跟我学琵琶练习曲集

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出版者:湖南文艺出版社
作者:张源侠 编
出品人:
页数:132
译者:
出版时间:2004-1
价格:20.00元
装帧:简裝本
isbn号码:9787540431433
丛书系列:
图书标签:
  • 琵琶
  • 练习曲
  • 乐谱
  • 教材
  • 中国乐器
  • 民族乐器
  • 初学
  • 进阶
  • 跟我学
  • 音乐
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具体描述

本书共分为四个部分,由浅入深,系统的将学习琵琶的各种技巧技法都融于其中,使之成为系统的琵琶练习曲集,又能弥补《跟我学琵琶不足》之不足,更希望得到广大琵琶同行的欢迎。

在编选过程中,着重“实用”二字,有些琵琶技法若能看书,或教师解释即会演奏的指法就从略了,以常用指法为主,在技巧训练上选用了以提高活指、换反、过弦、快速为目的的练习。选用了几首完整的乐曲,是检验你活指、换把,快速练习的效果与程度。

乐海拾贝:中国传统音乐赏析与演奏入门 内容简介: 本书旨在为广大音乐爱好者提供一个系统而深入的视角,探索中国传统音乐的博大精深。它并非仅仅是一本技巧练习的汇编,而是一部集理论知识、历史脉络、审美情趣与实践指导于一体的综合性读物。全书分为四大篇章,层层递进,旨在引导读者由浅入深地领略中国音乐的独特魅力,并掌握初步的欣赏与演奏能力。 --- 第一篇:华夏乐韵的源流与变迁 本篇着重于构建读者对中国传统音乐的宏观认知框架,追溯其历史根源,梳理其发展脉络,理解不同历史阶段的音乐特征与社会功能。 一、 音乐的史诗:从先秦到清末 本章详细考察了中国音乐文明的肇始。从《诗经》中的雅乐歌谣,到孔子提倡的礼乐教化,阐释了古代“乐”与“礼”密不可分的思想基础。着重分析了秦汉“雅乐”向“燕乐”过渡的特点,以及魏晋南北朝时期佛教音乐、胡乐的融合对本土音乐产生的深远影响。 重点探讨了唐代宫廷燕乐的鼎盛及其对外传播的盛况,特别是燕乐中的“法曲”与“教坊乐”的结构差异。随后,进入宋代的“词乐”时期,分析文人阶层对音乐的审美追求,以及以“词牌”为基础的音乐创作模式。元代的“戏曲音乐”的兴起被视为中国音乐发展史上的一个重要转折点,本章将详细剖析曲牌、板式与角色唱腔的构成。明清两代,昆曲、地方戏曲(如京剧、川剧等)的繁荣,标志着程式化、综合艺术的成熟。本章以大量史料佐证,勾勒出这条绵延数千年的音乐进化轨迹。 二、 乐律体系的奥秘:五声与十二律 理解中国音乐的内在逻辑,必须掌握其独特的音高体系。本章深入浅出地介绍了中国传统音律的基础——“五声体系”(宫、商、角、徵、羽)。详细解释了这五个音级在五行学说中的对应关系及其象征意义。 更进一步,本章全面讲解了“十二律”的构建原理,包括“三分损益法”的精确计算过程,以及由此产生的“律”、“吕”在古代乐律学中的实际应用。对比西方十二平均律,强调中国传统律学在音色、泛音处理和音高微调上的独特考量,帮助读者理解为何中国传统乐器在音准上呈现出一种流动的、富有弹性的美感。 三、 乐器的谱系与家族 中国传统乐器种类繁多,分类体系独特。本章采用“八音”分类法(金、石、丝、竹、匏、土、革、木)作为基础框架,系统性地介绍各类乐器的构造、音色特征和在不同音乐中的角色。 丝弦类(如古琴、筝、琵琶的早期形制): 探讨其在文人音乐和独奏艺术中的地位。 竹管类(如笛、箫、埙): 分析其在表达悠远、空灵意境上的优势。 膜响类与打奏类: 阐述其在戏曲与民间鼓吹乐中的节奏驱动作用。 本章特别设置了乐器演变考,追踪了几种核心乐器(如筝、琵琶)从唐代至近现代的形制变化,为后续的演奏实践打下基础。 --- 第二篇:中国器乐的审美维度 本篇聚焦于中国传统器乐的独特美学追求,探讨其如何通过音乐语言来承载文化精神与人文情怀。 一、 意境与气韵:音乐的“言外之意” 中国音乐审美核心在于“意境”。本章剖析了“气韵生动”这一概念在器乐中的体现。探讨作曲家或演奏者如何运用速度的抑扬、力度的变化、音色的选择,来描绘山川景物、抒发个体心境。例如,如何通过“散板”来模拟自然界中无序的动态,或通过“一弓拉足”来表现恢宏的气势。 二、 结构与程式:内在的秩序美 与西方音乐的奏鸣曲式、回旋曲式不同,中国传统器乐多采用“板块式”或“线性发展”的结构。本章系统介绍几种常见的器乐曲式,如“引子—呈示—发展—再现—尾声”的模式,以及戏曲音乐中常见的“板式”(如慢板、快板、流水板)的交替使用如何构建音乐的张力。强调其结构并非僵硬的框架,而是为表达内容服务的灵活载体。 三、 独奏、合奏与伴奏中的角色分配 分析不同演奏形式下乐器群体的功能差异。在大型合奏中,如何实现“主旋律”与“和声性衬托”之间的关系(区别于西方复调)。在戏曲伴奏中,乐器如何精确地“勾勒”人物的内心活动和动作轨迹。这有助于读者理解,在中国音乐中,乐器间的互动往往是“对话式”而非“对位式”的。 --- 第三篇:民族器乐演奏基础导论 本篇从实践层面切入,介绍学习民族器乐所需具备的基本素养和通用技巧,为读者提供一个扎实的入门平台。 一、 姿态与持器:身体与乐器的和谐统一 强调正确的演奏姿态是音色与技巧的基础。本章详细图解了坐姿、站姿的规范要求,以及手型、指位的基本原则。特别是针对弓弦类乐器(如二胡、中阮)和弹拨类乐器(如筝、琵琶)的持弓、持拨的差异化要求。关注如何通过放松身体来获得更具穿透力和感染力的音色。 二、 触键与发声:音色的探索之旅 本章聚焦于“如何发出好听的声音”。对于弹拨乐器,探讨拨弦力度、触弦角度对音色是刚是柔的影响;对于拉弦乐器,分析运弓的快慢、轻重、弓段选择(靠近琴码或指板)如何形成“明音”、“暗音”、“吟音”等丰富变化。引入“泛音”、“揉弦”、“滑音”等基础技巧的原理性介绍。 三、 识谱法初探:工尺谱与五线谱的桥梁 鉴于中国传统音乐记谱法(工尺谱)与现代五线谱并存的现状,本章专门辟出章节进行对比介绍。详细解析工尺谱的基本符号(如“上、尺、工、六、五、四、一”)及其音高含义,并教授读者如何快速将其对应到五线谱上,为阅读和演奏传统曲目打下必要的识谱基础。 --- 第四篇:区域音乐的斑斓色彩 本篇带领读者进行一次“音乐地理之旅”,认识中国丰富的地方音乐文化,体会地域特色对器乐风格的影响。 一、 南北器乐风格的地域差异 对比北方器乐(如陕西、山西的粗犷、大气的风格)与南方器乐(如江南丝竹的细腻、婉转的风格)在节奏、速度和装饰音使用上的显著区别。分析地形、气候与生活习惯如何内化为音乐的审美倾向。 二、 戏曲音乐对器乐的渗透与影响 探讨戏曲音乐作为中国音乐的主流形式,如何反哺和塑造了器乐演奏的技法。以京剧的“锣鼓点”对器乐节奏的规范,以及各地方戏曲(如越剧、粤剧)的板腔体对器乐旋律线条的影响为例,展示传统器乐的生命力所在。 三、 现代发展与传承的思考 在音乐全球化的背景下,本篇最后探讨了中国传统器乐所面临的挑战与机遇。介绍了当代作曲家如何将传统元素融入现代管弦乐队,或如何利用电子技术丰富传统乐器的表现力,鼓励学习者在继承传统的基础上,保持开放的创新精神。 总结: 本书通过对历史、理论、审美和实践的全面覆盖,旨在为有志于深入了解和学习中国传统器乐的读者,构建起一座坚实而富有启发性的知识桥梁。它提供的是理解中国音乐的“钥匙”,而非单一乐器的“标准教程”。掌握了这套思维框架,读者将能以更开阔的视野去欣赏和驾驭任何一种民族乐器的独特艺术。

