学国画

出版者:科学普及出版社

作者:宗继光

页数:116

出版时间:2001-3

价格:22.00元

装帧:简裝本

isbn号码:9787110049914

具体描述

此集系统介绍月季花的表现方法。

画家宗继光先生擅长画月季花，其作品在毛主席纪念堂和天安门城楼上、钓画台国宾馆、北京市政府、市人大等处长期展出。并被特邀在中央电视台专题节目讲授画月季花的技法。

本书循序渐进地介绍了月季花的基本知识；画月季花头的基本画法及禁忌；月季花蕾的画法；月季花叶、枝干及刺的画法；画月季花的构图方法；画月季花的创作步骤；月季花绘画的创作参考作品。

画家以其丰富的经验，向读者传授了画月季花的规律性的知识和技法，可使读者很快入门，少走弯路。

这是一本很适用的国画技法教材。各美术院校和老年大学均可选用。

用户评价

《学国画》这本书，为我打开了一扇通往中国传统艺术殿堂的大门。我一直对国画情有独钟，但苦于找不到合适的入门方法。这本书的出现，恰好弥补了我的这一遗憾。作者的讲解风格非常独特，他不仅仅是教授绘画技巧，更是在传递一种艺术理念和生活态度。我最欣赏的是书中对“意境”的阐述。意境，是中国画的灵魂，它不仅仅是画面上的视觉呈现，更是艺术家内心世界的抒发。作者通过对古代名家画作的深入剖析，让我明白了如何通过笔墨的虚实、色彩的搭配，以及画面的留白，来营造出深远的意境。我尝试着在自己的画作中融入意境的元素，让画面不仅仅是物体的描绘，更是情感的抒发。书中对“人物画”的讲解也让我大开眼界。人物画是中国画的重要组成部分，它不仅仅是描绘人物的形象，更是表现人物的性格和精神。作者从人物的五官、身形、服饰等方面进行了详细讲解，并结合不同朝代的绘画风格进行对比分析，让我对人物画有了更全面的认识。我尝试着去画人物，虽然笔触还很稚嫩，但第一次画出人物的神情，那种成就感是无与伦比的。这本书的语言风格也十分优美，既有学术的严谨，又不失文学的诗意。作者在讲解过程中，穿插了许多关于中国传统哲学和美学思想的阐述，让我对国画有了更深层次的理解。读完这本书，我不再是那个对国画一窍不通的初学者，而是对国画充满了热爱和敬意，也更加渴望去深入探索这个充满东方韵味的艺术世界。

说实话，在拿到《学国画》之前，我对于国画的了解仅限于模糊的印象，觉得它是一门古老而高深的艺术，不是我这样普通人能够轻易触及的。然而，这本书的出现，彻底改变了我对国画的固有认知。它用一种极其平易近人、循序渐进的方式，将国画的奥秘一点点展现在我面前。我最欣赏的是作者在讲解过程中所传递的那种对艺术的热爱和对传统文化的尊重。他不仅仅是教授技巧，更是引导我们去感受中国画背后蕴含的哲学思想和人文精神。例如，在讲解山水画的构图时，作者强调了“虚实相生”和“留白”的艺术处理手法，并结合古代山水画大师的作品进行深入剖析，让我明白了为什么国画的留白并非“空无”，而是“意境”的延伸和升华。这种对“无”的理解，让我对画面有了全新的认识。书中对墨色的运用也讲得极为细致，如何通过“浓、淡、干、湿”的变化来表现物体的立体感和层次感，以及如何运用“飞白”来增加画面的动感和生命力。我尝试着练习使用不同的墨色，感受墨在纸上晕染开来的美妙变化。此外，本书对色彩的运用也进行了阐述，虽然国画以水墨为主，但点染的色彩往往是画龙点睛之笔，作者通过对几种经典色彩的讲解，以及它们在国画中的象征意义，让我对色彩的运用有了更深的理解。我尤其喜欢书中关于“画外之意”的探讨，作者认为好的国画作品不仅仅是画面上的呈现，更是艺术家情感和思想的寄托。读完这本书，我不再觉得国画遥不可及，而是感受到它蕴含的东方美学和智慧，它是一种生活态度，也是一种精神寄托。

