中国中提琴名曲荟萃

出版者:上海音乐出版社

作者:沈西蒂等编吴菲

页数:58

出版时间:2003-4

价格:25.0

装帧:平装

isbn号码:9787806671351

具体描述

中提琴是一件美妙的乐器，她深厚的音色就像母亲般的温暖，不论在交响乐队，或在室内乐的演奏中，她担当着烘托整个乐队中声部的重要作用。20世纪以来，许多著名作曲家为这一极富表现力的乐器写了许多独奏作品。在当今音乐会舞台上，中提琴已经越来越显示出它的魅力，受到人们的喜爱。虽然中提琴和小提琴都已有300多年历史，但在我国的音乐学院中建立独立的中提专业只是近40年的事。很高兴看到由我的好友、同事沈西蒂和吴菲两位教授所编的《中国中提琴名曲荟萃》问世，这些乐曲是她们花了大量的时间收集、整理，并经过实践的，既是学习中提琴的必备教材，也可以用作音乐会的演出节目。希望通过这些乐曲的传播，有更多的人喜爱中提琴这件乐器，培养出更多的中提琴演奏人才。随书附CD光盘一张。

用户评价

这本《二十世纪初的室内乐与空间观念重塑》简直是一本挑战听觉习惯的“反骨之作”。我以一个非常挑剔的听众的角度来看，这本书的视角非常新颖和前卫。它没有陷入对传统奏鸣曲式的纠缠，而是直奔主题——现代作曲家如何利用音乐厅的空间感和声学特性来构思他们的作品。作者巧妙地引用了包豪斯建筑理念和立体主义绘画中的空间切割手法，来解释像“构成主义音乐”或某些序列音乐中那种分散的、非中心的声部布局。书中对某些实验性作品的描述，让我这个习惯了旋律和主导声部的听众感到既困惑又着迷。比如，书中对某部作品中“寂静”的处理进行了长篇论述，如何利用乐器间的空间距离和时间间隔，让空白本身成为一种有张力的音乐元素。这本书的专业术语使用得非常大胆且准确，它迫使我必须去重新审视“和谐”与“对位”的传统定义。对于那些觉得现代室内乐难以捉摸的听众来说，这本书提供了一种全新的“解码”工具，让你明白那些看似随机的音符组合，背后是对听觉体验边界的深思熟虑的探索。它不是一本让你感到舒适的书，但绝对是一本让你“清醒”的书。

这本书简直是为我这个对室内乐痴迷的乐手打开了一扇全新的窗户——《巴洛克时期弦乐四重奏的演变》。虽然名字听起来有点学术，但内容写得异常生动活泼，完全没有传统音乐史著作那种枯燥感。我尤其欣赏作者对于早期奏鸣曲和四重奏之间那种微妙的过渡关系的梳理。他没有把焦点仅仅放在海顿和莫扎特身上，而是花了大篇幅去探讨了巴赫的几个儿子以及早期意大利作曲家如博泰斯蒂尼的作品。那些作品里蕴含的早熟的对位技巧和尚未完全定型的曲式结构，在作者的笔下变得清晰可见。书中对“乐思”如何从赋格的线性发展转变为奏鸣曲的戏剧性冲突的论述，简直是大师级的剖析。他用了非常多形象的比喻，比如将赋格比作“精密的钟表工艺”，而奏鸣曲则是“一场充满情感张力的舞台剧”。我发现，通过这本书，我能更深层次地理解为什么后世的作曲家会反过来向巴洛克时期汲取灵感。对于我个人而言，它极大地丰富了我对“四声部写作”在不同历史阶段语境下含义的理解，可以说是弥补了我音乐知识结构中一个长期存在的“黑洞”。纸张的质感也很棒，拿在手里有一种对历史的敬畏感。