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这本《跟我学琵琶练习曲集》简直是为我这种想从零开始摸索琵琶的初学者量身定做的!我之前对弹奏乐器一直没什么信心,总觉得手指不够灵活,对那些复杂的指法更是望而却步。拿到这本曲集后,我简直是如获至宝。它不是那种上来就给你一堆高难度曲目的“劝退”教材,而是非常细致地从最基础的姿势、运指开始讲起。比如,书里对“琶音”的讲解,不是简单地告诉你“就这样弹”,而是配上了清晰的图解,甚至连手指的力度分配和触弦角度都考虑进去了。我跟着书里的步骤一步步练习,发现原来那些看起来花哨的技巧,只要拆解开来,掌握了核心的原理,并不是那么遥不可及。尤其让我惊喜的是,它提供的练习曲目虽然简单,但旋律性很强,不像有些练习曲枯燥得像机器口令,这极大地激发了我每天坚持练习的动力。我感觉自己好像有了一个循循善诱的私人家教,每完成一个小章节的练习,都会有明显的进步感,那种“我真的学会了一个小技巧”的成就感,是任何其他学习方式都无法替代的。这对于建立学习信心,太重要了。

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我最欣赏这本书的地方,在于它对学习过程中的“反馈机制”的构建。很多教材只管教,却很少告诉你“你现在练得怎么样”。而《跟我学琵琶练习曲集》里,对每一个练习都有非常细致的“自测标准”描述。比如,某个练习要求达到“如珠落玉般清脆,且收放自如”,这种文学性的描述配合上技术要求,让我对“好声音”有了更直观的理解。我不再是漫无目的地重复弹奏,而是带着明确的目标去校准我的每一次触弦。此外,书中还穿插了一些关于“如何录音对比”或者“如何进行慢速视奏训练”的小贴士,这些都是实战经验的总结,对于自学者尤其宝贵。它教会了我如何成为自己的“第一位听众和批评家”,这种自我纠正的能力,远比老师在旁边指导一次来得更深刻、更持久。这本书真正做到了“授人以渔”,让我学会了科学的练习方法。

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说实话,我原本以为这种“练习曲集”都会比较沉闷,但《跟我学琵琶练习曲集》在内容的选择上展现了令人耳目一新的眼光。它没有完全拘泥于传统的民族乐曲范畴,而是巧妙地融入了一些听起来更现代、更具时代感的旋律片段。这对于吸引年轻一代的学习者,或者希望将琵琶融入现代音乐创作中的人来说,简直是太有吸引力了。我发现书中的一些练习曲,虽然基础指法没变,但和声的走向和节奏的律动上,带有一点点轻快的现代民谣风格,这让我感觉琵琶不再是高高在上的古董乐器,而是可以很“接地气”地表达当下情感的工具。这种创新性的练习曲目安排,极大地拓宽了我的演奏思路。它不仅仅是教你“怎么弹”,更是在启发你“可以用琵琶弹什么”,这对于保持学习的热情,以及在实践中检验技巧的适用性,起到了不可估量的作用。

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对于已经有一定基础,但想系统梳理技巧的进阶学习者来说,《跟我学琵琶练习曲集》同样展现了它独特的价值。我过去学习的曲目多是碎片化的,很多时候是老师直接给我谱子,我只管照着弹,对于乐曲背后的技术逻辑往往是一知半解。这本书的编排逻辑非常清晰,它巧妙地将不同技术难点融入到不同风格的练习中。比如,在某一章节,它集中攻克“扫弦”的均匀度和力度变化,随后紧接着的练习曲就会要求你在快速扫弦中加入“轮指”的衔接,这种递进式的设计让人在不知不觉中完成了技能的交叉训练。更不用说,书中对乐曲的“力度记号”和“速度标记”的处理非常到位,很多细节的标注,是我过去弹奏中经常忽略的,但一旦注意起来,乐曲的表现力立刻提升了一个档次。这不再是一本简单的“指法练习册”,而更像是一本“音乐表达深化指南”。它让你从“弹对音符”迈向“弹好音乐”的质变过程,我非常推荐给那些想突破瓶颈、提升演奏层次的朋友们。

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这本书的装帧和排版也值得称赞。在这个数字化时代,一本实体乐谱的物理体验至关重要。《跟我学琵琶练习曲集》的纸张厚度适中,印刷清晰,即便是长时间在灯光下练习,眼睛也不会感到疲劳。更重要的是,它的五线谱和工尺谱对照得非常合理,对于我这种既想了解传统记谱法,又习惯现代记谱习惯的人来说,阅读起来毫无障碍。有些曲谱的跨页设计处理得很巧妙,不会因为翻页而打断连贯的演奏,这一点在弹奏那些需要持续性连贯的练习时,体验极佳。此外,曲谱的整体设计风格简洁大方,没有多余的花哨装饰,把视觉焦点完全集中在了音符和指法标记上,体现了一种专业和严谨的态度。这种注重细节的制作,让人在使用过程中感到非常舒适和高效,无疑提升了学习的愉悦度。

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