电影课实验在中国

出版者:高等教育出版社

作者:王珠珠编

页数:343 页

出版时间:2003年10月1日

价格:39.8

装帧:平装

isbn号码:9787040136944

具体描述

19世纪末，人类发明了电影，20世纪末21世纪初，中国大规模实验将电影引入教育。不要让学生看所有的电影，要所有学生看最好的电影。

用户评价

我花了相当长的时间来阅读这本关于电影美学与批评的书籍，它的深度和广度着实令人震撼。这本书最引人注目的特点，在于其对“时间感”在电影中如何被重构与操纵的细致探讨。作者似乎对光影的物理特性有着近乎痴迷的研究，书中对焦外成像（Bokeh）如何影响叙事深度，以及不同曝光值如何暗示角色的心理状态，进行了极其深入的哲学化阐述。我尤其欣赏其对非线性叙事结构中“记忆碎片”重组方式的分析，这部分内容让我重新审视了那些结构复杂但艺术成就极高的影片。阅读过程中，我多次停下来，回溯思考作者提出的每一个论点，很多观点颠覆了我以往对某些经典场景的理解。这本书的行文风格非常古典、严谨，仿佛一本经过精心打磨的学术专著，但其论证过程又充满了创新的洞察力，使得即便是探讨深奥的符号学议题，也显得脉络清晰、逻辑严密。它更像是一本“导演的自我修养手册”，教你如何在银幕上雕刻时间。

这是一本极其强调“场域”与“权力关系”的电影社会学解读。它没有过多纠缠于技术细节，而是将焦点完全集中在电影工业的运作机制、资本的介入如何塑造内容，以及银幕上的性别与阶级表征是如何被构建和强化的。书中对特定历史时期内审查制度对创作自由的制约分析得入木三分，尤其对某段时期内对特定题材的“隐性编码”进行了细致的文本挖掘。阅读体验是批判性的、审视性的，它强迫你跳出单纯的审美欣赏，转而思考电影作为一种大众文化产品所承载的意识形态负担。作者的文风犀利、立场鲜明，大量引用了社会学和文化研究的理论框架，使得整本书的视野非常开阔，不仅仅局限于电影本身，更是将电影置于一个宏大的社会文化背景中去审视。对于想理解电影产业背后权力运作逻辑的读者，这本书提供了极佳的理论工具。

这部电影理论的入门读物，对于刚接触电影艺术的初学者来说，无疑是一本令人耳目一新的指南。它没有陷入学院派晦涩难懂的术语泥潭，而是用一种非常贴近生活、充满启发性的语言，为读者勾勒出了电影叙事的基本骨架。我印象最深的是书中对于“视听语言的陌生化处理”那几章，作者巧妙地引用了大量经典影片的片段进行解构，比如某个特定景别如何引导观众情绪，某种剪辑节奏如何制造悬念。读起来，你会感觉自己不是在被动接受知识灌输，而是在和一位经验丰富的导演进行深入的对话。尤其赞赏的是，书中不仅停留在理论层面，还配有大量详实的案例分析，让你清楚地知道那些看似随意的镜头选择背后，蕴含着多么精密的计算。这本书的价值在于，它成功地将复杂的电影制作流程和深奥的艺术理论，转化成了一套任何人都能理解并实践的基本准则。对于想从“看电影”升级到“读懂电影”的影迷来说，这本书绝对是不可多得的桥梁。

我尝试从一个纯粹的“编剧工具箱”的角度来评价这本书，它在叙事结构和角色弧光塑造上的指导价值是无法估量的。这本书的风格非常务实，仿佛是某位好莱坞资深导师手把手教导如何避免常见的剧作陷阱。它用大量的“如果……那么……”的句式，构建了一套解决叙事困境的实用逻辑。比如，书中对于“次要冲突如何服务于主要主题”的论述，提供了非常清晰的层级划分。我特别喜欢它对“人物动机的可见性”这个概念的阐释，强调了角色的内在需求必须通过外显的行为得到有效的、可观察的展现。与其他教人套用固定公式的书籍不同，这本书的重点在于“解构公式的内在逻辑”，从而达到灵活运用的目的。它更像是一份高度提炼的工作坊笔记，充满了实战经验的智慧，能立刻在你进行剧本创作时派上用场，帮助你构建起更坚实、更有生命力的故事结构。

老实说，我原本对手册式的电影书籍并不抱太大期望，但这本书，尤其是在讨论“声音设计与空间构建”的章节，彻底改变了我的看法。它不是那种泛泛而谈的“音效很重要”的口号，而是深入到了物理声学与心理声学交汇的层面。作者对白噪音（Ambient Noise）在营造真实感和疏离感之间的微妙平衡，进行了极其精准的描述。我记得书中对比了两个不同流派的电影配乐手法，一个侧重于情绪的直接烘托，另一个则倾向于与画面保持一种疏离甚至对立的关系，这种对比分析极其透彻，让我第一次意识到，声音在引导观众“进入”还是“观察”场景中扮演了如此关键的角色。这本书的语言充满了画面感，读起来就像在听一场精心混音的电影原声带，充满了层次感和冲击力。对于那些对音画关系有更高追求的电影制作者或资深发烧友来说，这本书提供的技术和美学深度，绝对值得反复研读。