗯，很有味道。我原本以为这会是一本晦涩难懂的理论专著，毕竟“几何形体”这几个字就让人联想到枯燥的公式和抽象的图表。然而，翻开第一页，我立刻被作者那种近乎诗意的笔触所吸引。他没有直接抛出复杂的数学定义，而是从最基础的光影变化和空间感知入手，娓娓道来。读到描述一个球体如何捕捉周围环境的色彩，以及棱柱如何以其坚硬的边缘切割空间时，我仿佛身临其境，手中好像正拿着一块真实的石膏模型，触摸着它冰冷而光滑的表面。作者对于材质和形态的观察入微，比如他细腻地描绘了立方体不同面在不同光源下呈现出的微妙的灰度差异，这不仅仅是物理现象的记录，更是一种对视觉本质的探究。书中穿插的一些手绘草图，虽然简单，却精准地捕捉了形体在三维空间中的动态平衡，这些图示的布局和留白处理得极佳，给人一种呼吸感，完全不像那种塞得满满当当的教科书。总的来说，这本书像是带我进行了一场关于“看见”的深度冥想，它教会我如何用眼睛去“触摸”世界，而不是简单地“识别”物体。我甚至开始留意起日常生活中那些被我忽略的建筑边缘和家具的几何结构，这是一种非常美妙的转变。