芭蕾舞歌剧名曲精选

出版者:蓝天出版社

作者:高彩荣 编

页数:221

出版时间:2004-1

价格:23.00元

装帧:简裝本

isbn号码:9787801584540

具体描述

世界上的舞剧主要有意大利、法国和俄罗斯三大门流派。而真正将舞剧音乐推上最高峰的作曲家是柴科夫斯基，他的代表作《天鹅湖》、《睡美人》、《胡桃夹子》三部舞剧的音乐，特别是《天鹅湖》，结束了当时俄国的音乐创作盲目崇拜外国、生搬硬套的做法，最终使世界芭蕾艺术的中心从巴黎转到了彼得堡。他的音乐，给舞剧带来了丰富的形象、戏剧性的动力和交响性的发展。他的作品，不仅是芭蕾舞剧的典范作品，也是世界乐坛上的不朽名作。

用户评价

我最近翻阅的这本《歌剧的舞台与人性：威尔第与瓦格纳的对决及后世影响》，简直是戏剧性的盛宴！这本书避开了对具体唱段的罗列，而是聚焦于歌剧这一体裁如何成为反映时代精神和人**欲的熔炉。作者将重点放在了两位巨匠——威尔第和瓦格纳——在戏剧结构和音乐语言上的根本性差异上，并以此为轴心，串联起了后来的普契尼、施特劳斯等人的探索历程。关于威尔第的部分，它对“宣叙调”与“咏叹调”的界限模糊、对群体场面调度的描绘，非常生动，让人能感受到意大利人那种直抒胸臆的激情。而对瓦格纳的“主导动机”理论的解读，则非常深入浅出，解释了如何通过不断变奏的音乐主题来构建一个宏大的神话体系，而不仅仅是为情节服务。最让我印象深刻的是，作者在讨论德彪西的《佩利亚斯与梅丽桑德》时，如何用瓦格纳的理论去分析德彪西对德语“音系”的摒弃，从而创造出一种全新的、更加流动和内省的歌唱体验。这本书的行文充满了张力，仿佛也在进行一场音乐史上的辩论，读起来酣畅淋漓，让人对歌剧艺术的复杂性和深度有了全新的认识。

《钢琴协奏曲的黄金时代：从贝多芬到拉赫玛尼诺夫的对话》这本书，说实话，是我最近淘到的黑马。我本来以为市面上关于钢琴协奏曲的评论已经够多了，但这本书的视角实在是太独特了。它没有采用传统的“按时间顺序排列”的梳理方式，而是着重于“对话”——探讨不同作曲家之间在协奏曲这一体裁上的相互影响和技法上的继承与反叛。比如，它将肖邦的钢琴风格与后来的德彪西的触键方式进行对比，分析了那种对踏板的精妙运用如何从浪漫主义的抒情性转向现代主义的雾化效果。我特别欣赏其中对于“炫技”这一概念的辩证分析。作者并没有一味地赞美炫技，而是深入探讨了李斯特式的、近乎于歌剧化展示的技巧，是如何在勃拉姆斯那里被转化为更深层次的结构支撑，而不是单纯的哗众取宠。书中对卡农和赋格等古典结构的运用在协奏曲中的回归，也有非常精彩的论述。阅读过程中，我不得不频繁地暂停去查阅乐谱，因为作者对特定段落中钢琴与乐队之间对位关系的描述，实在太精妙了，那种文字的画面感，几乎让你能“听见”那个细微的对答。对于那些已经熟悉了“四大协奏曲”的听众来说，这本书提供了一张全新的、充满思辨性的地图，引导你去重新审视那些熟悉的旋律背后的深层结构。

