Making Music Modern

出版者:Oxford University Press, USA

作者:Carol J. Oja

页数:512

出版时间:2003-2-13

价格:USD 24.95

装帧:Paperback

isbn号码:9780195162578

具体描述

New York City witnessed a dazzling burst of creativity in the 1920s. In this pathbreaking study, Carol J. Oja explores this artistic renaissance from the perspective of composers of classical and modern music, who along with writers, painters, and jazz musicians, were at the heart of early modernism in America. She also illustrates how the aesthetic attitudes and institutional structures from the 1920s left a deep imprint on the arts over the 20th century. Aaron Copland, George Gershwin, Ruth Crawford Seeger, Virgil Thomson, William Grant Still, Edgar Varese, Henry Cowell, Leo Ornstein, Marion Bauer, George Antheil-these were the leaders of a talented new generation of American composers whose efforts made New York City the center of new music in the country. They founded composer societies--such as the International Composers' Guild, the League of Composers, the Pan American Association, and the Copland-Sessions Concerts--to promote the performance of their music, and they nimbly negotiated cultural boundaries, aiming for recognition in Western Europe as much as at home. They showed exceptional skill at marketing their work. Drawing on extensive archival material--including interviews, correspondence, popular periodicals, and little-known music manuscripts--Oja provides a new perspective on the period and a compelling collective portrait of the figures, puncturing many longstanding myths. American composers active in New York during the 1920s are explored in relation to the "Machine Age" and American Dada; the impact of spirituality on American dissonance; the crucial, behind-the-scenes role of women as patrons and promoters of modernist music; cross-currents between jazz and concert music; the critical reception of modernist music (especially in the writings of Carl Van Vechten and Paul Rosenfeld); and the international impulse behind neoclassicism. The book also examines the persistent biases of the time, particularly anti-Semitisim, gender stereotyping, and longstanding racial attitudes.

用户评价

《Making Music Modern》这本书，让我对音乐的理解产生了一次重要的“升级”。我一直以来都觉得自己对音乐有着一定的鉴赏力，但读了这本书之后，我才意识到自己之前的认知是多么的浅薄。作者并没有给出一些“标准答案”，而是引导读者去独立思考，去发现音乐背后的逻辑和情感。我尤其喜欢作者在描述某个音乐流派时，所使用的那种充满画面感和感染力的语言。他能够将那些抽象的音符和旋律，转化成读者能够直观感受到的情绪和意象。有时候，我甚至会合上书，在脑海中播放起他所描述的音乐，仿佛身临其境一般，去体会那种独特的魅力。 作者在书中对于音乐创新者的描绘也让我深受鼓舞。他并没有刻意神化这些音乐家，而是真实地展现了他们面对困难时的挣扎、对未知领域的探索以及最终取得突破时的喜悦。《Making Music Modern》让我明白了，伟大的音乐作品往往是艺术家们不断尝试、不断修正的结晶。这不仅仅是天赋，更是坚持和对艺术的热忱。读到这些故事，我不仅对音乐家们肃然起敬，也从他们身上汲取了面对自身挑战的勇气。这本书记载的不仅仅是音乐的历史，更是人类创造力的闪光。

我之前对于音乐的认知，更多的是停留在“好听”和“不好听”的层面。《Making Music Modern》这本书，彻底颠覆了我这种过于感性的看法。作者以一种非常系统和深入的方式，揭示了音乐从古典时期到现代的演变轨迹，其中包含着无数的技术革新、理论探索和文化碰撞。他不仅仅是罗列事实，而是能够将这些看似零散的元素，巧妙地编织成一条清晰的逻辑线索。我尤其喜欢他对于不同时期音乐家创作理念的分析，让我看到了音乐是如何在历史的洪流中不断自我革新、自我超越的。 更令我印象深刻的是，作者在探讨音乐理论时，并没有使用过于晦涩的语言，而是能够将复杂的概念解释得通俗易懂，并且辅以大量的音乐实例。他会详细分析某个和弦进行或旋律的走向，并解释这些技术处理是如何为音乐带来特定的情感色彩。这让我意识到，原来“好听”的音乐背后，隐藏着如此精妙的设计和深厚的功底。这本书就像是一把钥匙，为我打开了通往更深层次音乐欣赏的大门，让我能够真正理解音乐的内在美。

