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☆☆☆☆☆

出版者:中央音乐学院出版社

作者:明言

出品人:

页数:457

译者:

出版时间:2003-12-1

价格:33.00元

装帧:平装(无盘)

isbn号码:9787810960069

丛书系列:

图书标签:

音乐批评学
音乐
艺术
#4151.musical_critique
#4.music
音乐批评
音乐理论
音乐史
文化研究
艺术评论
音乐分析
西方音乐
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音乐美学
音乐哲学

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具体描述

这是我国第一部全面、系统地研究、论述“音乐批评学”的基础理论、基本原理、基本对象、基本范畴的教程性专著。本书可以作为音乐艺术院校“音乐批评”课程的教材使用，也可以作为普通高等院校音乐基础理论的参考读物。全书共分为两个部分：第一部分是“论”，包括绪论及第一章至第九章，论述的是音乐批评的基础理论的各个基本方面；第二部分是“史”，包括第十章、第十一章，勾勒的是中国与西方音乐批评的历史脉络。全书立论新颖、结构严谨、论述流畅、例证翔实。可称为中国当代“音乐批评学”的开拓性著作。

图书简介：光影变奏：二十世纪西方电影理论的流变与转向本书并非关于音乐批评的著作，而是一部深度剖析二十世纪西方电影理论发展脉络的学术专著。本书旨在系统梳理和辨析二十世纪西方电影理论从早期形式主义萌芽到后结构主义、文化研究兴盛的复杂演变过程。我们聚焦于那些定义了电影作为一门独特艺术形式、探讨其社会功能、意识形态载体以及观众接受机制的关键思想流派和代表人物。全书以时间为轴线，辅以理论专题深入剖析，力求展现电影理论在不同历史语境下的理论关切与方法论的迭代。第一部分：现代主义的奠基与形式的追寻（1910s - 1940s）本部分着眼于电影艺术的早期探索阶段，理论家们试图确立电影区别于戏剧、文学等传统媒介的本体论地位。第一章：电影本体论的建立与美学探索本章首先回顾了早期电影理论家如巴赞（Riccardo Bacchelli）和爱森斯坦（Sergei Eisenstein）的奠基性工作。我们详细探讨了爱森斯坦的“蒙太奇学说”，尤其侧重于其辩证法基础和对视觉冲击力的理论构建。不同于关注线性叙事或情感渲染，爱森斯坦的理论核心在于通过镜头间的并置产生新的意义，实现“知识的积累”。紧接着，我们分析了与苏联建构主义相对立的法国印象派电影理论，如德吕克（Jean Epstein）对“照相写实性”和“深度知觉”（la faculté de profondeur）的强调，认为电影的本质在于捕捉瞬间的时间流逝和人眼的主观感受，这为后来的现象学电影研究埋下了伏笔。第二章：经典好莱坞的内在逻辑与形式的规范化此章转向好莱坞经典叙事模式的形成背景下，对电影语言的规范化进行考察。虽然当时系统的理论著作较少，但我们通过分析鲁道夫·阿恩海姆（Rudolf Arnheim）的早期形式主义观点，探讨了电影“去现实化”的艺术潜力，即电影如何通过剪辑、景别等手段创造出一种独特的空间与时间体验。同时，我们也引入了对“透明度”的讨论，即经典好莱坞如何力求让观众忽略媒介本身，完全沉浸于故事之中，这成为后续反思的靶子。第二部分：结构主义的理性之光与叙事的密码（1950s - 1960s）随着二战结束和欧洲知识界的复苏，电影理论开始借鉴结构主义语言学的方法论，试图破解电影作为一种“语言”的内在语法。第三章：叙事学在电影中的应用：结构主义的盛宴本章是全书的核心之一，集中探讨了电影叙事学（Narratology）的兴起。我们详细解析了普罗普（Vladimir Propp）的民间故事结构对电影叙事模式的启发，以及塔德（Noël Burch）对“组合式电影”（Cinéma de combinaison）的分析。更重要的是，我们深入研究了克里斯蒂安·梅茨（Christian Metz）的开创性工作。