《学国画》这本书，给我带来了前所未有的学习体验。我一直对国画充满好奇，但又觉得它太过深奥，难以入门。这本书的出现，恰恰满足了我这个愿望。作者的讲解风格非常独特，他不仅仅是告诉你“怎么做”，更重要的是告诉你“为什么这么做”。我最欣赏的是书中关于“色彩”的运用。虽然国画以水墨为主，但色彩的运用往往能起到画龙点睛的作用。作者从几种最经典的国画色彩入手，详细讲解了它们在不同画种中的运用，以及它们所象征的文化意义。比如，红色在国画中常常象征着喜庆和热情，而绿色则代表着生机和活力。我尝试着在练习中运用这些色彩，体会它们对画面整体氛围的影响。书中对“构图”的讲解也让我受益匪浅。作者不仅仅传授了常见的构图方法，更重要的是，他引导我们去思考如何通过构图来引导观众的视线，如何通过画面的疏密关系来表现景物的层次感和空间感。我尝试着自己设计构图，将学到的知识运用到实践中。这本书的语言风格也十分考究，既有学术的严谨，又不失文学的优美。作者在讲解过程中，穿插了许多关于古代绘画理论和美学思想的阐述，让我对国画有了更深层次的理解。读完这本书，我不再是那个对国画一知半解的门外汉，而是对国画充满了热爱和敬意，也更加渴望去深入探索这个充满东方韵味的艺术世界。

我原本对国画的印象停留在博物馆里那些古老而遥远的画作，总觉得它离我的生活太远，也太难入门。但《学国画》的出现，完全改变了我的想法。这本书的魅力在于它非常接地气，作者的讲解深入浅出，一点点地剥开了国画的神秘面纱。我喜欢它从最基础的“笔墨纸砚”开始讲起，详细介绍了每一种工具的特性和用法，甚至连选择毛笔的细微差别都讲得很清楚。这让我意识到，原来学习国画的第一步，是如此细致而充满讲究。书中对不同笔法的讲解更是生动形象，比如“中锋用笔”、“侧锋用笔”等等，作者通过大量的示范图和分解动作，让我能直观地理解其中的差异，并尝试去模仿。我印象最深刻的是关于“皴法”的讲解，它被誉为山水画的骨骼，作者通过对不同皴法的介绍，如披麻皴、斧劈皴、解索皴等，详细阐述了它们如何表现山石的纹理和质感。我尝试着临摹了几幅，虽然远不及大师之作，但第一次用笔墨表现出山石的立体感，那种成就感是无法言喻的。更重要的是，这本书不仅仅教授技法，更引导我们去体会国画的“意境”。作者在讲解花鸟画时，强调了“神韵”的重要性，如何通过寥寥数笔勾勒出鸟儿的灵动，花朵的生机。这种对“神”的追求，让我看到了国画超越形似的更高境界。这本书的排版也十分考究，大量的精美图片，无论是古代名家的作品还是作者自己的示范，都清晰地呈现出来，为我的学习提供了极大的便利。我常常沉浸在其中，一边翻阅，一边思考，一边尝试着在自己的画本上勾勒。

这本书真是出乎我的意料！我一直以为国画只是线条和墨水的堆砌，枯燥乏味，但《学国画》彻底颠覆了我的认知。它不仅仅是一本技法教程，更像是一扇通往中国传统文化瑰宝的窗户。从第一页开始，作者就用一种娓娓道来的方式，将国画的起源、发展以及背后深厚的哲学思想娓娓道来。我特别喜欢书中对不同画种的介绍，比如花鸟、山水、人物，每个画种都有其独特的魅力和表现手法。作者在讲解过程中，并没有一味地强调笔墨技巧，而是更注重引导读者去感受画作的情感和意境。我记得书中有一章节专门讲解了“气韵生动”，作者通过解析几幅经典画作，让我明白了为什么有些画作能让人心生共鸣，而有些则显得死气沉沉。这不仅仅是技术的差异，更是艺术家内心世界的投射。读完这一章，我仿佛打通了任督二脉，开始真正理解国画的精髓所在。书中还提供了许多练习素材，从简单的线条勾勒到复杂的构图布局，循序渐进，让我这个国画零基础的初学者也能找到切入点。我尤其欣赏作者在讲解过程中穿插的许多小故事和典故，这些不仅增加了阅读的趣味性，更让我对国画背后的文化内涵有了更深的理解。比如，在讲到写意山水时，作者引用了“诗中有画，画中有诗”的说法，并解析了如何通过笔墨的浓淡、虚实来表现山水的层次感和远近感。这种将文学与绘画相结合的讲解方式，让我受益匪浅。总而言之，《学国画》是一本集知识性、趣味性和指导性于一体的优秀读物，它不仅教会了我如何拿起画笔，更让我学会了如何用眼睛去发现美，用心灵去感受美。