《Making Music Modern》这本书，让我对音乐的理解产生了一次重要的“进化”。我之前对音乐的认知，更多的是基于一种感性的体验，即“好听”或者“不好听”。然而，这本书以一种非常系统和严谨的方式，为我打开了通往音乐“后台”的大门。作者通过对音乐历史演进的梳理，清晰地展示了技术、理论和文化如何共同塑造了现代音乐的面貌。我尤其喜欢作者在探讨某个音乐流派兴起时的分析，他能够将音乐本身与当时的社会思潮、技术发展以及艺术家个人的思考巧妙地结合起来。 我特别欣赏作者在书中对于音乐理论的解读。他并没有回避复杂的音乐术语，而是能够用一种非常易于理解的方式，将其解释清楚，并且通过大量的音乐实例来印证。例如，在分析爵士乐的和声结构时，他详细地解释了转调、属七和弦以及各种变化音是如何为音乐带来独特的色彩和情感张力。这让我意识到，原来那些让我们感到“好听”的音乐，背后都蕴含着如此精妙的理论设计和大量的艺术巧思。这本书让我从一个单纯的听众，变成了一个更能理解和欣赏音乐深层内涵的鉴赏者。

《Making Music Modern》这本书，让我对音乐的认知发生了一次深刻的“重塑”。我一直以来都对音乐有着浓厚的兴趣，但总觉得自己在欣赏音乐时，缺少了一些关键的“框架”。这本书恰恰填补了我的这个空白。作者以一种非常宏大而又细致的视角，梳理了从古典时期到现代音乐的演变过程，其中充满了令人惊叹的创新和突破。我特别欣赏作者对不同音乐流派起源的深入挖掘，以及对背后技术、社会和文化因素的精彩分析。 我之前总觉得音乐的变化是自然而然的，但读了这本书，我才意识到每一个新的音乐形式，都凝聚了无数音乐家们的探索、尝试和革新。作者在书中对一些关键的音乐技术革新，比如乐器制造的进步、录音技术的出现以及电子音乐的诞生，都进行了详细的阐述，并分析了它们对音乐创作带来的深远影响。这让我更加深刻地认识到，音乐的发展是技术、艺术和时代共同作用的结果。读这本书，就像是在亲历一场波澜壮阔的音乐史诗。

关于这本书，最让我印象深刻的是作者在探讨音乐理论方面的深度。我虽然不是音乐专业出身，但一直对音乐的构成原理很感兴趣。《Making Music Modern》并没有回避复杂的音乐术语，而是用一种非常清晰且富有启发性的方式将它们解释清楚。例如，在分析某种爵士乐的和声进行时，作者会先从基础的和弦概念讲起，然后逐步引入更复杂的延音和变格，并细致地解释这些变化如何创造出独特的色彩和情感张力。更妙的是，他还会将这些理论点与具体的音乐片段相结合，有时甚至会提供一些乐谱片段，让读者能够亲手去感受这些理论是如何在实践中发挥作用的。这种“理论与实践并重”的方式，极大地增强了我的理解能力，也让我对那些原本抽象的音乐理论产生了前所未有的亲切感。 我也很喜欢作者在书中对音乐跨界融合的探讨。在现代音乐中，不同风格、不同地域的音乐元素相互碰撞、融合，产生了许多令人耳目一新的作品。《Making Music Modern》非常敏锐地捕捉到了这一趋势，并且深入分析了这种融合是如何发生的，又带来了哪些新的可能性。作者举例说明了不同文化背景的音乐家是如何通过学习和借鉴彼此的音乐传统，从而创造出独具一格的音乐语言。这不仅仅是简单的“拼贴”，而是一种深层次的对话和相互启迪，最终催生了新的音乐美学。这让我意识到，音乐的生命力很大程度上来自于它的开放性和包容性，敢于拥抱未知，才能不断向前发展。

这本书给我最大的启发，在于它揭示了音乐创新并非一蹴而就，而是一个持续不断、充满试错和迭代的过程。《Making Music Modern》并没有将音乐家的成功描绘成一种天生的禀赋，而是生动地展现了他们面对技术瓶颈、理论困境和市场挑战时的艰辛与坚持。我尤其喜欢作者对于那些“先行者”的描述，他们敢于挑战传统，勇于探索未知，即使面临着不被理解的风险，也要坚持自己的音乐理念。 作者在书中对不同时期音乐家创作思路的剖析，让我看到了音乐的生命力所在。他不仅仅是罗列作品，而是深入分析了那些音乐家是如何在时代背景下，结合自身的思考，创造出具有划时代意义的作品。例如，当他谈论到某个时期音乐家如何将民间音乐元素融入古典音乐创作时，我才真正理解了这种融合所带来的深层意义，它不仅是简单的风格叠加，更是文化的传承与创新。这本书让我对“创新”这个词有了更深刻的理解，它不仅仅是“新”，更是“有根基的革新”。

