Style in Piano Playin

作者:Peter Cooper

页数:0

价格:0

isbn号码:9780714535128

具体描述

Renowned for its versatility, the piano has played a major role both in musical development and in the shaping of public taste. Throughout its history it has always remained at the centre of the music scene as the composer's tool, the virtuoso's partner and the accompanist's mainstay. 'Style in Piano Playing' is a book not only about the piano, its uses and performers, but also about the music written for the piano. In it, the author shows how the great pianists of the past built their programmes, tells of how they were received and takes a critical look at the history of musical taste.

用户评价

这本书最令人耳目一新的是它对“演奏个性化”的强调，它没有试图将所有人都塑造成一个标准模子里的“完美演奏家”。恰恰相反，作者花了大量的篇幅鼓励读者去发掘和提炼自己独特的音乐声音。它挑战了许多传统音乐学院里恪守的教条，指出“风格”并非是僵硬的模板，而是演奏者与作品、与自我情感深度对话后自然生成的结果。例如，书中探讨了如何处理拉赫玛尼诺夫的宏大叙事，它建议，与其盲目追求力度上的“大”，不如深入挖掘其旋律线条中的“呼吸感”和“叙事性”。我发现自己过去在学习这些作品时，往往过于关注技术难度的克服，而忽略了音乐本身的“人性”所在。这本书像是提供了一把钥匙，打开了通往更深层次艺术表达的大门。它让我开始重新审视自己过去的一些演奏习惯，并勇敢地去尝试那些曾经因为“不符合传统”而不敢触碰的演奏处理。这种鼓励自我探索的精神，对于身处竞争激烈的音乐环境中的年轻一代，无疑是一种极大的精神鼓舞。它不仅是一本关于弹奏技巧的书，更是一本关于如何成为一个有思想、有主见的音乐家的指南。

我得说，这本书的排版和装帧简直是艺术品级别的享受，让人爱不释手。从纸张的选择到字体的大小和间距，都透露着一种对阅读体验的极致尊重。特别是那些乐谱示例，印刷得极其清晰锐利，即便是细小的力度标记和指法提示，也纤毫毕现，这对于需要对照阅读的乐谱类书籍来说至关重要。作者在论述复杂的演奏概念时，所配的图示和表格设计得极其精妙，完全避免了纯文字描述带来的晦涩感。我尤其欣赏其中关于“音区平衡”的章节，它没有给出僵硬的公式，而是用一系列非常直观的几何图形来比喻不同声部之间的关系，这种视觉化的教学方法极大地降低了理解门槛。读这本书的过程，就像是进行一次精心策划的审美之旅，阅读本身就成了一种享受。它不是那种读完就束之高阁的快餐读物，而是那种你会想在书页边缘做笔记、贴便利签的伴侣。我已经开始计划，等我再深入研读几个章节后，准备用不同颜色的笔标记出那些对我个人演奏生涯影响最大的段落。这本书的质量，完全对得起它的定价，甚至可以说，它提供的价值远远超出了其标价本身。对于追求高品质阅读体验的音乐爱好者来说，光是捧着它，就已经感受到一种被尊重的愉悦感了。

这本《Style in Piano Playing》我真的期待已久，终于拿到了，迫不及待地翻了几页，感觉作者对钢琴演奏风格的把握真是入木三分。书里对不同时期、不同流派的演奏特点分析得极其透彻，比如巴洛克时期的“装饰音的运用与力度变化”，又比如浪漫主义时期“情感的自由表达与织体处理”。我印象最深的是它探讨了“指尖触键的微小差异如何影响音色的整体质感”，这真是很多教科书会忽略的细节。作者似乎将自己多年的舞台经验毫无保留地倾注其中，文字间流淌着一种深沉的理解力，让你读起来仿佛置身于大师的课堂。它不是那种枯燥的理论堆砌，而是充满了实践指导的智慧。比如，书中提到如何通过调整呼吸来控制乐句的起承转合，这个技巧对于我这种追求更自然演奏的人来说，简直是醍醐灌顶。读完第一部分，我就立刻尝试着按照书中的建议调整了对肖邦夜曲的处理，效果立竿见影，音乐流动性强了很多，不再是那种生硬的“技术展示”。这本书的价值在于，它教会你如何“听”音乐，而不仅仅是“弹”音乐，真正让你进入到作曲家的内心世界去对话。我敢说，任何一个认真对待钢琴艺术的演奏者，都会将这本书奉为圭臬，它会成为你案头常备的工具书，时常翻阅，总会有新的领悟。

我必须指出，这本书在对“历史语境”与“演奏实践”的结合上做得非常出色，这是许多同类书籍所欠缺的。作者没有孤立地谈论技术，而是将每一个演奏技巧的演变都置于其产生的时代背景下进行考察。比如，在讨论18世纪末钢琴触键法时，它细致地介绍了古钢琴机械结构与现代钢琴的差异，并由此推导出不同时代对“清晰度”和“连贯性”的不同审美需求。这种跨学科的视野，让我的理解不再停留在“如何弹奏”的层面，而是升华到了“为什么这样弹奏”的哲学层面。我特别欣赏作者对“解释的弹性”这一概念的阐述，书中提到，即便是最严谨的乐谱分析，也必须允许演奏者在尊重原作精神的前提下，加入现代听众的审美感知。这种既尊重传统又不拘泥于传统的态度，为我的日常练习带来了极大的自由度。读完这些关于历史背景的论述，我再回头看那些久经考验的经典曲目时，仿佛看到了它们在不同历史时期被赋予的新生命。这本书彻底改变了我对“诠释”这个词的理解，它不再是简单的复述，而是一种创造性的重建。

如果要用一个词来概括这本书给我的感受，那就是“精确的启发”。它不像有些技术手册那样，提供了一堆生硬的“这样做”或“那样做”的指令，而是提供了一种分析问题的框架和思维模式。举个例子，书中关于“踏板运用”的讨论，它没有简单地给出踏板标记，而是深入分析了不同音乐织体中，踏板如何影响和声的“透明度”和“模糊度”。作者提出了一个“听觉预判”的概念，即演奏者需要在手指按下琴键的瞬间，就已经预设好踏板的释放时机，这极大地提升了我对踏板控制的自觉性。我发现，当我开始有意识地进行这种“预判”后，原本感觉模糊不清的和声进行突然变得清晰而富有色彩。这本书的语言风格是那种沉稳而富有逻辑性的，它用最朴素的词汇来阐释最复杂的艺术现象，让人感到信服。它就像一位经验极其丰富但又极富耐心的导师，在你即将感到困惑时，恰到好处地递上一盏指路明灯。这本书不仅是钢琴家案头的案头书，我认为，即便是对音乐美学或艺术史感兴趣的非演奏者，也能从中汲取到宝贵的思想养分。它的深度和广度，都超出了我对一本“演奏指南”的预期。