写意花鸟与山水画入门

出版者:金盾出版社

作者:杨树常

页数:136

出版时间:1999-07

价格:23.00

装帧:精装

isbn号码:9787508208787

具体描述

内容提要

本书为画家杨树常先生的最新力作，虽以指导初学入门为写作主旨，却

凝聚了作者几十年绘画创作、研究与教学的心血。书中全面阐述了中国画的

主要特点、笔墨技法、构图、风格、意境以及创作与欣赏等基本知识，系统而

具体地讲授了写意花鸟画与山水画的种种画法。内容丰富扎实，文字简洁生

动，讲解精到透辟，表达深入浅出，图文并茂，示教直观。除所附技法图145

幅以外，还收入了作者38幅写意花鸟与山水画作品，可供借鉴与欣赏。作为

绘画学习的向导，本书实为初学写意花鸟与山水画的理想之选，但它同时也

可使已经学有基础的读者从中受益，并可供相关院校师生阅读参考。

作者简介

作者简介

作者杨树常，又名硕，1925年生于河南商城，40年代就读于京华美术学

院国画系，并拜著名画家王铸九为师，曾得到李苦禅、王青芳等名家指点，主

攻写意花鸟与山水画。

数十年来，他潜心学习古今名家之长，研读中国画理论，同时以造化为

师，到大自然中去观察、感受、写生，精神振奋，心胸开阔，对绘画充满激情。

经过长期勤学苦练，不断地探索、追求，其作品逐渐形成自己的风格。笔墨苍

润浑厚，构图严谨，气势豪放，格调清新，充满生活气息。作品曾多次在国内

外展出，并在许多报刊发表，深受好评

《写意花鸟与山水画入门》一书，是在他执教于中国书画函授大学时的

讲稿和画稿的基础上整理编著的。其中许多内容是他本人数十年从事中国

画研究、教学的心得体会及艺术实践经验的总结。内容丰富，既讲技法又讲

理论，既讲传统又讲创新，可供学习中国画的朋友阅读借鉴。

目录信息

目录
前言
一、浅谈中国画
（一）什么叫中国画
（二）中国画的主要特点
（三）中国画分类
二、工具、材料和使用技法
（一）笔的性能和使用技法
（二）墨的使用技法
（三）颜料的性能和设色法
（四）纸的性能和使用
（五）水的使用技法
三、学习中国画的主要方法
（一）临摹
（二）写生
（三）速写和默写
（四）素描
四、写意花鸟画技法
（一）梅花画法
（二）兰的画法
（三）竹的画法
（四）菊花画法
（五）牡丹花画法
（六）荷花画法
（七）玉兰花画法
（八）杜鹃花画法
（九）紫藤花画法
（十）凌霄花画法
（十一）山茶花画法
（十二）水仙花画法
（十三）葡萄画法
（十四）木英蓉花画法
（十五）芭蕉画法
（十六）批杷画法
（十七丝瓜画法
（十八葫芦画法
（十九）禽鸟画法
（二十）草虫画法
五、写意山水画技法
（一）树木画法
（二）山石画法
（三）云的画法
（四）水的画法
（五）点景人物、房舍、船艇、桥梁画法
（六）山水画设色法
（七）几种彩墨山水画画法
六、构图
七、创作与欣赏
（一）感情
（二）修养
（三）以形写神
（四）个人风格
（五）意境
（六）创新
（七）怎样欣赏中国画
［附］作品参考
野趣
秋实
秋色佳
江南
五月批把鲜
篱边
玉兰
月夜
香露
月梅
春趣
湖边情趣
春江水暖鸭先知
十里荷香
明珠
秋光烂
漫
春光如醉
天香
远瞩
山河壮
荷塘翠鸟
�春
云雾山中
群峰夕照
秋瀑
峡江之晨
云漫山谷
白云晴岚
峡谷飞瀑
秋瀑
轻舟已
过万重山
清晖
云山松泉
峡江行
春游张家界
雨后春山
更苍翠
太行山居
山谷流泉
夏荷翠鸟（封面）
江亭胜览（封底）
· · · · · · (收起)