这部《交响诗篇：浪漫主义的辉煌乐章》简直是古典音乐爱好者的福音！我最近沉迷于李斯特那气势磅礴的管弦乐作品中，尤其是他晚期的那些充满哲思的作品。这本书的选曲角度非常新颖，它没有停留在大家耳熟能详的勃拉姆斯或柴可夫斯基的交响曲上，而是深入挖掘了如理查·施特劳斯的《查拉图斯特拉如是说》这类极具象征意义的交响诗。书中对于每一部作品的背景介绍都非常考究，不仅仅是作曲家的生平，更深入到当时的社会思潮和哲学流派对音乐创作的影响。比如，对德彪西《牧神午后前奏曲》的分析，它不再只是简单地提及印象派的色彩，而是细致地剖析了马拉美诗歌文本中那种朦胧、破碎的美感是如何通过和声的模糊和乐器的音色变化来体现的。作者的文字功力也十分了得，读起来完全不是枯燥的学术论文，而是像一位资深乐评人带着你一同走进音乐厅，为你点亮那些你可能忽略的细节。尤其是关于配器法的探讨，那种对铜管乐的运用、对弦乐组内部色彩细微变化的描述，让我对再次聆听这些曲目时充满了新的期待。它成功地让我从一个纯粹的听众，转变成了一个带有一定“知识武装”的鉴赏者。对于想要拓展古典音乐视野，尤其是对十九世纪后半叶到二十世纪初的管弦乐发展感兴趣的读者来说，这本书绝对是值得收藏的案头参考书。

这部《室内乐的私语：从海顿到勋伯格的亲密空间》的书，简直是为那些热衷于小型合奏的乐迷准备的一份精美下午茶点心。它最大的优点在于，它没有把室内乐仅仅视为“交响乐的缩小版”，而是将其视为作曲家最纯粹、最不受约束的创作形式。作者对弦乐四重奏这一形式的剖析尤为透彻，特别是对“海顿式”的对话结构与后世瓦解这种结构的尝试进行了细致的对比。阅读这本书的时候，我仿佛被邀请到了作曲家们的沙龙里，听他们用最少的乐器进行最复杂的哲学探讨。书中对莫扎特的几部晚期弦乐四重奏的解析，那种对旋律线的独立性、对声部间相互“倾听”的描述，让我深刻体会到为什么它们会被誉语为“音乐的智慧结晶”。相比于管弦乐的宏大叙事，室内乐更强调的是个体声音的独立性与相互尊重，这一点在书中得到了充分的体现。我尤其喜欢作者对“留白”和“寂静”在室内乐中作用的讨论，那不是简单的停顿，而是一种具有张力的、等待回应的“未完成的陈述”。这本书的语言风格非常沉静、内敛，与它所描述的音乐主题完美契合，读起来让人心神宁静，适合在安静的夜晚，伴随着舒缓的室内乐慢慢品读。

这本名为《键盘上的独白：巴赫赋格到肖邦夜曲的心灵历程》的书，完全颠覆了我对键盘音乐的传统认知。它巧妙地将巴赫那个时期高度理性和结构化的复调艺术，与浪漫主义时期极度个人化、充满情感色彩的抒情小品并置对比。作者并未将巴赫视为“古典”的代名词，而是深入分析了《平均律钢琴曲集》中每一首赋格背后的严密逻辑与内在的戏剧性冲突，甚至探讨了巴赫晚期作品中那种趋向于“数学美”的趋向。随后，笔锋一转，转向了肖邦的《夜曲》，这本书对肖邦的描述是极其细腻的，它不再强调波兰的民族情怀，而是侧重于那种在午夜时分，只有心跳声和键盘声相伴的孤独感与冥想。书中对比了两种截然不同的创作心态：一种是面向上帝和逻辑的精确建构，另一种则是面向自我的情感释放与即兴化处理。这种跨越了近两百年、看似毫不相关的音乐体裁，被作者用“独白”这一概念巧妙地统一起来，即无论是赋格中各声部的相互追逐，还是夜曲中单一旋律的自我沉吟，都是作曲家个体在与乐器进行最深层次的交流。对于喜欢键盘乐，特别是想理解从严谨的对位到自由的抒情是如何演变的心灵探索者，这本书提供的视角是极为宝贵和深刻的。