日本当代油画艺术

页数:112

出版时间:2003-1

价格:68.00元

isbn号码:9787536227774

具体描述

在20年代80年代，中国实行改革开放政策，中国学习油画敏感的人士则先后奔赴了欧洲或美国，他们从欧美带回了油画的各个方面的信息，从欧洲传统的油画艺术到最现代最新潮的油画的表现，都被全息式介绍到中国来。但是和我国距离最后的日本油画，我们是知之甚少，或只是零星的点滴信息。

现在，经作者和其夫人费了两年的时间，共同编辑的本书弥补了这一空白。通过这本书，我们可以系统和全面地了解日本油画的面貌及其发展过程，无疑将对中国油画的发展产生积极的影响，因为油画对于日本和中国来说都是泊来品，都面临着一个民族化的问题，日本在这方面做得如何，是可以给中国以借鉴的。

在本书中可以感受到日本当代油画发展的文脉，从中也可见出他对日本当代油画的综合认识水准。

用户评价

作为一位对视觉文化有着浓厚兴趣的普通爱好者，我发现这本书最棒的一点是它极大地拓宽了我对“什么是艺术”的理解边界。它没有过多地纠缠于宏大的历史背景，而是聚焦于作品本身如何与社会结构、个体焦虑进行对话。我记得其中有一段文字，描述了一组装置作品如何利用日常废弃物来探讨消费主义的循环，那种剖析得极其深刻而又不动声色。它没有用高高在上的批判口吻，而是用一种近乎温和的观察，将作品的意图一点点剥开。这使得阅读过程变成了一种自我反思的过程。我开始重新审视我日常生活中那些被忽略的角落——那些被视为“无用”的物品，在艺术家的手中是如何被赋予新的生命和意义的。这种“化腐朽为神奇”的理念，对我触动极大。

这本书带给我一种强烈的“时间感”的错位体验。它不是那种单纯回顾某个黄金时代的画册，它更像是一面镜子，映照出的是一种持续在场的、未完成的时代精神。读完之后，我感到一种莫名的兴奋，这种兴奋源于对未来艺术可能性的期待。作者在探讨那些先锋实验时，总是带着一种向前看的乐观态度，仿佛每一笔大胆的色彩和每一个怪异的造型，都是在为下一个十年打下基础。我注意到书中对媒介变化的探讨非常敏锐，它没有把数码艺术视为洪水猛兽，而是将其视为演化的一部分。这种与时俱进的视角，让整本书读起来一点都不沉闷，充满了活力和探索欲，让人忍不住想要拿起画笔，或者只是用一种新的眼光去看待窗外这个瞬息万变的城市。

从排版和信息密度的角度来看，这本书的编辑功力绝对是顶尖的。它在大量呈现视觉作品的同时，并没有牺牲文本的可读性。很多双页的跨页设计堪称艺术品本身——将一张大幅面的原作与一段精炼的理论阐释巧妙地结合在一起，形成一种视觉和智识上的双重冲击。我观察到，书中的图注和索引部分设计得极其严谨，虽然我不是专业人士，但能感受到背后资料搜集之庞大和细致。它似乎在努力平衡“普及性”和“专业性”这两个几乎无法调和的矛盾面。虽然有些段落的专业术语密度稍高，需要反复阅读，但这反而凸显了它对领域深度探索的决心，而不是为了迎合大众口味而刻意简化。这种严谨的态度，让读者对其中呈现的内容充满了信任感。

这本书的封面设计着实吸引眼球，那抹带着些许忧郁的蓝色调，配合着那些抽象的光影，让人不由自主地联想到现代都市中那种既繁华又疏离的复杂情绪。内页的装帧处理得非常考究，纸张的质感厚重而细腻，即便是只是翻阅，也能感受到出版方在细节上的用心。我尤其欣赏它排版上的克制，文字和图像之间的留白处理得恰到好处，没有那种把信息硬塞进眼前的压迫感。它更像是一本艺术家的私密笔记，而非一本冰冷的学术教材。虽然我对具体画家的名字和流派了解不多，但光是这种视觉上的沉浸感，就已经值回票价了。它成功地构建了一种氛围，让人在阅读过程中，仿佛真的置身于东京某个光线昏暗、充满烟火气的画廊里，去感受那些色彩和线条背后的无声叙述。这种对“体验感”的重视，是很多同类书籍所缺失的。

这本书的叙事节奏非常独特，它不像传统艺术史那样线性推进，而是像一首打着节拍的爵士乐。章节之间的跳跃感很强，有时候会突然从一幅极简主义的平面作品，猛地切换到一幅描绘日常琐事的具象写实。这种非线性的结构，初看可能会让人有点摸不着头脑，但深入阅读后，我体会到的是一种对“当下”的捕捉。它似乎在暗示，当代艺术的生命力正在于这种看似碎片化、实则相互关联的日常瞬间。文字的笔触也颇具文人气息，大量运用了象征性的词汇，使得即便是对艺术理论不甚了解的读者，也能从中感受到一股深沉的思辨力量。我花了好几天的时间才慢慢消化完前三分之一的内容，因为它要求你慢下来，去感受文字所营造出的那种情绪张力，而不是急着去寻找标准答案。

野田弘志、中村清治、大律英敏、三尾公三、增田常德

一般。诹访敦《记不清的语言》印象最深

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