翻拍和复制

出版者:浙江摄影出版社

作者:[美] 汤姆斯·米森等

页数:143

译者:胡昌平

出版时间:1999-4-1

价格:99.00元

装帧:平装

isbn号码:9787805366210

丛书系列:柯达专业摄影丛书

具体描述

《翻拍和复制》翻拍和复制是专业摄影工作的重要内容之一。其主要任务是运用摄影手段对原始底片、透明正片、照片、文件、图画等进行拷贝。

全方位地介绍翻拍和复制用的器材和技术；结合数字影像技术，强调最新科技成果在翻拍和复制工作中的实际运用；适用面广，有助于摄影师、收藏家、历史学家、博物馆和图书馆工作人员、执法人员和公司管理人员开展日常工作。

目录信息

前言
名词解释
翻拍和复制过程概述
版权及其限制
设备
黑白翻拍技术
彩色翻拍技术
复制
一步复制的方法
两步复制的方法
翻拍和复制的电子方法
· · · · · · (收起)

用户评价

这本书的阅读体验，就像是走进一个巨大的电影素材仓库，但你手里拿到的不是电影胶片，而是构成胶片的分子结构图。作者采取了一种去中心化的写作方式，他并不执着于评价某部具体的翻拍片的好坏，而是着眼于“翻拍”这一行为本身所蕴含的经济驱动力和文化必然性。它深刻地揭示了电影工业如何像一个巨大的生物体，不断地通过自我吞噬和变异来维持其生存。书中对于“文化资本的转移”这一概念的阐释，尤其让我耳目一新。它不再将翻拍视为简单的抄袭，而是看作一种高风险的文化资产置换，成功了就是资本的胜利，失败了也是市场对风险的正常修正。作者的语言充满了画面感和节奏感，读起来有一种强烈的代入感，仿佛你正身处洛杉矶的制片厂，亲眼见证一个创意是如何被层层包装、稀释，最终推向全球市场的。它不是一本让你去爱上或憎恨翻拍作品的书，而是一本让你理解“为什么会有翻拍”的书。这种宏观的、结构性的分析，极大地拓宽了我对当代影视产业的认识，让我从一个纯粹的消费者，提升到了一个审视者的高度，非常值得细细品味，值得反复阅读。

这本书的结构安排，简直是一次精心设计的迷宫。它没有采用传统的时间线索，而是围绕着几个核心的“复制链条”进行螺旋上升的探讨。作者的文笔如同精密的瑞士钟表匠，每一个句子的衔接都暗含着逻辑上的推进，但你又很难在阅读当下捕捉到全部的意图，只有读完一章回望，才会惊觉那条隐秘的线索已然被铺设妥帖。我特别欣赏作者处理“技术迭代”与“叙事忠诚度”之间的关系。比如，它探讨了数字特效技术如何让翻拍者有能力“完美复刻”旧场景，但这完美性反而剥夺了原作中那种因技术限制而产生的“粗粝的真实感”。这种对细节的敏锐捕捉，让这本书远远超出了“翻拍分析”的范畴，它指向了媒介本身的物质性如何影响美学表达。书中对几部特定类型片，如西部片和黑色电影的“符号库”如何被全球化地调用和稀释，进行了深入的田野调查式的描写。阅读体验是既有学术的严谨（体现在案例的精确引用上），又有散文的流畅（体现在逻辑的自然过渡上）。它不贩卖焦虑，而是提供了一把清晰的标尺，让你用更成熟的视角去衡量每一部“新面孔”的价值，真正做到了如书名所示，对“翻拍与复制”进行了一次彻底的解剖手术，干净利落，刀法精准。

