肖邦和浪漫乐派

出版者:浙江人民出版社

作者:（意）卡瓦莱蒂

页数:64

译者:邵天舒

出版时间:2003-01

价格:35.00

装帧:铜版纸彩印精装

isbn号码:9787213024566

具体描述

这是音乐的季节，让我们走进音乐，用眼睛来享受音乐。这套赏乐绘本系列将带给你前所未有的音乐震撼：与贝多芬一起经历法国大革命；与肖邦一起见证浪漫主义文学的“狂飙运动”；看一看巴赫当年合唱团的编制；流连忘返于上演莫扎特歌剧的富丽堂皇的院；在爵士乐的氛围中亲眼目睹黑人的苦难经历；做一回猫王、披头士这样的摇滚青年；在世界各地瑰丽风景中聆听奇异的民族音乐；到世界闻名的歌剧中坐坐，感受当年歌导师上演的氛围……

用户评价

关于《歌剧的诞生与革新》，这本书的视角独特得让人耳目一新。它没有将重点放在威尔第或瓦格纳那些耳熟能详的段落上，而是将大量的篇幅投入到早期意大利歌剧（尤其是蒙特威尔第和卡瓦利的作品）的文本结构和美学理念上。作者深入探讨了“文字与旋律”之间紧张而微妙的关系，指出早期歌剧如何试图复兴古希腊的悲剧精神，这需要对文本的清晰度和情感的直接表达有极高的要求。我尤其欣赏他对“宣叙调”和“咏叹调”功能区分的详细论述，这让我明白了，那些华丽的咏叹调并非单纯的炫技，而是在叙事流程中的一次必要的“情感暂停”和“心灵聚焦”。书中还配有大量早期歌剧舞美设计的复原图，那些复杂的机械装置和象征主义的布景，让我深刻理解了歌剧作为一种“总体艺术”（Gesamtkunstwerk）的早期雏形是如何在技术和艺术的限制中挣扎与成长的。这是一本真正从源头追溯歌剧艺术如何诞生的重量级著作。

翻开《交响乐的演进：从海顿到马勒》，我立刻被作者那极富画面感的描述语言所吸引。他笔下的海顿，不再是刻板的“交响乐之父”，而是一个充满机智和幽默感的音乐魔术师。书中通过对伦敦和维也纳时期海顿作品的对比分析，揭示了音乐赞助人制度如何塑造了作曲家的创作方向和风格转变。而当叙事转向贝多芬时，那股冲破桎梏的英雄气概便扑面而来。作者对《命运交响曲》的“战胜黑暗”主题，进行了相当激进的解读，认为其中蕴含着启蒙运动后期的个体主义觉醒的深刻内涵，这种解读视角新颖，绝非教科书上的陈词滥调。更令人拍案叫绝的是，他对马勒后期作品中那种近乎精神崩溃边缘的宏大叙事，给予了极大的关注和同情。读到关于马勒对“死亡”和“虚无”的音乐化表达时，我甚至感到了一种莫名的压抑和震撼，仿佛自己也置身于那个世纪末的焦虑氛围之中。这本书的妙处在于，它不仅讲了音乐，更讲了音乐背后的社会心态和时代精神。

这部厚重的书籍，名叫《古典音乐的辉煌殿堂》，简直是一场穿越时空的音乐盛宴。作者以极其细腻的笔触，勾勒出了巴赫时代那严谨、恢弘的音乐结构。我读到他对于赋格曲和对位法那近乎痴迷的分析时，简直能想象出巴赫在莱比锡圣多马教堂里，面对管风琴时那种神性的专注。书中详尽地考证了巴赫早期作品的流传过程，尤其是那些鲜为人知的早期清唱剧手稿的修复工作，描述得栩栩如生，仿佛我就是那个在尘封的档案库里，小心翼翼翻阅泛黄乐谱的学者。他对巴赫音乐中蕴含的宗教哲学思考，也进行了深入的阐释，让我明白了，那些看似复杂的音符排列，实则承载着对宇宙秩序和神圣权威的敬畏与探索。这种对古典主义初期那种理性至上、结构完美的追求，与后来浪漫主义那种情感喷薄而出的风格形成了鲜明的对比，使得全书的叙事节奏张弛有度，层次分明。读完这部分，我对“音乐的逻辑性”有了全新的认识。

《室内乐的私密对话：弦乐四重奏的艺术》这本书，读起来就像是参与了一场高雅而私密的沙龙聚会。它成功地将原本被视为“精英文化”的弦乐四重奏，转化成了一种充满生活气息和情感交流的艺术形式。作者聚焦于海顿确立的四部声部间的对话模式，并着重分析了勃拉姆斯是如何在继承这种“对话”传统的同时，又注入了强烈的个人主义色彩和德奥民间音乐的情绪基调。书中对第四乐章的分析尤其精彩，探讨了作曲家们如何打破传统的曲式结构，用更加自由、更具即兴感的笔法来结束一部作品，这往往是对整部作品情感张力的最后一次释放或沉淀。我特别喜欢他描述小提琴、中提琴和大提琴之间那种“相互倾听”的状态，仿佛这三者之间存在着一种超越语言的默契和理解。这种关注细节、关注人际互动（即使是乐器之间的互动）的写作方式，让原本抽象的音乐变得具体可感，充满了人性的温暖和智慧的闪光。

我对《键盘乐器发展史：从羽管键琴到现代钢琴》这本书的喜爱，主要源于它那种技术层面的严谨性和对声音美学的细致捕捉。作者对“击弦机理”的描述，简直可以作为乐器制造手册的范本。他详细对比了道尔塞姆（Dulcimer）、羽管键琴（Harpsichord）和古钢琴（Fortepiano）在音色、力度控制和延音处理上的根本差异，清晰地解释了为何莫扎特的作品听起来与海顿的作品在“触感”上会有微妙的不同。书中花费了大量篇幅来介绍钢琴制造技术在工业革命期间的飞速发展，例如钢架结构的应用如何使得钢琴能够承受更大的张力，从而产生了更宏大、更持久的音响效果。这种从物理学角度切入音乐史的方式，非常对我的胃口。它不再停留在“好听”的层面，而是深入到“如何发出这个声音”的本质问题上，让我对后来钢琴作品的演奏技巧有了更深层次的理解，比如肖斯塔基维奇的那些需要极高力度的段落，放在不同时期的乐器上演奏，效果必然是天壤之别。

今日下午在图书馆翻到，即刻看完。

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