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出版者:中國勞動社會保障齣版社

作者:

出品人:

頁數:0

译者:

出版時間:2002-06-01

價格:20.0

裝幀:

isbn號碼:9787504534170

叢書系列:

圖書標籤:

• 國畫
• 繪畫基礎
• 繪畫入門
• 中國畫
• 藝術
• 美術
• 技法
• 臨摹
• 構圖
• 筆墨

書籍簡介：山水之間——中國山水畫的意境與技法探微 一、引言：問道自然，寄情筆端 本書並非探討基礎筆墨的入門指南，而是深入中國山水畫的哲學意境、曆史演變與高級審美實踐的一部深度專著。我們著眼於如何透過筆墨，捕捉天地精神，實現“可行、可望、可遊、可居”的理想境界。本書旨在引導有一定繪畫基礎的讀者，跨越技法層麵，直抵山水畫的“道”與“氣韻”。 二、曆史的維度：流派的嬗變與精神的傳承 山水畫的發展，即是中國文人士大夫精神品格的寫照。本書將細緻梳理中國山水畫自魏晉萌芽至清末民初的演進脈絡，重點剖析以下關鍵時期與流派的核心思想與風格標誌： 1. 唐代：青綠與金碧的輝煌：分析李思訓、李昭道的“金碧山水”所體現的盛唐氣象，以及王維“水墨為上”的禪宗意境對後世的深遠影響。我們關注的不僅是色彩的運用，更是“格律”與“性靈”的早期衝突與融閤。 2. 五代北宋：巨碑式的全景山水：深入研究範寬的“高遠”、關仝的“前無古人”、李成的“雪中山水”所蘊含的宇宙觀。重點探討“斧劈皴”、“披麻皴”等程式化語言如何服務於錶達山川的雄偉與崇高，以及“太虛為主體”的哲學思考。 3. 南宋與元代：從“形似”到“抒性”的轉嚮： 南宋院體：分析馬遠、夏圭如何運用“邊角”、“留白”等手法，創造齣簡潔、凝練、富於禪機的“一角之景”，探討其如何適應帝室南遷後的內斂心境。 元四傢（黃公望、倪瓚、吳鎮、王濛）：此部分是本書的重中之重。我們著重分析“筆墨當隨時代”的內涵，探討他們如何以古人為師，用枯淡的筆墨、率性的綫條來寄托對異代的隱逸情懷與士人節操。倪瓚的“摺筆”、黃公望的“牛毛皴”不再是簡單的技巧，而是其人格的物化體現。 4. 明清：董其昌與“南北宗論”的再審視：剖析董其昌如何構建“文人畫”體係，對“南宗”的推崇與對“北宗”的貶抑，並非簡單的畫派劃分，而是對藝術權力與文人身份認同的建構。同時，我們將探討清初“四王”的集大成與程式化，以及石濤、八大山人對程式的反叛與“我書我法”的創立。 三、意境的構建：虛實相生的哲學 山水畫的精髓在於“意”，而非單純的“形”。本書將係統闡述中國畫中“意境”的構成要素： 1. “計白當黑”與“氣韻生動”：解析“氣”如何通過墨色的濃淡乾濕、綫條的提按頓挫來“流轉”。“計白當黑”不僅僅是留白，更是對空間、時間、和空氣感的經營，是東方哲學的“有無相生”在視覺上的體現。 2. “可遊可居”的場所營造：探討如何在二維平麵上營造齣多層次的景深（高遠、深遠、平遠），以及如何通過“點景人物”來設定觀者的遊覽路徑與精神落點，使畫麵成為一個可供心靈棲居的理想化空間。 3. 皴法背後的精神密碼：皴法是山石的骨骼，更是畫傢的“心法”。本書將超越對具體皴法（如披麻、斧劈、荷葉、摺帶）的技法描述，深入挖掘每一種皴法所對應的山石品性（如雄強、秀潤、蒼勁），以及它們如何服務於整體畫麵的情感錶達。 四、實踐的深化：高級筆墨的獨立運用 本書將針對已掌握基本功的專業學習者，探討如下高階課題： 1. 墨分五色的精微控製：墨法的最高境界並非追求色彩的豐富，而是對“枯濕濃淡”的極緻調控。深入講解如何通過墨法的變化來區分季節、時間、氣候與物質的質感（如苔蘚的濕潤、老樹皮的蒼老）。 2. 綫的獨立性與雕塑感：探討“十八描”等傳統用綫技法在現代語境下的轉譯。分析綫條如何在不依賴皴法的情況下，單獨構建齣物象的結構與生命力，尤其是在界畫與人物結閤的山水畫中。 3. 構圖中的不對稱美學：深入研究中國畫對“中軸綫”的規避，以及如何通過對角綫、S形、C形等動態構圖引導視綫，如何在“滿”與“空”之間找到永恒的平衡點。 五、結語：從“畫山水”到“成山水” 山水畫的終極目標是“托物言誌”。本書力求展現，每一筆皴擦，每一次點苔，都是畫傢對生命、對自然、對宇宙的獨特迴應。閱讀本書，將是一次對中國文人藝術精神的深度朝聖，幫助學習者最終實現將個人學養、哲學思考與筆墨技藝融為一體的藝術追求。 --- （注：本書適閤具有紮實素描基礎和初步中國畫筆墨經驗的進階學習者與研究者。）

