复调音乐基础教程

出版者:人民音乐出版社

作者:赵德义

页数:415

出版时间:1997-12

价格:21.50元

装帧:简裝本

isbn号码:9787103015537

丛书系列:音乐自学丛书·作曲卷

具体描述

《复调音乐基础教程》分上、下两篇。上篇——对位法，共十章。简明扼要地阐述了对位旋律的写作原则，以及各种对比式、模仿式写作手法。这里涉及单对位和复对位，涉及倒影和逆行，还涉及卡农与变形模仿等。训练的重心摆在二声部，这是复调写作入门的基础。当然三声部、四声部写作在上篇里也占有相当的分量。至于四声部以上的复调写作内容，则全部省略，因为它们已不那么常用。下篇——复调音乐体裁，共九章。重点分析各种对比式复调小曲、卡农曲、创意曲及赋格曲的结构形式和写作要领。目的是解决对位法如何在不同体裁的复调乐曲中实际运用的问题。下篇最后两章为支声复调和复调写法在主调音乐中的运用。前者是一种民间风格的多声音乐形式，创作中很常见，学习者不可忽视。后者则着重介绍主调织体中的复调因素，主、复调织体的交替、综合写法等。在上、下篇之后另有附录一篇，即习题选答。就一般情况而言，复调练习中的创作成分大大多于和声练习，虽不便作对错之分，却常有优劣之别。所谓“答案”当然不可能是“唯一正确”的，仅仅是为学习者提供参考而已。

目录信息

上篇 对位法第一章 对位旋律写作原则 第一节 音高关系 第二节 节奏关系 第三节 句幅关系 第四节 写作示范 练习一第二章 对位中旋律的类型 第一节 对位中旋律的不同形态 第二节 对位中旋律的组合形式 第三节 旋律的对比性质 第四节 写作示范 练习二第三章 二声部复对位 第一节 复对位的基本概念 第二节 八度复对位 第三节 十二度复对位 第四节 写作示范 练习三第四章 倒影与逆行 第一节 倒 影 第二节 逆行 练习四第五章 二声部模仿 第一节 模仿的基本特点 第二节 原形模仿 第三节 变形模仿 第四节 综合模仿 练习五第六章 卡 农 第一节 卡农的基本特点 第二节 卡农的写作步骤 第三节 有终卡农 第四节 无终卡农 练习六第七章 模 进 第一节 模进的基本特点 第二节 卡农模进 第三节 对比模进 第四节 复对位模进 练习七第八章 多声部对比式写作 第一节 和声基础 第二节 节奏组合 第三节 织体类型 第四节 复对位 练习八第九章 多声部模仿 第一节 原形模仿 第二节 变形模仿 第三节 二重模仿 练习九第十章 多声部综合织体写作 第一节 模仿与复对位 第二节 倒影与复对位 第三节 模仿与对位旋律 练习十 下篇复调音乐体裁第十一章 复调小曲 第一节 概 述 第二节 一段式复调小曲 第三节 多段式复调小曲 练习十一第十二章 卡农小曲 第一节 原形模仿卡农小曲 第二节 变形模仿卡农小曲 第三节 卡农与其他手法综合运用的小曲 练习十二第十三章 创意曲(一) ——巴赫的创意曲 第一节 概 述 第二节 巴赫二部创意曲范例分析 第三节 巴赫三部创意曲范例分析 练习十三第十四章 创意曲(二) ——运用民族调式写作的创意曲 第一节 小创意曲 第二节 单主题创意曲 第三节 双主题创意曲 第四节 以“序曲”作为标题的创意曲 练习十四第十五章 赋格曲(一) ——呈示部分 第一节 概述 第二节 赋格的主题 第三节 赋格的答题 第四节 赋格的对题 第五节 赋格呈示部的基本格式 第六节 对应呈示部 练习十五第十六章 赋格曲(二) ——间插段中部再现部 第一节 间插段 第二节 赋格的中部 第三节 赋格的再现部 第四节 持续音与结束句 练习十六第十七章 赋格曲(三) ——民族调式赋格曲分析 第一节 二部小赋格曲 第二节 三部赋格曲 第三节 格式特殊的赋格曲 练习十七第十八章 支声复调 第一节 支声复调的概念 第二节 支声复调的基本形态 第三节 支柱音与支柱性特征音调 第四节 和声特性与旋律线条 第五节 运用支声手法的风格要求第十九章 复调写法在主调音乐中的运用 第一节 主调织体中的复调因素 第二节 段落内部两种织体的交替写法 第三节 段落之间两种织体的交替写法 第四节 赋格段附录 习题选答后记
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用户评价

