现代设计史

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出版者:重庆大学出版社
作者:
出品人:
页数:166
译者:
出版时间:2012-2
价格:25.00元
装帧:
isbn号码:9787562465584
丛书系列:
图书标签:
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具体描述

《艺术硕士入学考试考点精编:现代设计史(白金版)》在内容编排采取大纲式,重点概念和内容用粗体标出,力图通过简明的体例、精练的文字将文学艺术的博大精深全方位、立体地展现出来,使读者在有限的时间内轻松获取知识。主要包括现代设计的萌芽与“工艺美术”运动、“新艺术”运动等内容。

《光影流转:十八世纪欧洲的艺术风华》 这是一部关于十八世纪欧洲艺术发展的史诗性画卷。本书深入探究了那个被誉为“启蒙时代”的黄金时期,在视觉艺术领域所激荡出的澎湃浪潮。从巴洛克晚期的辉煌余晖,到洛可可的轻盈曼妙,再到新古典主义的庄重典雅,乃至浪漫主义的汹涌情感,本书层层剥茧,为读者呈现了一幅幅色彩斑斓、思想深刻的艺术图景。 我们并非简单地罗列名家名作,而是试图勾勒出艺术风格演变的内在逻辑与时代精神的紧密联系。书中,洛可可的柔美曲线与田园诗般的描绘,如何呼应了宫廷贵族的享乐主义与对精致生活的追求?新古典主义的理性秩序与对古希腊罗马的崇尚,又如何折射出启蒙思想家们对理性、道德与公民美德的推崇?而当社会矛盾日益激化,浪漫主义的个人主义、情感宣泄与对自然的敬畏,又怎样成为了那个动荡年代的艺术心声? 本书精心挑选了最具代表性的艺术家及其作品,如安托万·华托笔下那充满诗意的《船上聚会》,让-奥诺雷·弗拉戈纳尔《秋千》中跳跃的欢愉,雅克-路易·大卫《荷拉斯兄弟的誓言》所彰显的公民责任,以及特奥多尔·籍里柯《梅杜莎之筏》所揭示的人性挣扎与抗争。这些作品不仅仅是视觉的盛宴,更是理解当时社会、政治、哲学思想的重要载体。 我们特别关注艺术媒介与技术的发展,如油画技法的精进、版画的普及,以及瓷器、家具等实用艺术品的精美绝伦,它们如何共同构建了十八世纪欧洲丰富多元的艺术生态。同时,本书也探讨了艺术赞助体系的变化,从教会和王室的主导,到新兴的资产阶级和画商的崛起,这种转变对艺术创作的内容和形式产生了怎样的影响。 此外,本书还将目光投向艺术理论的萌芽与发展。温克尔曼对古典美的定义,狄德罗对艺术评论的实践,以及卢梭对自然与艺术关系的思考,这些思想家们的论述,不仅指导了当时的艺术创作,也为后世的艺术研究奠定了重要基础。 《光影流转:十八世纪欧洲的艺术风华》旨在带领读者穿越时空,身临其境地感受那个充满智慧、激情与创造力的时代。本书适合所有对西方艺术史、欧洲文化以及时代精神感兴趣的读者,希望能为您打开一扇通往那个辉煌年代的窗口,激发您对艺术的更深层次的理解与热爱。 --- 《星汉璀璨:中国古代天文观测的智慧》 本书是一部关于中国古代天文学发展的详尽梳理。在遥远的古代,当人类仰望星空,不仅仅是为了寻找方向、预测季节,更是试图从中解读宇宙的奥秘,探寻天人感应的规律。中国古代天文学,正是这样一种融合了科学观测、哲学思辨与政治实践的独特体系。 我们将追溯中国天文学的源头,从商周时期那些刻在甲骨文上的简略星象,到汉代浑天说的建立,再到宋元时期,天文学家们利用精密的仪器,观测记录下无数的星体运行轨迹,并发明了令人惊叹的浑仪、简仪等天文仪器,这些仪器至今仍是中国古代科技智慧的闪耀证明。 本书将重点介绍中国古代在天象观测方面的辉煌成就:例如,对恒星位置的精确测定,对行星运动规律的初步认识,对新星、超新星等特殊天象的详实记载,以及对月食、日食等天文现象的预测。