梅茨将索绪尔的二元对立和结构分析引入电影分析，构建了“大组合”（Grand Syntagmatique）系统，试图为电影的最小叙事单位——场（shot）和场景（sequence）——建立起一套严谨的分类学。本书批判性地考察了梅茨理论的局限性，尤其是在处理非叙事性或实验性电影时的不足。第四章：符号学：电影如何“说”与“被说” 本章聚焦于电影符号学（Semiotics of Cinema）。除了梅茨，我们还引入了佩尔斯（Peirce）的三元符号学理论在电影中的具体应用。探讨了“图标”（Icon）、“指示符”（Index）和“象征符”（Symbol）在电影画面、声音和剪辑中的具体功能。我们着重分析了符号学如何揭示电影生产的意识形态编码，即那些被视为“自然”的视觉表达，实际上是文化建构的结果。第三部分：意识形态的批判与政治的转向（1960s - 1970s）随着社会运动的高涨，电影理论的焦点从形式和结构转向了政治、意识形态和权力关系。第五章：马克思主义批判与“意识形态机器” 本章探讨了阿尔都有塞（Louis Althusser）的“意识形态国家机器”理论如何被应用于电影研究。我们重点分析了阿尔都塞的“认同”（Interpellation）概念，即电影如何通过制造虚假的“主体性”来巩固现有的社会权力结构。紧接着，本书详述了巴赞学派（Bazin School）的反思，特别是关于“封闭式叙事”如何掩盖了资本主义的内在矛盾。我们考察了法国左翼电影批评如何将经典好莱坞视为一种“意识形态的麻醉剂”。第六章：女性主义与窥淫症（Voyeurism）的解构本章深入探讨了劳拉·穆尔维（Laura Mulvey）的里程碑式文章《视觉快感与叙事电影》。我们详细阐释了“窥淫症”（Voyeurism）和“恋物癖”（Fetishism）的拉康式概念如何被用来分析主流电影中对女性身体的“凝视”（Gaze）。本书不仅梳理了穆尔维的论点，也分析了后续女性主义理论对“凝视”概念的修正与扩展，例如对非西方或跨文化凝视的研究。第四部分：后结构主义的解构与主体性的消亡（1970s - 1990s）后结构主义思潮的涌入，彻底颠覆了结构主义对意义稳定性的信念，将重点转向了不稳定、碎片化和多元的解释。第七章：德里达与文本的开放性：意义的无限延异本章讨论了德里达（Jacques Derrida）的解构主义如何被用于电影分析。我们考察了文本的“在场”与“缺席”，探讨了电影中能指（Signifier）与所指（Signified）之间的永恒漂移。电影不再是一个可以被完全“解码”的封闭文本，而是一个充满矛盾和张力的开放场域。第八章：福柯、权力与知识的谱系学我们转向福柯（Michel Foucault）的思想资源，探讨电影作为一种“规训技术”的作用。电影如何参与到对身体、欲望和知识的建构与控制中？本章分析了影像的“权力-知识”网络，尤其关注纪录片和档案影像在构建历史“真实”中所扮演的角色。第五部分：文化研究的介入与电影的多元化解读（1990s至今）本书的最后部分关注当代电影理论的多元化趋势，即理论研究从精英主义的文本深层结构分析，转向对观众接受、流行文化和身份政治的考察。第九章：文化研究与观众主体性本章讨论了斯图亚特·霍尔（Stuart Hall）的编码/解码模型在电影研究中的应用。我们探讨了“对抗性解读”（Negotiated Reading）和“对立性解读”（Oppositional Reading）的可能性，承认观众在接收媒介信息时的主动性和能动性，打破了早期理论中将观众视为被动接受者的观点。第十章：全球化背景下的电影与身份政治最后一章聚焦于后殖民理论和酷儿理论对电影分析的影响。探讨了“他者”（The Other）的影像再现问题，以及非主流身份（如酷儿身份、少数族裔身份）如何在主流电影工业中被协商、抵制或重新编码。本书总结了二十世纪电影理论的总体走向：从对“电影是什么”的本体论追问，转向对“电影如何运作于社会”的批判性反思。结论：理论的重叠与未来的转向本书最后总结，二十世纪的电影理论并非是线性的进步，而是一系列相互对话、批判和融合的知识运动。这些理论为我们理解影像的复杂性提供了不可或缺的工具箱，尽管新的数字媒介带来了新的挑战，但这些经典理论框架的思维方式依然是解读光影变奏的基石。