《学国画》这本书带给我的，是一种前所未有的艺术启迪。我一直认为国画是属于少数艺术家的，对于我这样的大众来说，学习国画似乎是一件遥不可及的事情。但这本书的出现，彻底打消了我的顾虑。作者用一种极其亲切和真诚的笔触，将国画的魅力娓娓道来。我尤其喜欢书中对“用墨”的讲解，它不仅仅是关于墨的浓淡干湿，更是关于墨的“灵魂”。作者通过对古代大师作品的细致分析，让我明白了墨色在国画中可以变化出无穷的层次和韵味，可以表现出物体的体积、质感，甚至是情感。我尝试着练习用墨，从最简单的墨点到复杂的墨块，一点点地体会墨在纸上晕染开来的美妙。书中对“用笔”的讲解也同样细致入微，作者强调了“笔随意走，意在笔先”的道理，让我明白了每一笔的落下，都蕴含着情感和意图。我开始注意观察自己的笔触，尝试着让每一笔都更加生动和有力。这本书不仅仅是教授绘画技巧，更是在传达一种东方美学和哲学思想。作者在讲解写意山水时，强调了“气韵生动”的重要性，以及如何通过笔墨的虚实变化来表现山水的灵动和意境。我理解到，国画的精髓在于“写意”，在于通过有限的笔墨来表达无限的意境。这本书的排版也非常人性化，大量的精美插图，高质量的印刷，都为我的学习提供了极大的便利。我常常在安静的午后，泡上一杯茶，沉浸在这本书的海洋里，感受中国传统艺术的魅力。

这本书就像是我踏入国画世界的一扇神奇大门。我之前从未接触过国画，甚至对它有一些“刻板印象”，觉得它过于严肃和抽象。但《学国画》完全打破了我的这种想法，它以一种非常温柔且富有感染力的方式，引领我走进了一个充满诗意和灵性的艺术世界。我特别喜欢作者在讲解基础技法时，那种耐心细致的态度。例如，在教我们如何运用毛笔时，他不仅仅讲解了握笔的姿势，还强调了运笔的力度和速度对笔触效果的影响。这种对细节的关注，让我觉得学习过程非常扎实。书中对梅兰竹菊这“四君子”的讲解尤其让我着迷。作者不仅传授了描绘它们各自形态的技巧，更重要的是，他引导我们去理解这四种植物所象征的品格和精神。在学习画竹时，作者通过解析不同竹子的姿态，以及竹叶的疏密、竹节的连接，让我体会到“未见其形，先闻其声”的意境。我尝试着去画竹，虽然笔触还很生涩，但第一次画出那种挺拔向上的感觉，真的非常激动。此外，书中还穿插了许多关于中国传统绘画美学的讨论，比如“意到笔不到”的境界，以及如何通过笔墨的“写意”来表达情感。这些高深的理论，在作者的讲解下变得生动有趣，让我能够理解并尝试去实践。读这本书的过程中，我感觉自己不仅仅是在学习画画，更是在学习一种看待世界的方式，一种发现生活之美的能力。它让我开始重新审视身边的花草树木，感受它们在四季中的不同姿态。

