中国画教学示范图集

出版者:同济大学出版社

作者:刘华云

页数:172

出版时间:1993-12

价格:38.00

装帧:平装

isbn号码:9787560812441

具体描述

内 容 提 要

本书是继《儿童写意画入门》后，刘华云女士和甄鸿柱先生推出的又一本中国画范例参考书，本书

特别适合具有一定中国画基础的人临摹、借鉴用。本书题材广泛、形式多样，每一幅画均附有文字说

明，同时还介绍了画面构思、色彩处理、落款及钤印，读者通过学习本书能大大提高和充实自己的笔墨

技巧和方法，继而自己创作出更新颖、完美、更具自己个性和魅力的中国水墨画作品来。

用户评价

这本书的排版布局非常讲究，每一页的留白和图文的比例都经过精心设计，视觉上给人一种宁静致远的感觉，非常符合中国画的审美情趣。不过，从教学的角度来看，它对不同画种的侧重点划分得不够均衡。比如，对于一些较为写实的题材，它的示范图几乎达到了照片级的精准度，但在一些更偏向于抽象和写意的题材上，展示的深度和广度就显得有些不足了。我特别想学习一些关于如何用最少的笔墨，去表现最丰富内涵的技法。但这本书中的写意作品，虽然气势磅礴，但往往因为笔触的力度和速度感过于强烈，使得初学者难以复制那种一气呵成的感觉。感觉作者似乎默认读者已经能够掌握了控制“力道”和“速度”的平衡点。我期望能看到更多关于“限制性练习”的章节，比如只用一笔、只用干笔、或者只用一种颜色来完成某个局部，通过这种刻意的限制来激发对笔墨本质的理解。这本书更像是一本展示艺术高度的画廊图录，而不是一本鼓励探索和实验的教学手册，这让我的学习目标在其中变得有些飘忽不定。

这本册子的印刷质量是无可挑剔的，色彩还原度极高，即便是最细微的赭石和花青的层次变化，都能清晰地呈现在眼前。这使得它在色彩搭配的学习上具有一定的参考价值。然而，在涉及对“意境”的营造方面，我总觉得它缺少了一层深入的阐释。例如，在表现一些写意山水时，墨法的运用达到了出神入化的地步，水墨的洇化效果令人叹为观止。但对于这种“洇化”是如何在短时间内通过控制水分和下笔速度实现的，书里并没有给出任何技术性的分析。它更像是在呈现“结果”，而不是“过程中的思考”。我一直在寻找那种能够帮助我理解画家在落笔前头脑中的构图和意图的书籍。如果能加入一些画家的手稿或者创作笔记的扫描件，哪怕只是一两页，或许能帮助读者更好地进入那个创作情境。目前看来，这本书更像是为已经懂得欣赏和理解高深技艺的行家准备的，对于我们这些还在努力捕捉“神韵”的初学者来说，它提供的参照物虽然宏伟，但缺乏一座可以攀爬的阶梯，所有的努力都必须建立在自己摸索出来的基础之上。

这本画册，拿到手的时候，那种纸张的触感就让人心里一动，厚实的铜版纸，拿在手里沉甸甸的，完全不是那种廉价印刷品的感觉。我本来是想找一些基础的笔墨技法入门的，可翻开这本册子，才发现它更像是一本高级的艺术品鉴赏录。它没有太多刻板的线条勾勒图，而是直接呈现了许多令人惊叹的成稿。比如说其中一幅关于山水的长卷，光是那云雾缭绕的处理，就让我琢磨了好一阵子。你看那墨色的浓淡干湿变化，简直是教科书级别的示范，但我作为一个初学者，面对这种极致的成品，反而有点手足无措，不知道该从何处下手去模仿。书里对具体“如何画”的步骤拆解得不够细致，更侧重于“应该画成什么样”的最终效果展示。如果你的目标是想系统地学习如何握笔、如何调墨，或者如何分解一个复杂的结构，这本书的直接指导性可能略显不足。它更像是一位功力深厚的老师在你旁边站着，时不时指点你一下，但核心的修炼还得靠自己去摸索。我期待的是那种手把手的教学，但这本更像是成果汇报展，虽然震撼，但对于我这种起步阶段的爱好者来说，消化起来有点难度。我希望能看到更多关于不同笔触在不同纸张上的实际效果对比，或者不同画材搭配的实验记录，那样会更有助于我理解材料与技法之间的微妙关系。

说实在的，当我翻到关于人物画的部分时，我的内心是极其复杂的。一方面，那些人物的神态和气韵确实抓得极准，特别是对于传统仕女那种超然物外的神韵描绘，简直是活灵活现。但另一方面，我发现这本书在讲解人物结构和比例时，显得非常跳跃。比如，在展示一个侧面半身像时，它直接呈现了最终完成度很高的线稿，但对于如何从一个基本的几何形体过渡到这个复杂的动态结构，中间的关键步骤却是一笔带过。这让我不禁猜测，这本书的目标读者群是不是已经具备了相当扎实的素描功底？如果我是零基础或者只有一点点国画基础的人，看到这种“从无到有”的跨越式展示，可能会感到极大的挫败感。它更像是给专业人士之间交流的“暗号集”，大家都心知肚明某些基础知识是默认前提的。我更希望看到对“气韵生动”背后的解构，比如如何通过线条的粗细变化来表达人物的性格，或者如何通过眼神的处理来传递复杂的情感，而不是仅仅欣赏最终的效果。这种缺失结构性引导的内容，使得这本书的实用价值在基础层面大打折扣，更像是一本欣赏性的画册。

这本书的装帧设计确实是下了一番功夫的，封面设计那种留白的处理方式，简洁却又不失东方韵味，让人眼前一亮。然而，内容上，我感觉它更像是一套主题明确的“样板房”展示，而不是一本可以随便翻阅、从中汲取灵感的“工具箱”。我特别留意了其中关于花鸟部分的描摹，那些工笔的细致程度令人发指，羽毛的纹理、花瓣的脉络，都处理得极其到位。但这正是我感到有些困惑的地方：它似乎只展示了“完美”的状态，却鲜有提及在达到这种完美之前，艺术家可能经历的多次失败和调整。比如，在画一枝竹子时，我希望能看到从初稿的松散到定稿的遒劲，中间有哪些关键的修改点，是加强了筋骨还是调整了气韵。这本书提供的往往是最后定稿的放大细节，这固然能体现高超的技艺，但对于我们这些还在摸索阶段的人来说，这条通往“高超”的路径却是模糊不清的。它像是一部顶级厨师的烹饪秘籍，里面罗列了所有精美的菜肴成品图和配料清单，但对于火候的把握、调味的微妙差异，并没有给出详细的文字说明。我希望它能更具“可操作性”，增加一些针对常见错误的纠正指南，而不是仅仅展示成功的范例。