说实话，我原本对这种类型的专业书籍抱有很高的期望，但同时也做好了“啃硬骨头”的心理准备。然而，这本书的叙事方式却出乎我的意料——它非常注重历史的纵深感。作者没有急于介绍严格对位法（Species Counterpoint）的规则，反而是花了大篇幅去探讨中世纪末期及文艺复兴早期复调音乐的社会背景和宗教语境，这极大地帮助我理解了为什么早期复调会那样发展，比如奥尔加农（Organum）的逐步复杂化，与其说是技术的进步，不如说是对神圣空间声响美学的不同追求。书中对于“清晰度”和“连接性”这两个核心矛盾的探讨，简直是醍醐灌顶。我之前总觉得，要写出好的复调，似乎就要把所有声部都写得复杂才算高明，但作者通过大量的十六世纪作品实例证明，真正的精妙在于如何在保证每个声部独立歌唱性的同时，又能服务于整体的和声走向，这种平衡的艺术远比想象中微妙。虽然中间有一些对中世纪调式的讨论略显冗长，但从宏观上看，它为后续的进入严格对位打下了一个坚实的人文和听觉基础，绝对不是那种只教你如何“搭积木”的工具书，更像是一部浓缩的欧洲音乐思想史。

从一个侧重于现代音乐创作的角度来看，这本书提供了一个极其坚实且必要的“反向工程”工具箱。我原本主要研究的是后浪漫主义和二十世纪的结构主义作曲，经常在与传统对位法的脱节中感到困惑，很多非传统的织体处理，其根源依然可以追溯到复调的逻辑基础之上。这本书的后半部分，虽然主要基于古典主义时期的范式，但它对“主题的变形”和“声部层次的动态平衡”的讨论，具有极强的普适性。书中分析的莫扎特和海顿的室内乐片段，其声部处理的精妙之处，让我重新审视了现代配器法中那些看似随意的声部交错。它教会我如何通过精妙的材料管理，让有限的几个动机爆发出无限的音乐可能性，这种“少即是多”的哲学思想，是贯穿古今的。这本书不光是教你如何写复调，更重要的是，它塑造了一种对音乐材料进行深度挖掘和精细雕琢的思维模式，对于任何希望在音乐表达上追求深度的创作者来说，都是一本不可或缺的“内功心法”秘籍。

坦率地说，这本书的某些章节对于初学者来说，门槛设置得略高，尤其是在涉及到严格对位法中关于“禁例”的讲解部分，行文风格变得异常学术化和教科书化。它几乎是逐条列举了所有规则，并用极端的例子来证明为什么某些组合是不可接受的，这种严密性固然是专业性的体现，但也使得阅读过程略显枯燥，需要极大的专注力去消化那些密集的术语和条件限制。我不得不承认，我需要反复阅读好几遍，并且配合外部的音频示范，才能勉强跟上作者的思路，特别是当涉及到不同音符时值和节拍组合带来的不协和音的解决路径时，感觉自己像是在解一道复杂的数学题。不过，一旦你咬牙坚持下来，你会发现这种严格的训练是值得的。它就像是为你的音乐思维建立了一套不可逾越的逻辑框架，没有这种硬性的约束作为基石，后续的自由创作就容易流于松散和随意。这本书的价值就在于，它毫不留情地展示了“技艺”的磨砺过程，而不是一味地鼓吹“灵感至上”。

这本书的装帧质量堪称一流，纸张厚实，印刷清晰，即便是反复翻阅，也基本没有出现墨迹污染的问题，这对于需要经常在乐谱上做标记的我来说非常重要。内容上，我尤其欣赏它在讲解“模仿”技法时的细致程度。很多教材往往一笔带过，但这本书却用足了篇幅，不仅详细区分了严格模仿、自由模仿、卡农式模仿，还配上了大量精心挑选的早期范例，甚至连音程的变换（如移位、倒影）都用不同的颜色和符号清晰地标注出来，让人在视觉上就能追踪声部的运动轨迹。我特别喜欢它在每一章节末尾设置的“实践思考题”，这些问题不是简单的技术检验，而是开放性的作曲任务，比如“尝试在不引入平行五度的情况下，用两个声部建立一个三分钟的模仿段落”，这种引导性的练习，远比死记硬背规则有效得多，它迫使读者必须在实际操作中消化吸收理论。这本书对于训练耳朵和大脑的同步反应能力，有着极佳的辅助作用，能明显感觉到自己对声部间关系的处理变得更加敏感和精准了。

这本厚重的乐理教材拿到手里，首先映入眼帘的是它那沉稳的墨绿色封面，设计得非常简洁，只印着烫金的书名，透着一股严谨又古朴的气息。我之前学过一些基础的和声学，但总感觉对复调的理解停留在理论的表面，缺乏实际的构建感。这本书的排版非常清晰，即使是复杂的对位线条，图示和文字的结合也让人一目了然，这对于我这种需要通过视觉辅助来理解抽象概念的人来说，简直是福音。特别是第一章对“织体”概念的阐述，作者没有直接抛出枯燥的定义，而是从音乐的“层次感”和“运动感”入手，用非常生动的比喻描绘了不同声部如何在时间轴上交织缠绕，这让我第一次真正体会到复调音乐的生命力所在，远不止是音高的简单叠加。书中对巴赫早期作品的分析片段非常到位，没有过度沉溺于华丽的技巧展示，而是细致入微地剖析了动机的发展和模似进行的逻辑，感觉就像是拿到了一把瑞士军刀，能精确地解剖任何一首复调作品的内在骨架。我已经迫不及待想深入研究后面的卡农和赋格部分了，希望它能彻底打通我对于声部独立性与统一性之间辩证关系的理解瓶颈。

复调对位法看得我晕~不过在配器中相当有用。

棒棒哒

额。。。。。

棒棒哒

棒棒哒