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這本書的優點和缺點都非常明顯，它的市場定位似乎是麵嚮那些完全沒有繪畫經驗，甚至可能沒有美術背景的社會人士。它非常注重“模仿”，強調“眼到、手到、心到”的同步訓練，通過大量的步驟分解圖，試圖在讀者心中建立一個清晰的“標準範式”。我特彆欣賞它對“寫意”的初步界定時，並沒有直接要求讀者去領悟“禪意”，而是通過控製筆觸的速度和力度，來模擬齣一種“意在筆先”的狀態，這是一種非常聰明的教學策略。然而，正因為它的全麵性和基礎性，導緻在深入探究某些特定主題時顯得力不從心。例如，在錶現人物畫中的衣紋動態時，書中給齣的參考圖例略顯僵硬，缺乏流動感，這讓我不得不去尋找其他更專業的資料來補足這方麵的知識。總的來說，這是一本優秀的“敲門磚”，它能幫你掃清對國畫藝術的恐懼感，提供一套行之有效的練習路徑，但想要在這條路上走得更遠，這本書所能提供的營養會很快被消化完畢，需要後續的拓展閱讀和大量的獨立實踐來填充其間的空缺。

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說實話，我剛開始接觸國畫，對“氣韻生動”這些詞匯一頭霧水。這本書給我的最大感受就是“務實”——它幾乎沒有陷入那些高深的玄學討論中，而是直接切入到具體的物象描摹上。比如畫石頭，它會告訴你哪種皴法適閤錶現斧劈皴的堅硬，哪種暈染適閤錶現太湖石的圓潤孔洞。我特彆喜歡它介紹“花鳥畫”的章節，特彆是對幾組常見花卉的結構分析。它不是簡單地讓你去臨摹，而是先拆解花朵的結構，例如牡丹花的層疊關係、菊花的花瓣走嚮，然後纔組閤起來。這種解構和重組的學習方法，極大地培養瞭我的觀察能力。讀完這本書，我感覺自己對自然界物體的觀察視角都有瞭微妙的變化，走路時會不自覺地分析樹枝的生長邏輯。雖然這本書對於高級技巧如“沒骨畫法”的探討不夠深入，但作為入門級的“看圖說話”指南，它無疑是非常稱職和實用的，它成功地將“藝術”拉迴到瞭“手藝”的層麵，讓人敢於下手。

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我原本是想找一本偏重於寫意山水理論的書籍，想瞭解一下古代畫傢是如何通過留白來錶達“計白當黑”的哲理。然而，當我翻開這本《國畫基礎》時，發現它的側重點似乎完全不同。這本書更像是一本操作手冊，非常注重技法層麵的實操訓練。例如，在論述“樹法”時，它詳細拆解瞭鬆樹的針葉畫法、梅花的枝乾處理，甚至連不同季節樹木的形態變化都做瞭細緻的描繪。書中的範例圖雖然清晰，但總體來說，藝術錶現力上略顯保守和刻闆，更偏嚮於工筆和工整的寫生範式，缺乏那種令人眼前一亮的、充滿個性的筆墨趣味。對於我這種已經有一些基礎，追求在傳統技法上尋求突破和個體錶達的讀者來說，這本書提供的框架性指導略顯單薄，它教會你“怎麼畫”，但沒有太多引導你思考“為什麼這樣畫”以及“如何畫齣自己的東西”。如果目的是想快速掌握一些基礎的繪畫元素，它足夠用瞭，但若想深入探討國畫的哲學意境或流派差異，恐怕需要另尋他書。

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這本書的裝幀設計倒是挺不錯的，紙張的質感摸起來很舒服，油墨印刷的清晰度也很高，這一點對於看圖學畫的書來說至關重要。我最欣賞它的一點是，它對“墨分五色”的講解部分，處理得非常直觀。它用一係列對比鮮明的圖例，展示瞭如何通過控製水量和研磨時間，在一張紙上調齣從焦墨到宿墨的層次感。這比我以前看過的其他教材，僅僅用文字描述要有效得多。我嘗試著做瞭一次書中介紹的“潑墨暈染”練習，發現控製水在宣紙上的擴散速度，確實需要大量的練習和對紙性的瞭解。這本書把這種經驗性的知識轉化成瞭可以被量化和模仿的步驟，這對於自學者來說，極大地減少瞭試錯成本。不過，有一點小小的遺憾，書中關於印章和款識的介紹部分有些過於簡略，對於如何安排題跋位置，以及不同書體的選擇，隻有一頁紙的篇幅帶過，這對於一個想完整學習國畫藝術的人來說，是個不小的遺漏。

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這本《國畫基礎》真是讓我這個初學者醍醐灌頂。我一直覺得國畫是那種高不可攀的藝術，綫條、墨色的運用玄妙得很，自己動手肯定做不好。可是這本書的講解方式卻非常平易近人。它沒有一開始就拋齣復雜的理論，而是從最基礎的“筆墨紙硯”的認識講起，細緻到毛筆如何握持，宣紙的吸墨特性，甚至墨的濃淡乾濕如何通過研磨程度來控製。我印象最深的是關於“用綫”的章節，它用大量的圖例，清晰地展示瞭什麼是“鐵綫描”，什麼是“蘭葉描”，每一種綫條的提按頓挫都配有動圖（或者說是分解步驟圖），讓我明白瞭，原來看似隨意的幾筆，背後是蘊含著極強的控製力和意境的。這本書的結構安排很閤理，從基礎的工具認知，到最簡單的點、皴、擦，再到植物、山石的結構，層層遞進，每學完一個單元，都會有一個小練習來鞏固。我照著書上的方法試著畫瞭幾筆竹葉，雖然離大師水平還差得遠，但那種“畫齣瞭感覺”的喜悅是實實在在的。對於想入門的朋友來說，這本書提供瞭非常紮實的第一步，它讓你知道該從哪裏開始，而不是被浩瀚的國畫世界嚇退。

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