日本美术史话

出版者:人民美术出版社

作者:刘晓路

页数:200

出版时间:2004-03

价格:25.00

装帧:平装

isbn号码:9787102029597

丛书系列:外国美术史话丛书

具体描述

日本美术作为东方美术的一种表现形态在世界美术史上占有重要地位，它的装饰性、工艺性、制作性特征，曾对西方的印象派产生过重大影响。《日本美术史话》叙述了日本美术的发展历程和美术特色。

目录信息

序 日本美术的文化特性
1、小岛和大洋的文化环境
2、日本美术的特色
一 从茫茫原野到奴隶社会
1、本土文化：绳纹陶器和陶偶
2、混血儿：弥生陶器和铜铎
3、古坟内外：*轮和壁画
二 飞鸟佛迹
1、佛教传入
2、止利和早期佛像
3、艺术结晶：玉虫橱子
4、天寿国绣帐和金铜灌顶幡
三 奈良诸寺
1、唐文化圈
2、世界上最早的木构建筑：法隆寺
3、世界上最高的木构建筑：东大寺
4、东方艺术宝库：正仓院
5、鉴真与唐招提寺
四 平安京内外
1、唐样和国风
2、九体阿弥陀堂与凤凰堂
3、绘卷物的发展
4、“三笔”和“三迹”
……
· · · · · · (收起)

用户评价

这本《日本美术史话》简直是为我这种对东方艺术半知半解的入门者量身定做的！我本来以为艺术史这种东西会充斥着晦涩难懂的术语和密密麻麻的年代顺序，光是想想就头疼。结果呢，这本书的叙事方式就像一位经验丰富的老者，坐在温暖的壁炉旁，娓娓道来那些发生在扶桑岛上的审美变迁与灵魂碰撞。它没有直接堆砌枯燥的图版目录，而是巧妙地将历史事件、社会风貌与艺术流派的兴衰紧密地编织在一起，读起来丝毫没有阅读压力。比如，它讲到奈良时代佛教艺术的辉煌，不是简单地罗列佛像的尺寸和材料，而是深入探讨了当时的政治格局如何影响了佛像面容的庄严与慈悲，让人在了解艺术的同时，也领略了一番盛唐遗风在异国的本土化过程。那种感觉，就像是透过艺术的棱镜，看到了一个鲜活的、充满张力的古代日本社会。特别是关于“物哀”和“幽玄”这些概念的阐释，作者找到了非常贴切的生活化比喻，让我这个初次接触的读者也能迅速抓住其精髓，而不是仅仅停留在字面理解上。这本书真正做到了“以小见大”，让原本遥远的历史触手可及。

坦白说，我一开始是带着怀疑态度的，因为“史话”二字很容易让人联想到那种过于简化的、甚至带有“故事会”色彩的论述。但《日本美术史话》完全颠覆了我的刻板印象。它的学术功底是扎实的，这一点从对建筑和工艺美术的论述中就能看出，细节考究，用词严谨，绝非泛泛而谈。然而，这份严谨却被作者用一种近乎散文诗的笔触包裹了起来，使得阅读体验极其流畅。我特别喜欢它对“空间”和“光影”在日式美学中扮演角色的讨论。比如，它如何解释枯山水庭院中的“留白”与禅宗思想的契合，那种对“虚”的强调，在西方艺术史中是很少被如此系统论述的。作者通过对茶道美学的阐述，成功地将无形的精神追求物化为了可感的视觉体验，将那些深藏于匠人内心、难以言说的美学原则，清晰地呈现在了纸面上。这本书的节奏控制得非常好，在宏大的时代背景叙述后，总会穿插一些对具体器物或某位画家的精妙剖析，如同在紧张的交响乐中插入一段优美的独奏，让人精神为之一振。

这本书的视角非常开阔，它没有将日本艺术封闭在孤岛的框架内进行自我欣赏式的解读，而是非常有力地展现了其吸收外来文化，并进行“在地化”转化的强大生命力。例如，它详细描绘了平安时代贵族文化如何从中国唐风中提炼出更具本土柔美气质的“大和绘”，以及后来德川幕府时期，在相对封闭的环境下，民间艺术如何爆发出惊人的创造力。这种对文化输入与本土创新的辩证关系的探讨，对于理解任何非西方艺术体系的发展脉络都具有极高的参考价值。更难能可贵的是，作者在描述不同时期艺术风格冲突与融合时，展现出一种近乎历史学家的客观与冷静，它不偏袒任何一个时代，而是如实记录了美学上的得失与演变。我特别喜欢它对不同媒介之间界限模糊的处理，比如书法如何渗透到绘画，绘画的构图如何影响到屏风设计，这种跨学科的串联，让整个日本艺术图景变得立体而 interconnected。读完之后，会有一种强烈的冲动，想要去亲眼看看那些被文字唤醒的艺术品。

我一直觉得，要真正理解一个民族的文化内核，就得从他们的视觉语言入手，而这本书在这一点上做得极为出色。它不仅仅是在讲述“谁画了什么”和“何时完成”，更重要的是在剖析“为什么是这样画”的深层动机。比如，在探讨浮世绘的崛起时，作者没有简单地将其归类为“市民娱乐艺术”，而是细致地描绘了江户时代的市民阶层如何通过这些色彩明快的木版画，来寻求一种对日常琐碎生活的审美超越和精神逃逸。这种深入到社会心理层面的分析，让浮世绘不再是只有美人和歌舞伎演员的扁平图像，而是有了厚重的时代情绪。我尤其欣赏作者在章节之间设置的那些小小的“主题聚焦”，它们像是给主线故事提供了解读密钥。这些聚焦部分往往会对比不同时代对同一主题（比如风景或肖像）的不同处理手法，极大地增强了阅读的层次感和思辨性。这本书的结构设计非常聪明，它让你在阅读过程中不断进行横向和纵向的比较，从而构建起一套自己的艺术史观，而不是被动地接受既定结论。读完后，再去重新审视那些博物馆里的藏品，眼光会变得不一样，充满了探究的欲望。

这本《日本美术史话》最大的魅力或许在于它的“温度”。它成功地将冰冷的历史时间线和抽象的美学理论，注入了人文关怀与细腻的观察。作者似乎非常理解普通读者在面对复杂的文化遗产时的那种“敬畏”与“疏离感”，于是他用一种非常亲切、不居高临下的口吻，引导我们一步步走进那个充满独特韵味的世界。我个人感觉，这本书特别适合在旅途或者周末的午后阅读，它不要求你全神贯注地去解构每一个句子，而是鼓励你沉浸在由文字构建的氛围之中。书中对于色彩感知和材料特性的描述尤其生动，比如对矿物颜料的质感描写，仿佛能透过纸面闻到颜料混合时的土腥味，或者感受到丝绸上金箔的冰凉触感。这种感官上的调动，极大地提升了阅读的沉浸感。它不是一本让你背诵知识点的教科书，而更像是一本能陪伴你思考、激发你好奇心的艺术漫游指南，每次重读都能发现新的趣味点，这才是真正优秀的作品所具备的持久生命力。

对日本美术史有了初步的了解

喜多川歌麿

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论文参考