中国画考级.模拟训练.山水画1-6级

出版者:上海书画

作者:吴言[编]

页数:0

出版时间:2002-06-01

价格:18.00元

isbn号码:9787806723807

具体描述

本书是专门为全国业余书画考级中的山水画部分编写的教材。它分为《应试指导》和《模拟训练》两个部分。前者严格根据考级标准中的知识点进行解析和示范，后者则针对考级实战，分析具体的考卷并提供名家的命题示范。

本书前言

特色及评论

文章节选

目录信息

前言
模拟训练·总论
第一章 国画山水考级1-3 级达级作品参考及示范
第一节 1级达级作品参考及示范
第二节 2级达级作品参考及示范
第三节 3级达级作品参考及示范
第二章 国画山水考级4-6级达级作品参考及示范
第一节 4级达级作品参考及示范
第二节 5级达级作品参考及示范
第三节 6级达级作品参考及示范
· · · · · · (收起)

用户评价

从读者的角度来看，一套好的学习用书，除了内容本身的扎实程度，它对学习者的“心理引导”也至关重要。山水画的学习是一个漫长且容易产生挫败感的过程。这本书的讲解语言非常直接和技术化，像是在指导机器操作，缺乏对初学者在创作过程中可能遇到的迷茫和焦虑的关怀。我期待的教材，应该能多一些鼓励性的文字，多一些对“失败”的正面解读——比如，画坏了的线条和墨迹，如何通过巧妙的修改转化为新的韵味，而不是仅仅强调“要画得像”和“要符合标准”。中国画讲究“悟性”，悟性往往是在反复的尝试与自我否定中产生的。如果教材能增加一些关于如何培养“画眼”和“胸中有丘壑”的讨论，比如引导读者多去写生、多去体会自然，而不是仅仅对着图本临摹，那么这套书的价值将远超一本单纯的应试辅导材料，更能成为一位良师益友，陪伴学习者在国画的道路上走得更远、更踏实。

我比较关注的是关于“墨分五色”的理论如何在实践中得到体现。中国画用水和墨的控制，是决定画面层次感和空间感的关键。这套教材在讲解“墨法”时，似乎过于侧重于墨色的物理变化（浓、淡、干、湿），而对如何用墨来表现山体的结构转折、云雾的虚实变化，以及如何通过墨色的深浅变化来引导观者的视线，讲解得有些浅尝辄止了。举个例子，学习到中期级别时，应该开始尝试表现远山和近景的空气透视关系，但这套书的讲解似乎还停留在基础的皴法练习上，没有给出一个足够有说服力的、从整体布局出发的墨法应用案例。我希望看到的是，作者能够结合具体的范图，一步步拆解出“在哪里用浓墨以定主景，在哪里用淡墨以远景，又在哪里用飞白来增强画面的疏朗感”的思考过程。目前的讲解，更像是技法清单，而非创作指南，对于想要真正掌握水墨表现力的学习者来说，可能略显不足，需要读者自己去“补课”和摸索。

这套书的装帧和纸张质量倒是挺让人放心的，毕竟是用于反复临摹和练习的材料，如果纸张太薄或者印刷色彩失真，那损失可就大了。我试着在上面用毛笔蘸墨练习了几笔，墨色表现得比较均匀，没有出现洇墨过重或者吃墨过浅的问题。但就内容本身而言，它给出的“范例”和“示范”总感觉像是标准答案，缺少了一点艺术创作中特有的那种随机性和生命力。我翻阅了其中关于“树法”的部分，讲解了松针、杂树的画法，步骤图倒是清晰，但总觉得少了点“意境”。比如，同样是画一棵遒劲的古松，范例中的线条虽然规范，但缺乏那种饱经风霜的沧桑感和傲然挺立的精神气质。我更倾向于那些能够展现画家在下笔瞬间，心手相应、一气呵成的状态的图例。毕竟山水画的精髓在于“气韵生动”，而这种气韵很难通过机械的、程式化的步骤讲解完全传达出来。如果能增加一些大师作品的局部放大解析，重点讲解他们在处理特定结构时的巧妙“留白”和“笔断意连”的处理，那对于提升读者的审美层次会更有帮助。

这套教材的结构安排，显然是按照考级的难易程度来划分的，一级最简单，六级难度最高。这种层级递进的方式，对于自学者来说，确实提供了一个清晰的学习路径图。但是，这种过于线性的学习路径，有时会让人忽略中国画学习中“博采众长”的重要性。山水画体系庞大，除了大家熟知的“南宗北宗”之分，还有不同的地域画派和时代风格。我希望看到的是，在每个级别的学习内容中，能够穿插介绍不同画派的代表性笔墨特征。例如，在学习了基础的“斧劈皴”之后，能否对比一下南派的“披麻皴”是如何在结构上实现差异化的？如果每两个级别，能用一章的篇幅，专门剖析一位历史名家的精要作品，并解析其在考级要求中的对应技法，那么学习者在掌握规范的同时，也能接触到更广阔的艺术世界，避免将眼界局限在教材本身提供的有限范例之中，从而更好地理解“格古创新”的真正含义。

这本书的封面设计倒是挺抓人眼球的，那种传统的写意山水风格，墨韵十足，一看就知道是走专业路线的。我本来是想找一本能系统梳理从入门到进阶的山水画学习资料，毕竟零基础想学好中国画，没有一本靠谱的教材真的会像无头苍蝇一样乱撞。听朋友说这套书的体系很完整，从最基础的点染皴擦开始，一直到高阶的复杂章法布局都有涉猎。不过，拿到手里之后，我发现它更偏向于“应试”和“考级”的导向性内容，而不是那种自由洒脱、鼓励创新和个人风格培养的艺术探索书籍。对于一个单纯想享受绘画乐趣、表达自我情感的业余爱好者来说，这种过于强调规范和标准化的训练，可能会让人觉得有些束缚。我更期待的是能看到一些名家对笔墨精神的深入解读，比如董源的“披麻皴”究竟如何用活，或是石涛的“我自用我法”究竟如何体现在具体的笔法之上，而不是单纯地告诉你“一级要画什么，六级要达到什么效果”。这本书的结构性毋庸置疑，但如果能增加一些关于中国画哲学思想和审美情趣的阐述，我想会更有深度，更吸引那些不仅仅是为了拿证书，而是真心热爱中国传统文化的读者。