这本书给我最大的启发，在于它揭示了音乐创新并非一蹴而就，而是一个持续不断、充满试错和迭代的过程。《Making Music Modern》并没有将音乐家的成功描绘成一种天生的禀赋，而是生动地展现了他们面对技术瓶颈、理论困境和市场挑战时的艰辛与坚持。我尤其喜欢作者对于那些“先行者”的描述，他们敢于挑战传统，勇于探索未知，即使面临着不被理解的风险，也要坚持自己的音乐理念。 作者在书中对不同时期音乐家创作思路的剖析，让我看到了音乐的生命力所在。他不仅仅是罗列作品，而是深入分析了那些音乐家是如何在时代背景下，结合自身的思考，创造出具有划时代意义的作品。例如，当他谈论到某个时期音乐家如何将民间音乐元素融入古典音乐创作时，我才真正理解了这种融合所带来的深层意义，它不仅是简单的风格叠加，更是文化的传承与创新。这本书让我对“创新”这个词有了更深刻的理解，它不仅仅是“新”，更是“有根基的革新”。

《Making Music Modern》这本书，我抱持着一种近乎朝圣的心情开始阅读。我一直对音乐的演变过程充满好奇，特别是那种从古典时期到我们现在所熟知的各种现代音乐流派之间的过渡，总感觉其中蕴藏着某种我尚未触及的脉络。这本书的封面设计就给我一种非常引人入胜的感觉，它不像那些枯燥的学术著作，而是散发出一种充满活力和时代感的氛围。翻开第一页，我立刻被作者那流畅而富有洞察力的文字所吸引。他并没有选择一个宏大叙事的开端，而是从一个看似微小却极其关键的音乐技术革新入手，缓缓展开了一幅音乐现代化的壮丽画卷。 我特别欣赏作者对不同时期音乐家们创作理念的剖析。他不仅仅是简单地罗列他们的作品，而是深入挖掘了是什么样的社会背景、哲学思想，甚至是个人经历，促使这些艺术家们突破了传统的藩篱。比如，当谈到某个时期电子音乐的萌芽时，作者详细描述了当时技术发展的瓶颈以及少数富有远见的人们是如何克服这些困难，最终开辟了全新的声音领域。这种挖掘过程让我对音乐创作的艰辛和创造力的火花有了更深刻的认识。我之前总觉得音乐的进步是理所当然的，但读完这部分，我才意识到每一个新的音乐形式背后，都凝聚了无数人的心血和探索。

《Making Music Modern》这本书，让我对音乐的理解进行了一次彻底的“洗礼”。我一直以来都对音乐有着浓厚的兴趣，但总觉得自己在欣赏音乐时，缺少了一些关键的“脉络”。这本书恰恰填补了我的这个空白。作者以一种非常宏大而又细致的视角，梳理了从古典时期到现代音乐的演变过程，其中充满了令人惊叹的创新和突破。我特别欣赏作者对不同音乐流派起源的深入挖掘，以及对背后技术、社会和文化因素的精彩分析。 我之前总觉得音乐的变化是自然而然的，但读了这本书，我才意识到每一个新的音乐形式，都凝聚了无数音乐家们的探索、尝试和革新。作者在书中对一些关键的音乐技术革新，比如乐器制造的进步、录音技术的出现以及电子音乐的诞生，都进行了详细的阐述，并分析了它们对音乐创作带来的深远影响。这让我更加深刻地认识到，音乐的发展是技术、艺术和时代共同作用的结果。读这本书，就像是在亲历一场波澜壮阔的音乐史诗。

在我看来，《Making Music Modern》的价值不仅仅在于它对音乐史的梳理，更在于它对音乐未来发展趋势的深刻洞察。作者并没有停留在对过去成就的赞美，而是将目光投向了正在发生的和未来可能出现的音乐现象。他分析了数字技术对音乐创作、传播和消费模式带来的颠覆性影响，以及人工智能在音乐生成领域的潜力。我尤其对作者关于“算法作曲”的讨论感到着迷，他既看到了其中的技术挑战，也敏锐地指出了可能带来的艺术革新。这让我开始思考，未来的音乐将会是什么样子，人类在其中又扮演着什么样的角色？这本书无疑为我打开了一个全新的视角，让我对音乐的未来充满了期待。 我还非常欣赏作者对于音乐在社会文化语境中的作用的阐释。音乐从来都不是孤立存在的，它总是与当时的社会、政治、经济和文化紧密相连。《Making Music Modern》在这方面做得非常出色。作者会详细探讨某一音乐风格的兴起是如何反映了当时社会思潮的变迁，或者某种音乐技术的普及是如何改变了人们的音乐生活方式。例如，他分析了摇滚乐在青年文化中的崛起，以及它如何成为一种反叛和表达个性的象征。这种将音乐置于更广阔的社会背景下进行审视的方法，让我对音乐的理解上升到了一个全新的层面，不再仅仅是声音的组合，而是承载着丰富社会意义的文化载体。