我一直以为学习国画需要从小时候就开始培养，并且需要有很高的艺术天赋。但《学国画》这本书，彻底改变了我的想法。它就像一位循循善诱的老师，用最简单、最易懂的方式，将国画的精髓一点点地展现在我面前。我尤其喜欢书中对“勾线”的讲解。勾线是中国画的骨骼，作者从最基本的线条训练开始，强调了线条的力度、速度和节奏感。他通过大量的示范图，让我明白如何才能勾勒出既有力又富于变化的线条。我尝试着反复练习，从简单的直线、曲线到复杂的组合，一点点地体会线条的生命力。书中对“点”的运用也让我大开眼界。点，在国画中不仅仅是装饰，更是表现物体的质感、光影和生气的关键。作者通过对不同种类画作中“点”的运用进行分析，让我明白了如何用点来表现叶子的脉络、花瓣的纹理，甚至鸟儿的羽毛。我开始注意观察身边的花草树木，尝试用不同的点来表现它们的形态和质感。这本书不仅仅是教授技法，更是在传递一种中国传统文化中的“意境”美学。作者在讲解山水画时，强调了“留白”的重要性，以及如何通过“虚实相生”来营造画面的空间感和意境。我理解到，国画的美，很多时候在于“画外之音”，在于留给观者无限的想象空间。读这本书，我仿佛打开了一个全新的艺术世界，我不再觉得国画是遥不可及的，而是感受到了它蕴含的东方智慧和美学魅力。

这本书的内容给我带来了巨大的惊喜。我本来以为《学国画》只是一本纯粹的绘画技法指导，但它远不止于此。它更像是一位经验丰富的老师，耐心地引导我一步步走进博大精深的中国画艺术。最让我印象深刻的是，作者在讲解过程中，并没有使用过于专业化的术语，而是用通俗易懂的语言，将复杂的绘画理论和技巧变得非常清晰明了。我记得在学习如何绘制山石时，作者花了相当大的篇幅讲解了“皴法”的演变和不同皴法的运用。他通过对比分析名家画作，让我能够直观地感受到不同皴法所带来的独特质感和风格。我尝试着临摹了几幅，第一次成功地用斧劈皴表现出山石的坚硬和嶙峋，那种感觉非常棒。这本书不仅仅是技法的堆砌，它更注重培养学习者的“意境”感。作者在讲解花鸟画时，特别强调了“神态”的重要性，如何通过几笔淡墨勾勒出鸟儿的眼神，或者用色彩点染出花瓣的娇嫩。我开始理解，国画的魅力在于“画外之意”，在于留给观者想象的空间。书中还提供了大量的参考范例，从简单到复杂，从局部到整体，让我能够有章可循地进行练习。我特别喜欢其中关于“构图”的章节，作者讲解了黄金分割、S形构图等多种构图原理，并结合实际案例进行分析，帮助我更好地安排画面中的元素，使之更具视觉冲击力和艺术美感。读这本书，让我对国画的认识从“形似”上升到了“神似”，也让我对中国传统文化有了更深的感悟。

这本书的出现，让我对国画的学习充满了新的动力和希望。我之前尝试过一些国画的入门教程，但总是觉得它们过于枯燥和机械，缺乏灵魂。而《学国画》这本书，却以一种生动活泼、充满人文关怀的方式，将国画的魅力展现在我面前。我特别喜欢书中关于“写意”的讲解。写意，是中国画的核心精神，它不仅仅是描绘物体的外形，更是捕捉物体的“神韵”。作者通过对几幅经典的写意画作的细致分析，让我明白了如何通过寥寥几笔，就能勾勒出事物的神态和生命力。我尝试着去画写意，从画一朵花，到画一棵树，一点点地去体会那种“意到笔不到”的境界。书中对“墨法”的讲解也同样让我着迷。墨，在中国画中不仅仅是颜色，更是一种情感的载体。作者详细讲解了墨的“五色”，以及如何通过墨的浓淡干湿来表现物体的立体感和质感。我开始注意观察自己的用墨，尝试着让每一笔墨都充满生命力。这本书的结构安排也非常合理，从基础的笔墨技巧，到不同的画种讲解，再到对画作意境的探讨，层层递进，循序渐进。我常常在学习的过程中，感受到一种“顿悟”的喜悦。读完这本书，我不仅仅是学会了如何拿起画笔，更重要的是，我学会了如何用心去感受美，如何用画笔去表达自己的情感。它让我重新认识了国画，也让我更加热爱中国传统文化。