任伯年

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页数:60
译者:
出版时间:2003-1
价格:45.00元
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isbn号码:9787530521724
丛书系列:
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  • 与国画有关
  • 任伯年
  • 绘画
  • 中国绘画
  • 清代绘画
  • 人物画
  • 花鸟画
  • 岭南画派
  • 艺术史
  • 绘画技法
  • 艺术作品
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具体描述

天津人民美术出版社在过去的十余年间,不惜花费巨大人力、财力、陆续出版了大量高档豪华型特精装画册,逐渐形成了规模,形成了品牌,形成了自己的出书特色。画册内容涉及古今中外著名画家、画派的作品,既为弘扬祖国优秀文化艺术传统作出了努力,同时也为加强和世界各国的文化交流作出了有益的探索。

那些高档画册在一定程度上满足了全国各大图书馆、博物馆、美术院校及专业画家、收藏家和研究人员的需求,然而,毕竟因其价格昂贵,使得众多的美术爱好者和在校学生望其项背而难以企及。我们不断听到一些低购买力读者的呼吁,并且意识到这一群体中潜在的精神追求,为此特别编辑出版了这类普及型美术系列画册丛书,以比较低廉的价位,把高档的艺术珍品推向大众。

此类画册的篇幅缩减了很多,尽管如此,我们在作品的编选上都作到了精之又精,概括了画家的典型代表作品,体现了画家的艺术风格。我们期望着普及型画册和高档豪华型画册能够相得益彰,分别满足不同层面的读者需求。