用户评价

这本书的装帧和纸张选择，透露出一种低调的奢华感，但内容上却非常朴实、直接。我尤其欣赏它对材料特性的探讨，虽然篇幅不长，但对笔锋的种类、墨汁的研磨状态对画面最终效果的影响，进行了非常细致的分析。这种对物理媒介的尊重，让我对平时的工具产生了新的认识。比如，书中提到不同季节、不同天气的环境下，水与墨的融合速度差异，这个细节对于追求“时令感”的国画创作来说，简直是太实用了。我感觉作者非常理解创作者在实践中遇到的困惑，他没有用高深的理论来压人，而是用非常接地气的方式，告诉你如何与你手中的毛笔和宣纸进行一场“对话”。读完这部分内容后，我重新审视了我常用的那几方砚台，发现它们带给我的墨韵确实有所不同。这本书让我明白了，技术的基础，往往隐藏在对最基本材料的细致观察和理解之中。

我注意到这本书在引用的典故和诗词方面做得非常考究，引用的大多是与画家生平或其创作心境高度契合的片段，这极大地丰富了阅读体验。它不是一本干巴巴的技法手册，更像是一本深入中国传统文人精神世界的导览。特别是其中对于“写意”精神如何应对现代生活的快节奏的讨论，让我很有共鸣。作者没有鼓吹复古，而是倡导如何将古人的洒脱和对自然的敬畏之心，融入到当下的创作之中。我读到一些关于画家如何在逆境中保持心境平和的记述时，深受触动，这让我意识到，艺术的表达，归根结底是对自我精神状态的投射。这本书像一位睿智的引路人，它没有给我一张现成的地图，而是给了我一套探索未知风景的罗盘和指南针，让我更期待自己的探索之路。

我平时对水墨写意的兴趣比较杂，涉猎过一些书法和篆刻的入门书籍，所以对这类强调“意境”的读物有种天然的亲近感。这本书最让我感到惊喜的是，它似乎对如何将心境融入笔端有着独到的见解。虽然没有直接展示大量的花卉或山石的范例，但它通过对文人画精神的阐释，构建了一个完整的审美框架。例如，书中探讨了“一笔不苟”和“信手拈来”之间的辩证关系，这对我理解国画的随机性和结构感帮助极大。我尝试着去理解画家在落笔前是如何在心中完成构图和意境的转换的，书中对“胸中有丘壑”的描述，让我这个新手第一次明白了为什么高手的画作看起来那么自然流畅。它更像是提供了一把钥匙，让你去开启那些藏在水墨深处的密码，而不是直接告诉你密码是什么。对于一个已经有一定基础，但总觉得画不出“灵气”的人来说，这本书简直是醍醐灌顶，它提供的不是工具，而是思维方式的重塑。

这本书的章节结构安排得非常巧妙，它不按部就班地从“点”讲到“线”，而是采取了一种主题式的推进。其中有一个章节专门讨论了“留白”在画面构图中的哲学意义，这远远超出了美术基础理论的范畴。作者用了很多篇幅来论述“虚”与“实”的对立统一，这让我对中国画中那种空灵感有了更深刻的理解。对我个人而言，我过去总是倾向于把画面填满，总怕留白显得单调，但读完这本书后，我开始学着欣赏那种“不画之画”的力量。这种思考方式的转变，直接影响了我最近几次的练习，我开始有意识地去控制墨色的渗透范围和留白的大小，以期达到一种呼吸感。它教会了我，有时候“不落笔”才是最难的一笔，而这种境界的追求，正是这本书的价值所在。

这本画册的装帧和纸张质感简直是绝了，拿在手里沉甸甸的，感觉像是捧着一件艺术品。翻开扉页，首先映入眼帘的是一些古代名家的墨迹拓片，线条的起承转合、墨色的浓淡干湿处理得极其精妙。我特别喜欢里面关于“气韵生动”的论述，虽然没有直接展开到具体的技法，但从那些古籍引文中，我能感受到中国传统绘画那种追求神韵而非形似的精神内核。书中的排版设计非常讲究，留白的处理恰到好处，让人在欣赏那些经典作品时，心绪能沉淀下来，细细品味每一笔的内涵。对于初学者来说，这种从宏观的审美境界入手，而不是急着教你怎么握笔、怎么调墨的引导方式，非常高明。它让人明白，学画画首先要学的是如何“看”，如何体会自然万物的生命力，这比单纯的模仿技巧重要得多。我最近常对着那些拓本临摹，虽然功力尚浅，但光是体会那种古人的胸襟气度，就已经受益匪浅了。这种对文化底蕴的强调，让这本书超越了一般的技法指南，更像是一本艺术哲思录。