这些记录和预测,不仅是中国古代科学家严谨治学的体现,也为后世天文学的研究提供了宝贵的第一手资料。 我们还将深入探讨中国古代天文学背后的哲学思想。天人合一的观念如何渗透到天文学的解释之中?二十八宿、十二次等星官系统的形成,反映了古人怎样的宇宙观?阴阳五行学说又如何与天体运行相结合,解释世间万象?本书将揭示这些观念如何影响了古代王朝对历法的制定、对祥瑞与灾异的解读,以及对政治统治合法性的论证。 此外,我们还会介绍中国古代历法的发展演变,从最初的阴历,到逐渐成熟的阴阳合历,以及不同朝代在历法上的改革创新。历法不仅是记录时间的重要工具,更是古代国家管理、农业生产、祭祀庆典等各项活动的基础。 本书还将触及中国古代与天文学相关的其他领域,例如古代占星术的兴起,以及它们如何与统治者的决策紧密相连。同时,也会提及一些有趣的民间天象传说和故事,它们折射出普通民众对星空的想象与敬畏。 《星汉璀璨:中国古代天文观测的智慧》致力于向读者展现中国古代天文学的博大精深与独特魅力。它不仅仅是关于星辰的科学记录,更是关于一个古老文明如何认识宇宙、理解世界,并将这份智慧融入其社会、文化与政治生活方方面面的生动写照。希望本书能激发您对中国古代科技史和文化遗产的浓厚兴趣。 --- 《色彩与情绪:印象派绘画的情感密码》 这是一部关于印象派绘画的深度解读,它不仅仅关注画布上的笔触与光影,更致力于揭示印象派艺术家们如何通过色彩与构图,捕捉并传达瞬间的情感与主观感受。印象派的出现,是艺术史上一次划时代的变革,它打破了学院派的束缚,将艺术的目光从宏大的历史题材转向了日常的生活场景,将描绘的重点从客观的形体转移到了主观的光色体验。 本书将带领读者一同走进十九世纪末的巴黎,那个充满变革与活力的时代。我们将探究莫奈笔下那变幻莫测的《睡莲》系列,感受他如何捕捉光线在水面跳跃的微妙变化,以及由此引发的宁静与冥想。我们会跟随雷诺阿的画笔,走进那些阳光明媚的咖啡馆、公园与舞会,感受他笔下人物的愉悦与生动,以及他所钟爱的温暖、明亮的色彩。 本书的重点在于深入剖析印象派艺术家们在色彩运用上的创新。他们如何打破传统意义上的色彩规则,大胆地将纯色并置,利用互补色来增强画面的视觉冲击力?他们是如何观察并描绘自然界中微妙的光色变化,如同一位“捕光者”,将转瞬即逝的光线凝固在画布之上?我们将分析德加笔下芭蕾舞女的动感与姿态,思考他如何利用独特的视角和构图,捕捉她们在舞台上的瞬间魅力,以及那种微妙的孤独感。 除了色彩,本书还将探讨印象派在构图和表现手法上的革新。他们如何借鉴日本浮世绘的平远构图与大胆切割?如何利用速写式的笔触,营造出一种“未完成”的、充满活力的画面感?我们还将审视那些描绘乡村风光、城市街景、家庭生活等日常题材的作品,理解印象派艺术家们如何从中发现诗意与美,并赋予它们全新的生命。 更重要的是,本书试图挖掘印象派绘画背后的情感力量。那些明亮的色彩、轻快的笔触,是否仅仅是对视觉现象的简单模仿?抑或是艺术家们对生活的热爱、对自然的赞叹,以及对个体感受的深刻体认?我们将探讨,印象派的画作如何在看似轻松愉快的画面之下,蕴含着艺术家们对时代变迁、社会现实以及个体生存状态的复杂情感。 本书还将简要介绍印象派对后世艺术流派的影响,如后印象派、野兽派等,是如何在印象派的基础上,进一步探索色彩与形式的表现力。 《色彩与情绪:印象派绘画的情感密码》希望能够帮助读者更深入地理解印象派绘画的艺术价值与情感内涵。它不仅仅是一次视觉的旅行,更是一次走进艺术家内心世界的探索。通过本书,您将能够以全新的视角去欣赏这些传世之作,感受色彩背后的丰富情感,体会那个时代艺术的自由与活力。