烟雨江南:明清之际文人画派的兴衰与流变 内容提要 本书以明清之际的江南地区为地理核心,深入剖析了这一历史时期文人画在理论构建、艺术实践、审美趣味以及社会文化影响等多个维度所经历的复杂演变历程。全书不仅细致梳理了以董其昌、娄东画派为代表的“南北宗论”在理论上的高屋建瓴与实践中的局限性,更着眼于那些在主流话语之外,默默耕耘、开辟新径的地域性画派和个案。 通过对大量传世画作、文人笔记、书信往来以及相关诗文的细致考证,本书构建了一个多层次的艺术生态图景。我们不仅看到传统文人士大夫在“学古”与“创新”之间的张力与挣扎,也观察到市民阶层崛起对艺术赞助和审美趣味产生的微妙影响。 第一部分:宗派的建立与理论的固化 第一章:松江画派的辉煌与局限 本章聚焦于明末清初的松江画派。以董其昌为理论核心的“南北宗论”如何系统地构建了文人画的等级秩序,将绘画史简化为两条截然不同的谱系。我们首先考察董其昌早年对元四家(黄公望、倪瓒、吴镇、赵孟頫)的深入学习,并分析他是如何将这些前人的成就提炼为一套可供后学者遵循的“笔墨”规范。 随后,重点探讨“南北宗论”在实践中如何产生异化。理论上,董其昌推崇“以书入画”和“淡墨为上”,强调士人精神对技法的超越。然而,在后继者手中,这种强调“意境”的理论逐渐演变为僵化的程式。画作中常见的“董家样”的流行,揭示了在强调模仿与追随的氛围下,早期理论的创新精神如何被固化为一种新的“古法”。 第二章:娄东与虞山:正统性的构建与反思 清初,以王时敏、王鉴、王翚、王原祁为核心的“娄东四王”在朝廷的主流地位,标志着文人画的学院化倾向达到顶峰。本章分析“四王”如何继承和发展了董氏的衣钵,尤其关注王原祁晚年在摹古中的“立我”尝试。 通过对比王鉴对董其昌画风的精妙模仿与王翚在山水布局上的集大成姿态,我们探讨了在康乾盛世的政治稳定背景下,艺术如何服务于主流的文化意识形态——即对前朝文脉的继承与肯定。然而,这种对传统的深度依赖,也为后世留下了“摹古之风”过盛的批评口实。本章最后引入了部分同期士人的私下评论,揭示在官方叙事之外,文人圈内部对于“四王”画风是否真正具有开创性的隐性讨论。 第二部分:地域性的勃兴与审美的多元化 第三章:金陵画派的地域特色与“意笔”的探索 明清之际的南京,作为陪都和文化中心,孕育了独特的“金陵画派”。与松江画派的内敛、重墨韵不同,金陵画家更注重对江南山水的直观描绘和强烈的情感表达。本章深入研究了对金陵画派影响深远的石涛(朱若极)和对地域性色彩的运用。 石涛的“一画论”与“搜尽奇峰打草稿”,被视为对“南北宗论”的有力挑战。我们详细分析了石涛如何将个人生命体验融入到对自然景物的描绘中,其笔墨变化之丰富、构图之奇崛,如何突破了传统山水画的藩篱。同时,本书考察了诸如龚贤等画家如何通过对特定题材(如秦淮风光、钟山胜迹)的反复描绘,确立了地域身份认同在绘画中的重要性。 第四章:徽州与浙东的商业力量与新趣味 随着商业经济在江南的深化,艺术赞助的结构也发生了变化。本章关注了徽州商人群体对艺术的影响,以及由此催生的新兴审美趣味。徽派雕刻、版画的成熟,反哺了绘画领域,使得一些中下层画家的创作更具世俗气息和装饰性。 此外,我们考察了浙东地区(如宁波、绍兴一带)画家的活动。他们往往不受主流理论的束缚,在民间技艺和传统士人精神之间寻求平衡。对“花鸟”和“人物”题材的重视,以及对鲜活色彩的偏爱,构成了与主流文人画截然不同的艺术景观。这些“非主流”的实践,为清代中晚期的画坛注入了活力。 第三部分:笔墨的内化与精神的转向 第五章:清初“遗民”的笔墨哲学 清朝的建立,使得大批明代遗民艺术家面临身份认同的危机。本章集中探讨了以朱耷(八大山人)和石涛为代表的遗民艺术家的创作动因。他们的绘画不再仅仅是“写胸中逸气”,而是承载着深沉的政治情怀和个体精神的流放感。 通过对八大山人作品中那些极度简化、高度符号化的形象(如翻白眼的鱼、孤傲的鸟)的解读,我们分析了如何通过笔墨的“扭曲”和“异化”,来表达对时代变迁的无声抗议。这种对笔墨形式的极端探索,预示着绘画精神将更多地转向个体内心的深处,为后世的写意画发展奠定了重要的精神基础。 第六章:晚清的转型与中西交汇的萌芽 时间推至十八世纪末至十九世纪初,江南画坛开始显露出对外部世界的好奇。本章关注了部分画家对西洋透视法和光影概念的接触(尽管这种接触往往是间接和选择性的)。 传统文人画的审美标准在面对新的视觉经验时,展现出内在的紧张。一些画家尝试将焦点透视引入山水画的局部描绘中,以增加画面的空间感和真实性。这种对外部技法的试探,标志着延续了数百年的文人画体系,正面临着自“南北宗论”确立以来最根本的外部挑战,为中国绘画的现代转型埋下了伏笔。 结语 全书最终总结,明清之际的文人画并非一个静止不变的审美范式,而是一个充满活力、不断自我修正和受外部环境影响的动态过程。从理论的构建到实践的演变,从主流的固化到地域的勃兴,再到遗民精神的内化,这一时期的艺术史,正是中国传统文化在剧烈社会转型期寻求精神寄托与艺术表达的生动缩影。本书旨在提供一个细致入微的视角,去重新审视那些被宏大叙事所掩盖的、丰富多样的笔墨故事。

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这本书的阅读体验是极其沉静和治愈的。在这个信息爆炸、碎片化的时代,能够拥有一本让你愿意静下心来,一页一页、仔仔细细去品味的载体,本身就是一种奢侈。我喜欢在晚上,关掉所有电子设备,只留一盏暖色调的台灯,捧着它慢慢翻阅。纸张的触感,油墨散发的淡淡的油墨香气,混合着画面中流淌出来的古典韵味,构成了一种极佳的“沉浸式”体验。它仿佛是一个时间的容器,将喧嚣的世界阻隔在外,让我的思绪完全沉浸在那些精心绘制的线条与色彩之中,获得了一种久违的内心的平静。这不是那种快速消费的读物,而更像是一个可以时常回归的精神角落,每次重读都会有新的发现和感悟,这种持久的价值和情感连接,是任何电子屏幕都无法替代的。