读罢此书，我最大的感受是，作者对于“模仿”这一行为的哲学探讨，已经上升到了对现代社会符号消费模式的批判层面。它不像一本专门讲电影史的著作，更像是一篇长篇的文化人类学报告，只不过研究对象聚焦在了影像媒介上。作者巧妙地运用了“镜子”和“回声”这两个核心隐喻，来描述艺术创作的迭代过程。那些看似平庸的翻拍，其实是时代的“快照”，它们折射出当下社会最主流、最容易被接受的情感需求和道德光谱。我尤其对其中关于“记忆的商品化”那一部分印象深刻。当经典被反复拿出来消费时，被消费的究竟是故事本身，还是观众对“过去的美好时光”的一种集体制幻？书中举的例子都很刁钻，专挑那些被认为“翻拍失败”的作品入手，但作者却从中解读出了制作方在迎合特定代沟时的市场失算。那种语言的风格是散文化和思辨性的，不追求标准的学术严谨，而是追求一种“穿透力”，像是在和一位深谙世故的电影制作人进行一场深夜的、关于艺术与金钱的对话。这本书不会给你明确的答案，而是会把所有问题——关于版权、关于文化挪用、关于艺术的生命力——都摊开在你面前，让你自己去感受那份纠结和无奈。它对于那些痴迷于“原汁原味”的影迷来说，或许会是一种冲击，因为它证明了“原味”本身就是一个不断被重塑的伪概念。

这本《翻拍和复制》简直是一部关于电影工业运作的“幕后教科书”，它没有落入那种枯燥的学术分析窠臼，反而用极其生动的笔触，解剖了那些我们习以为常的视听符号是如何被拆解、重构，乃至在不同文化土壤中发生“基因突变”的全过程。作者的叙事节奏把握得极好，开篇就抛出了几个极具争议性的案例，像一把锋利的解剖刀，直接切入好莱坞对经典作品的“挪用”策略。我特别欣赏他对“原创性焦虑”的探讨，指出在高度资本化的娱乐产业中，“安全”的翻拍往往比“冒险”的创新更具市场逻辑。书中对不同国家电影市场在接收和再生产外国IP时的文化阻力与适应性变化，分析得入木三分。比如，它对比了亚洲和欧洲对同一部美国电影翻拍版本的不同处理方式，揭示了地域审美和审查制度如何在潜移默化中改变叙事核心。读完后，你会发现，你以前观看的许多电影，不仅仅是作品，更像是跨越时空的文化商品交换的里程碑。它强迫你重新审视那些被奉为经典的“新版”，去辨别其中哪些是灵魂的继承，哪些仅仅是皮肤的更替。这本书的价值，在于它提供了一套观察现代电影工业生态的底层逻辑框架，而非简单的影片评论集。它让我们意识到，在数字时代，内容本身正在被去语境化，成为可以随意装载的“数据包”，这种洞察令人不寒而栗，也令人兴奋。

如果说许多关于电影理论的书籍都在讨论“意义的生产”，那么《翻拍和复制》则着重讨论了“意义的再包装和运输”。作者的观察视角极其独特，他似乎对幕后的制片人和发行商的心理博弈有着深刻的理解。这本书的行文风格非常锐利，充满了对当代文化现象的讽刺和批判，但这种批判并非是居高临下的说教，而更像是一种带着无奈的清醒。它没有大谈特谈什么高深的理论术语，而是通过大量的实例——从成功的本土化改编到灾难性的跨文化移植——来构建自己的论点。我特别喜欢作者对“情感锁定”现象的描述：即翻拍往往试图重新激活观众对原作的集体怀旧情绪，但这种情感的“锁定”本身就成为了创作的枷锁。书中有一段分析某个经典恐怖片翻拍版时，指出新版虽然在视觉上更加震撼，但却失去了老版中那种对未知的“恐惧的想象空间”，因为它把所有东西都“复制”得太清楚了。这本书读起来非常“过瘾”，因为它解答了许多我作为普通观众心中模模糊糊的困惑：为什么有些电影明明技术一流，却让人觉得空洞无物？答案或许就在于，当复制变得廉价和容易时，创作的“原罪”——即承担风险的勇气——也就随之消失了。