李可染画集

出版者:浙江人民美术出版社

作者:李可染

页数:48

出版时间:1992-6-1

价格:52.00

装帧:平装(无盘)

isbn号码:9787534003325

具体描述

李可染，1907年生，江苏省徐州人。中央美术学院教授。1923年入上海美术专门学校，两年后毕业回乡任小学美术教员。1929年考取西湖国立艺术院研究生，同年参加进步美术团体“一八艺社”。1932年因“一八艺社”被国民党当局解散，被迫退学回乡，在徐州艺专任美术教员。1938年在武汉参加政治部第三厅，从事抗战宣传。1943年到重庆任国立艺术专科学校讲师。1946年任国立北平艺专副教授，同时拜齐白石、黄宾虹为师。1956年起历任中央美术学院副教授、教授。1981年任中国画研究院院长。曾当选为中国美术家协会第1、2届理事，第3、4届副主席，北京山水画研究会名誉会长、全国政协委员、中国文联委员。50年代曾在北京、上海、广州、天津、西安等地举行山水写生展，并出访德国、捷克。1986年于中国美术馆举行大型个人画展。同年德国艺术科学院授予“艺术通讯院士”称号。1989年逝世。出版有《李可染画集》、《李可染山水写生画集》等，著有《李可染画论》。

用户评价

这本画集真是令人心潮澎湃，虽然我手头没有《李可染画集》这本书，但我最近沉迷于研究近现代中国山水画的演变，特别是那些在传统基础上寻求突破的大师们。我最近在图书馆里翻阅了一本关于徐悲鸿先生水墨人物画的专著，那份对人体结构的精准把握和笔墨的苍劲有力，着实让人震撼。他的仕女画，线条流畅却不失力量感，充满了时代精神。通过阅读那本画集，我深刻体会到，真正的艺术创新不是凭空捏造，而是建立在对传统的深刻理解之上，然后注入自己独特的生活体验和时代烙印。尤其是在研究徐先生如何将西方写实主义的造型功底融入到中国传统水墨之中时，那种中西合璧的张力与和谐感，简直是教科书级别的示范。我感觉，一个优秀的画家，必须是思想家、是哲学家，他的笔触之下，承载的不仅仅是自然风光，更是他对宇宙、对人生的终极思考。这本书让我对“笔墨当随时代”有了更深的理解，那些经典作品之所以不朽，就在于它们精准地捕捉了那个时代的脉搏，并用超越时代的艺术语言将其表达出来。我强烈推荐所有对中国近现代艺术史感兴趣的同仁们去深挖这些奠基性的艺术家的作品，从中汲取无尽的力量和灵感。

最近迷上了一种非常古朴的文人画风格，那种追求“萧散简远”的意境，让人在喧嚣的都市生活中找到一处精神的栖息地。我正在读一本关于宋代山水画的理论书籍，里面详细阐述了“可游、可居、可观、可赏”的审美范畴。我特别欣赏那些以留白来营造空间感和呼吸感的作品，那种“计白当黑”的布局，看似随意，实则蕴含着极高的数学和哲学思辨。阅读过程中，我联想到当代一些画家如何从古人的笔墨韵味中提炼出属于自己的“拙趣”。例如，有些画家通过对皴法的简化和重组，使得画面既有传统山石的肌理，又透出一种现代抽象的意味。这不仅仅是技法的模仿，更是一种精神的传承与再生。我对画册中那种淡雅、近乎水墨洇散的效果尤为着迷，它要求观者必须慢下来，用更长的时间去“品”画面中的气韵和层次，而不是走马观花地“看”。这种对“慢艺术”的追求，在如今快节奏的社会中显得尤为珍贵和难得。

最近沉迷于研究中国园林艺术与绘画的相互关系，感觉这是理解中国传统美学一个绝佳的切入点。园林是可进入的画卷，而画作则是凝固的园林意境。我正在看一本关于苏州园林造园哲学的书籍，书中详细论述了如何通过叠山理水、花木配置，营造出“虽由人作，宛自天开”的境界。这种对自然模仿的极致追求，体现在绘画中，就是对光影、对季节更迭的微妙捕捉。我欣赏那些能将园林中的“借景”手法融入到山水画构图中的作品。比如，通过巧妙地设置亭台楼阁或一角飞檐，引导观者的视线进入画面深处，营造出无限延伸的空间感。这种构图技巧，不仅是视觉上的引导，更是一种心理上的邀请——邀请观者走进画家的精神世界，去体验那份宁静与超脱。这其中的精妙之处，需要静下心来，反复揣摩，才能真正领悟到古人“咫尺之内再造乾坤”的匠心。

我最近对水印木刻版画的技法产生了浓厚的兴趣，那种油墨与水份交织出的细腻层次感，是其他画种难以比拟的。我找来了一本关于日本浮世绘与中国版画的比较研究资料，从中看到了技术传播和本土化创新的过程。水印木刻的魅力在于其“刀法”与“水性”的完美结合，刀刻的力度决定了线条的骨架，而水性墨的渗透则赋予了画面温润的血肉。我特别关注那些在套色印刷中，如何通过多次叠加和控制墨层厚度，来表现出传统中国画中那种微妙的阴阳变化和空气感。那些顶尖的版画家，他们不仅是雕刻高手，更是色彩的魔术师。他们用木版这种看似粗犷的媒介，创造出极为细腻、近乎可以触摸的质感。这种将雕刻的硬朗与水性的柔美结合起来的艺术实践，让我对媒介的界限产生了新的思考，也更加敬佩那些能够在既有媒介中挖掘出全新表现力的艺术家。

说实话，我对当代艺术的某些流派感到有些困惑，但当我接触到一些以“意象”为核心的创作时，那种豁然开朗的感觉非常美妙。我前段时间在研究当代一些抽象表现主义画家如何借鉴中国书法中的“气”与“力”来构建画面结构。他们往往不拘泥于具象描摹，而是将情绪和内在的生命力直接通过大面积的色块和飞扬的笔触倾泻而出。这种创作方式，无疑是受到了西方现代主义的影响，但其内在的韵律感和对“气韵生动”的追求，却又深深植根于东方的审美传统。我特别留意到其中一位艺术家的作品集，他通过对墨色浓淡近乎偏执的控制，创造出一种亦实亦虚、变化万千的视觉效果。这让我意识到，艺术的生命力在于不断的对话和张力——与历史的对话，与当下的对话，与材料本身的对话。这种探索过程本身，比最终的定格作品更具吸引力，它揭示了艺术家在创作瞬间的挣扎与超越。