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读后感

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用户评价

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我必须说,这本书的结构安排充满了匠心。它采用了“焦点案例研究”与“宏观趋势扫描”相结合的方式,使得阅读过程充满层次感。比如,它用一个章节来细致解剖一张椅子——从材料选择到人体工学设计,再到其在不同历史时期的象征意义,这种微观的剖析,有力地支撑起了其对整个设计范式转变的宏观论断。我个人对书中关于媒介设计演变的讨论非常感兴趣,尤其是对早期印刷技术如何塑造了信息时代的视觉语言的描述,以及排版逻辑如何潜移默化地影响了公众的认知习惯。作者的语言风格非常具有画面感,描述那些工业制造流程和工作室的场景时,仿佛能闻到油墨和刨花的味道。这本书最大的价值在于,它强迫读者去思考,在每一次“创新”的背后,都有无数次被历史淘汰的选择和被边缘化的声音,而这些声音恰恰构成了设计史更加丰满的肌理。

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这本关于设计史的著作,其最大的魅力在于它提供了一种极其独特的全球化视角。它没有将目光仅仅聚焦于欧美主流设计中心,而是花费了大量篇幅去探讨日本的“间”的哲学如何影响了极简主义的视觉表达,以及拉美地区的设计师们如何在后殖民的背景下,试图构建属于本土的现代性。这种视野的广阔性,极大地拓宽了我对“现代设计”这一概念的认知边界。书中对战后消费主义崛起的描绘也相当精彩,它细致地分析了设计如何从精英主义的工具,逐渐转变为大众媒介和商业营销的强大驱动力,其中关于工业设计在“产品生命周期”管理中的角色转变,简直是教科书级别的分析。我尤其欣赏作者在引用大量一手资料的同时,还能保持一种冷静而批判的立场,没有盲目地赞颂任何一个时期的设计成就,而是始终追问其背后的伦理考量与社会代价。这本书无疑是为那些不满足于表面“好看”的设计爱好者准备的深度文本。

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坦白讲,我原本以为这会是一本比较“重”的书,充满了学院派的艰涩术语,但实际阅读体验完全出乎我的意料。作者对于“设计”与“艺术”之间界限的模糊和重构过程的探讨,非常具有启发性。它没有固执地将设计置于纯粹的实用工具的地位,而是将其视为一种文化生产和意识形态传播的关键环节。书中对二十世纪六十年代“反设计运动”的分析尤为犀利,它揭示了当设计试图自我解构时,其本身是如何被纳入新的权力结构和消费循环的。我特别喜欢作者对“风格循环论”的批判性继承,她没有简单地将设计史看作是螺旋上升或周期往复,而是提出了一种更具动态性和不确定性的演变模型。这本书对设计哲学的深度挖掘,远远超越了一般的视觉赏析,它更像是一本关于人类如何通过造型和空间来组织生活与意义的深刻思考集。读完后,我感觉自己看世界的“像素”都变精细了。

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这本书的叙事节奏感非常强,就像一位经验丰富的策展人在引导你走过一个错综复杂的艺术迷宫。它巧妙地避开了那种按时间线平铺直叙的传统手法,而是采用主题驱动的方式,将不同地域、不同设计领域(从建筑到平面、从家具到时装)的演变路径进行交叉对比。我发现作者在处理后现代主义的兴起时,那种批判性的笔触非常到位,既肯定了其对僵化现代主义的反思,也毫不留情地指出了其内在的矛盾与市场化的倾向。最让我感到震撼的是,书中对特定设计运动的文化背景挖掘得极其深入,比如斯堪的纳维亚设计的“人性化”倾向,是如何深深植根于其社会福利制度和自然环境之中的。这种超越表象的设计史解读,让我对“风格”的理解从单纯的视觉符号,升华到了文化和社会结构的高度。阅读体验酣畅淋漓,文字简练有力,即便是涉及复杂的结构理论时,也能用清晰的比喻来阐释,完全没有被晦涩的术语卡住喉咙的感觉。

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天哪,我刚刚读完的那本书,简直像是一次跨越时空的视觉盛宴!作者以一种极其细腻而富有洞察力的方式,剖析了二十世纪初到中叶,那些被我们习以为常的设计理念是如何从萌芽走向成熟的。特别让我印象深刻的是,它深入探讨了包豪斯学派,但绝非那种教科书式的枯燥罗列。相反,它将那些著名的设计大师——格罗皮乌斯、密斯·凡德罗等人的思想脉络,与当时社会政治、技术革新的浪潮紧密地编织在一起。阅读过程中,我仿佛能真切感受到那些设计原则诞生时的那种激动人心与叛逆精神。书中对材料运用的讨论,从早期的钢管家具到后来的塑料革命,都做了非常详尽的考证,并且配有大量高质量的插图,使得抽象的理论变得触手可及。我尤其喜欢它分析“形式追随功能”这句话背后的哲学思辨,它揭示了现代主义不仅仅是一种美学选择,更是一种深刻的社会责任感的体现。这本书成功地将严肃的学术研究与引人入胜的叙事结合起来,读完之后,我对身边任何一个日常物品的构造和美学选择,都有了一种全新的、近乎“挑剔”的审视角度。

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160312 实体书 购入;考研书籍

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