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作为一名业余爱好者,我最头疼的就是那些高清复制品在细节处理上的失真问题。然而,这本画册在这方面的表现简直是教科书级别的典范。我拿着放大镜仔细比对了几张描绘花鸟的特写,无论是花瓣边缘的晕染过渡,还是羽毛上最细微的绒毛,其清晰度和色彩的过渡都达到了令人难以置信的精度。尤其是墨色的层次,那种“浓、淡、干、湿、焦”的变化,在印刷品上得到了近乎完美的复刻。这对于研究具体笔触和用墨技巧的人来说,价值是无法估量的。很多时候,我们只能通过原作来学习技法,但现在,通过这本高质量的画册,我们可以在家中进行非常细致的“微观研究”,这无疑为自学和提升技艺打开了一扇新的窗户,省去了太多奔波于各大博物馆的辛苦。

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我必须指出,这本画册在收录作品的选取上,展现了极高的专业水准和独特的审美眼光。它并没有一股脑地堆砌那些名气最大的“网红”作品,而是巧妙地穿插了一些相对“小众”但艺术价值极高的珍品。这种策展式的编排,让观赏的节奏富于变化和惊喜。例如,在几幅气势磅礴的巨幅作品之后,紧接着就是几幅极其清雅、尺幅较小的册页精品,这种强烈的对比和转换,使得读者的视觉神经得到了充分的放松与调适,避免了长时间欣赏同类风格带来的审美疲劳。更令人称道的是,它在不同时期、不同题材之间建立了一种微妙的内在联系,让你在翻阅时,能够清晰地追踪到艺术家创作风格的演变轨迹,那种渐进的、螺旋上升的艺术探索历程,被巧妙地呈现在了读者的眼前,远比单纯的按时间顺序排列要更具启发性。

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阅读这本书的过程,与其说是“看画”,不如说是一场穿越时空的与古人对话的旅程。我特别欣赏其中对画作背景资料的详尽考证和梳理,那些关于作者生平、创作心境乃至所用印章来历的文字阐述,都写得极为精炼却又不失温度。作者没有用那种冷冰冰的学术腔调来堆砌事实,而是将历史的烟云娓娓道来,让你在欣赏一幅山水或人物时,能够清晰地感受到画家彼时的心境与所处的时代背景的张力。比如,有几幅作品旁标注的题跋解读,简直是点睛之笔,一下子就将抽象的画面转化成了具象的情感表达。这种深入骨髓的文化解读,使得即便是对艺术史不太熟悉的读者,也能轻松领略到作品的深层意蕴,而不是停留在表面的视觉愉悦上。这种“以文补画,以画证史”的处理方式,使得整本书的知识密度和可读性达到了一个完美的平衡点。

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这本画册的装帧设计简直是艺术品本身,从封面到内页的纸张选择,都透露着一种沉稳而典雅的气质。我特意留意了那些细节,比如烫金工艺在特定光线下泛出的微光,以及用线装或是仿古装订带来的那种翻阅时的“仪式感”。内页的印刷质量高得惊人,色彩的还原度仿佛能让你直接触摸到颜料的肌理,尤其是那些工笔重彩的作品,那份细腻的层次感和墨色的浓淡变化,即便是通过印刷品呈现,也足以让人屏息赞叹。装帧的匠心独具,让它不仅仅是一本记录作品的工具书,更像是一件可以被珍藏的艺术品。我甚至舍不得用手直接触摸内页,生怕留下一丝指纹破坏了这份完美。这种对媒介本身的尊重和极致追求,为我们欣赏画作提供了一个极佳的物理载体,极大地提升了阅读体验。看得出,出版社在设计这本册子时,投入了巨大的心血,每一个环节都体现了对传统美学的深刻理解和现代印刷技术的完美结合。

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