美术鉴赏

出版者:武汉大学出版社

作者:栾布/朱咏/郭明生/刘珏链编

页数:180

出版时间:2004-1

价格:26.00元

装帧:简裝本

isbn号码:9787307037328

具体描述

该书以历史为纲，结合时代背景、人文历史、艺术风格、潮流派别、作品技法等方面对古今中外美术史上的代表人物和代表作进行了分析介绍，内容融科学性、趣味性、知识性、通俗性为一体，旨在提高读者的美术鉴赏水平。

用户评价

说实话，这本书的理论深度可能需要读者有一定的先验知识，但回报绝对是巨大的。它处理现代主义艺术的章节，完全避开了那种陈词滥调的“反叛”叙事，而是将其置于社会经济结构变迁的大背景下进行剖析。例如，关于立体主义的解析，书中不仅讨论了毕加索和布拉克如何解构三维空间，更进一步探讨了火车、电报等新兴技术如何改变了人们对“时间”和“同时性”的感知，从而为艺术形式的革命提供了必要的认知基础。这种将艺术视为社会“内生反应”的观点，对我来说是醍醐灌顶。阅读过程中，我感觉自己不是在看一本艺术史书，而是在阅读一本关于“人类意识如何自我重塑”的智力挑战书。它对概念的界定极其严谨，比如“形式主义”和“表现主义”在特定历史语境下的细微差别，作者会用好几页篇幅进行反复的辨析和举例，务求精准。这本书的结论部分尤其精彩，它没有试图对未来艺术做出任何预言，而是用一种非常谦逊的态度，总结了艺术史为我们留下的最有价值的遗产——即不断提问的能力。

这本书的阅读体验，与其说是学术研习，不如说是一次心灵的沉浸式体验，尤其是在谈论那些与“光”和“氛围”相关的艺术流派时。作者对印象派作品中对瞬时光影的捕捉，其描述之细腻，简直让我仿佛能闻到夏日午后塞纳河畔潮湿的空气和画布上颜料未干的松节油味。他分析莫奈如何通过叠加不同色温的笔触来模拟空气透视的效果，那种“笔触即是时间记录”的观点，极大地拓宽了我对绘画技法的理解。更让我惊喜的是，书中穿插了一些艺术家的私人信件节选，那些手稿中流露出的对创作的焦虑、对同行的不屑、以及对灵感降临的狂喜，让这些历史人物瞬间变得鲜活而立体，不再是冰冷的画像。这些文字片段，如同冰山一角，揭示了伟大作品背后所蕴含的巨大的人性挣扎。全书的语言风格在保持学术严谨性的同时，充满了文学性的张力，使得枯燥的技法讨论也变得引人入胜，读完后，我对周遭世界的色彩和形状的感知力都似乎提升了一个层次，这是最宝贵的收获。

这本书的叙事节奏把握得如同交响乐的指挥，时而宏大磅礴，时而又细致入微，令人难以放下。它在讲解古希腊雕塑的“理想美”时，那种宏大的哲学思辨，仿佛能让人听到宙斯神像下风声的呼啸，充满了对“永恒”的追问。但是，紧接着，它会立刻将焦点拉近到某个特定陶器上一个不起眼的几何纹饰，用非常小的笔触去解析这个纹饰在不同部落文化中的含义变迁。这种“拉远景”和“推近景”的切换，使得读者始终保持着一种既有全局观又不失细节体察的敏锐度。我特别喜欢作者处理“争议性”作品的方式，他不会简单地给出一个“好”或“坏”的标签，而是会非常公允地列出支持和反对的观点，并引用当时评论家的原文，让你自己去判断其中微妙的张力。这本书里没有绝对的权威，只有不断被挑战和重构的视角。它像一把精密的解剖刀，拆解着艺术的各个组成部分，但最终的目的不是为了破坏，而是为了更好地理解其生命的律动。这种克制而有力的叙述风格，让人对作者的专业素养肃然起敬。

我不得不说，这本书的选材范围广阔得有些令人咋舌，简直像是一场跨越千年的艺术漫游。它并不满足于仅仅聚焦于那些耳熟能详的“名作”，反而花了大量的篇幅去挖掘那些被主流艺术史边缘化的流派和个人。比如，书中花了整整三分之一的篇幅去探讨十八世纪末期，在巴洛克风格逐渐衰落的背景下，一群来自北欧的小画室如何坚持使用动物脂肪作为媒介进行创作，那种对媒介的固执和对地域色彩的坚守，读起来让人热血沸腾。作者的笔触时而如同一位严谨的考据学家，对某个模糊的署名进行文献追溯，试图确定其真实身份；时而又像一个充满激情的评论家，用犀利且略带反讽的语言，剖析那些迎合沙龙贵族趣味的平庸之作。最让我感到意外的是，它对“材料的语言”的阐述。它没有停留在“油画”或“水彩”这些基本概念上，而是深入到不同矿物颜料的酸碱度如何影响画作的持久性，以及不同底料对色彩饱和度的影响，这简直是给每一个想拿起画笔的人准备的“内行密笈”。这本书的阅读体验，与其说是在学习艺术史，不如说是在参与一场关于“如何看待物质存在”的深刻对话。

这本封面设计得极为雅致，那种深沉的墨绿色配上烫金的细致纹路，初见时就给人一种庄重而深邃的期待感。我翻开它，首先注意到的是它的纸张质感，那种略带粗粝感、但手感又非常温润的纸张，仿佛带着历史的沉淀。内页的排版非常考究，留白的处理恰到好处，使得即便是大段的文字描述，阅读起来也不会感到拥挤和压迫。书中对文艺复兴时期佛罗伦萨画派的某些中早期作品的分析，简直是教科书级别的细致。作者并非只是罗列作品的年代和人物背景，而是深入到颜料的构成、光影的微妙变化，甚至是如何通过透视法来营造空间感的哲学意图。举个例子，它对某幅静物画中苹果表皮反光的研究，竟然能够关联到当时玻璃制作工艺的进步，这种跨学科的视角非常新颖。我尤其欣赏它处理“风格演变”时的那种线性叙事能力，如何从拜占庭的板式绘画过渡到哥特式的飘逸，再到古典主义的理性回归，每一个转折点都论证得滴水不漏，让人感觉历史的脉络清晰可见，而不是零散的知识点堆砌。读完某个章节，我甚至会立即去搜索那些被提及的、但书中没有配图的早期大师作品，去亲眼感受那种文字所描绘的“不可言喻的崇高感”。

中外前后美术历史，作品介绍。编排生硬，赞美之词过于浮夸，总之是听不懂，唯一一点算好的是，对美术各个历史时期形成一个基础的印象，可走马观花，也是记不住呐~~~~

中外前后美术历史，作品介绍。编排生硬，赞美之词过于浮夸，总之是听不懂，唯一一点算好的是，对美术各个历史时期形成一个基础的印象，可走马观花，也是记不住呐~~~~

典型的中国式教科书，八股文，内容空洞，语言生硬

纸质不好，而且黑白的图片怎么鉴赏啊？

中外前后美术历史，作品介绍。编排生硬，赞美之词过于浮夸，总之是听不懂，唯一一点算好的是，对美术各个历史时期形成一个基础的印象，可走马观花，也是记不住呐~~~~