作者简介

目录信息

读后感

评分☆☆☆☆☆

用户评价

评分☆☆☆☆☆

说实话，刚拿到这本书时，我对其厚度和深度有所保留，但一旦沉浸其中，便难以自拔。作者展现了一种罕见的宏观视野和微观洞察力的完美结合。他对不同文化背景下音乐观念差异的比较分析，尤其发人深省，它打破了我长期以来受到的某种音乐教育的局限性。书中对一些关键概念的界定非常精准，避免了许多同类著作中常见的模糊不清。最让我感到惊喜的是，作者似乎拥有一种预见未来的能力，他对某些新兴音乐趋势的判断，如今看来已经得到了印证。这本书的价值在于，它提供的不仅仅是知识，更是一种看待世界、理解艺术的全新框架。我强烈推荐给所有对深度思考和审美探索抱有热情的人，它绝对能成为你书架上经久不衰的参考宝典。

评分☆☆☆☆☆

阅读这本书的过程，就像是进行了一场深入的音乐考古之旅。作者的资料搜集工作做得极为扎实，引用的文献和案例之广博，令人惊叹。我注意到，在论述特定音乐现象时，他总能追溯到源头，将看似孤立的音乐事件串联起来，形成一个宏大的历史叙事。这种叙事方式极大地拓宽了我的视野，让我看到了音乐发展脉络中的诸多“转折点”。书中的语言风格显得尤为老练，充满了学者特有的严谨与思辨性，但绝非高高在上，而是通过精妙的类比和生动的比喻，将复杂的音乐概念平易近当地呈现出来。我特别喜欢其中关于“噪音”和“旋律”的辩证讨论，作者挑战了许多传统审美观念，激发了我对声音本身的重新感知。这本书不仅仅是知识的传授，更像是一次思维方式的重塑，让人在未来的聆听中，能够带着更深层次的洞察力去接触音乐。

评分☆☆☆☆☆

这本书的封面设计得非常现代，充满了艺术气息，让人一眼就能感受到作者对音乐的独到见解。我原本以为这会是一本枯燥的理论书籍，但翻开目录后，才发现内容异常丰富，涵盖了从古典乐派到当代电子音乐的广泛领域。作者的文笔流畅而富有感染力，即使是对于音乐理论的探讨，也能写得像诗歌一样优美。特别是他对不同音乐流派的梳理，逻辑清晰，层次分明，让我这个对音乐史了解不深的读者也能轻松跟上他的思路。书中对一些经典作品的分析更是入木三分，不仅仅是停留在表面的结构分析，而是深入到作品背后的文化语境和社会背景，让人读后有茅塞顿开之感。我尤其欣赏作者那种既保持批判性思维，又饱含人文关怀的写作态度，他并不急于给出一个绝对的“好”或“坏”的评判，而是引导读者去思考音乐在不同时代和文化中的意义。这本书无疑是一次思想的盛宴，非常值得细细品味。

评分☆☆☆☆☆

这本书的排版和设计非常用心，每一章节的过渡都处理得非常自然流畅，仿佛是精心编排的一场音乐会。作者的叙事节奏掌控得极好，时而磅礴大气，梳理历史洪流；时而又聚焦于某一乐章的细枝末节，进行微观分析。我发现自己常常因为某个精彩的论断而停下来反复阅读，甚至会起身去寻找作者提及的那些经典录音来对照验证。这种互动式的阅读体验，极大地增强了我的求知欲。书中对音乐家个体命运与时代背景交织的描绘，尤为动人，充满了文学色彩。它不再仅仅是关于音符和和声的学问，而是一部关于人类创造力、情感表达以及社会变迁的史诗。对于想要深入了解音乐文化的爱好者来说，这本书提供了一个极佳的、多维度的入口。

评分☆☆☆☆☆

这本书给我带来的最直接感受是“震撼”。作者在探讨当代音乐现象时，展现出的敏锐度和前瞻性令人印象深刻。他并未沉湎于对黄金时代的追忆，而是大胆地将目光投向那些仍在发展中的、甚至充满争议的音乐形式。书中的论证逻辑如同精密的手术刀，准确地剖开了当前音乐生态中的一些伪命题和陈旧观念。虽然有些章节涉及到的理论框架相当深奥，但作者总能用清晰的论证步骤引导读者穿越迷雾。我特别欣赏其中对于听众主体性的探讨，他强调了接收端在音乐意义构建中的关键作用，这使得阅读体验不再是被动接受，而是一种积极的对话。这本书的内容对我来说，既有理论上的提升，也有实践上的启发，它让我开始重新审视自己日常收听的播放列表，并尝试以一种更具批判性的态度去面对新的声音。

评分☆☆☆☆☆

可能作者成就很高，但本书写作得令人没有阅读兴致

评分☆☆☆☆☆

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评分☆☆☆☆☆

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可能作者成就很高，但本书写作得令人没有阅读兴致