我最近入手了一本《二十世纪末大提琴演奏技巧的革新与探索》，这本书简直是演奏家们的“武功秘籍”！作为一个业余爱好者，我原本以为大提琴的技巧已经发展得差不多了，但这本书彻底颠覆了我的认知。它详细介绍了皮亚蒂、罗斯特罗波维奇之后，当代演奏家们如何挑战乐器的物理极限。最让我震撼的是关于“拓展技巧”的那几章，比如如何运用大量的泛音、双音、以及那些极富现代感的音色变化（Col legno tratto, sul ponticello的细微差别处理）。作者竟然能用清晰的图示和文字描述，将那些听起来有些怪异的现代演奏法，系统地归类和讲解出来，这对于想尝试演奏当代作品的人来说，简直是救命稻草。这本书的论述视角非常独特，它将演奏技术的发展与作曲家对音色的需求紧密挂钩，而不是孤立地讨论技术本身。例如，它分析了如何通过调整弓子的触弦点和压力，来模拟某些电子音乐中才可能出现的“噪音”或“嘶哑”质感，这简直是太酷了。读完之后，我再听那些当代大提琴独奏会录音，耳朵里仿佛安装了高分辨率的分析仪，能捕捉到演奏家每一次呼吸和每一个细微的摩擦声背后的深意。它教会我，技术不是目的，而是通往无限可能性的桥梁。

天哪，我最近发现了一本音乐宝藏，名字叫《二十世纪西方钢琴协奏曲选析》，简直是为我这种骨灰级古典乐迷量身定做的！这本书的深度和广度都超出了我的想象。它不仅仅是简单地罗列了作品的曲目和作曲家，而是深入剖析了从德彪西到肖斯塔科维奇那段波澜壮阔的时期，钢琴与乐队如何进行对话、冲突与融合。作者对于拉赫玛尼诺夫那几部宏大协奏曲的结构分析尤其精彩，他不仅提到了主题的发展，还结合了当时的社会背景和作曲家的个人心境，让人读起来感觉像是在聆听一场无声的音乐会，画面感极强。特别是关于巴托克那几首充满民族色彩的作品，作者居然能将匈牙利民间音调的复杂节奏型与二十世纪前卫的和声语言联系起来，这需要极深的专业功底。我特别喜欢其中关于“新古典主义”如何运用传统形式来表达现代情感的章节，那种严谨又不失灵动的文字，让我对那些曾经觉得有些疏离的作品，有了全新的亲近感。这本书的排版也非常考究，大量的乐谱片段引用得恰到好处，既不至于眼花缭乱，又能精准地指向作者的论点。如果说有什么遗憾，大概就是篇幅略显厚重，需要静下心来慢慢品读，但每一次翻阅，都能带来新的领悟，绝对值得所有严肃的钢琴学习者和爱好者珍藏。

我向所有热爱俄罗斯音乐的乐迷推荐《柴可夫斯基的交响诗：情感与叙事的交织》。这本书的撰写风格非常具有文学性和浪漫主义色彩，仿佛是作者在向我们娓娓道来一个关于“斯拉夫灵魂”的史诗故事。它不仅仅是对柴氏几部重要交响诗的分析，更像是对作曲家内心世界的深度挖掘。书中对《曼弗雷德》的解读尤其深入，作者将原著拜伦诗歌中的悲剧英雄形象，与柴可夫斯基晚年那种强烈的自我挣扎和宿命感完美地融合在一起。作者对管弦配器的分析达到了出神入化的地步，他会详细描述某个特定乐器组的进入是如何“点燃”或“冷却”了音乐的氛围，比如小号组在描绘战斗场景时的那种“黄铜的冷酷力量”，或是低音弦乐部如何营造出“广袤无垠的西伯利亚式忧郁”。这本书的行文节奏感很强，读起来一点都不累，甚至会让人不自觉地想要去寻找对应的录音来对照聆听。它成功地将音乐分析和文学评论结合了起来，让那些抽象的音响结构变得有血有肉，充满了俄罗斯特有的那种近乎过度的、热烈的情感表达。这本书让我对柴可夫斯基的“不够纯粹”的质疑烟消云散，只剩下对这位天才心路历程的深深共鸣。