中国画起步学习教程 高级下

出版者:陕西人民美术出版社

作者:曹宏岗

页数:40

出版时间:2005-1-1

价格:9.8

装帧:平装(无盘)

isbn号码:9787536818194

用户评价

我是一个从小就对水墨画情有独钟的人，但真正拿起画笔，却是在工作之余。期间也断断续续地看过不少绘画教程，但总觉得差了点什么，要么过于浅薄，要么过于学院派，让我这种自学的人难以消化。这本书，可以说是我近几年来遇到的，最贴合我需求的一本“高级”教程。它最大的特点，就是能够将复杂的绘画理念，以一种非常易于理解和接受的方式呈现出来。比如，在讲解“勾勒”时，它并没有停留在教你如何画出不同粗细、不同形态的线条，而是通过分析不同时期、不同流派的画家如何运用线条来塑造物象的“骨骼”和“筋络”。它会让我们看到，线条的刚柔并济，是如何体现物体的生命力；线条的疾徐有致，又是如何传递画家的情绪。这一点对我帮助特别大，我之前画人物，总觉得线条有点“死”，缺乏神韵，通过学习这本书，我才意识到，原来线条本身就可以“说话”，就可以“歌唱”。它让我学会去体会线条的“速度”和“力度”，学会用线条去“雕刻”形体，去“渲染”氛围。另外，书中关于“渲染”的讲解，也让我茅开茅塞。我之前对渲染的理解，大多停留在“上色”层面，认为只要颜色涂抹均匀，画面就会好看。而这本书，它将渲染提升到了“意境”的高度，它会引导我们去体会，色彩是如何与笔墨相结合，如何相互衬托，如何共同营造出画面的“诗意”和“禅意”。它会让我们思考，当画家想要表现朦胧的山色时，他会如何运用淡墨和晕染？当他想要表现花卉的娇嫩欲 চাহিদা时，他又会如何运用色彩的叠加和渗透？它让我明白，渲染不仅仅是技巧，更是一种对物象内在“神韵”的捕捉和表达。这本书，让我的水墨画学习，进入了一个新的境界，不再是简单的技巧堆砌，而是走向了更加深入的“意”的探索。

说实话，当我拿到这本《中国画起步学习教程 高级下》时，内心是带着一丝忐忑的。毕竟“起步学习”这个标签，总让我觉得它会过于基础，而“高级下”又暗示着它有着一定的深度。但翻开后，我立刻被打消了疑虑。这本书，完全颠覆了我对“教程”的刻板印象。它没有停留在简单的技法罗列，而是将技巧的学习，巧妙地融入了对中国画精神内核的探讨。我尤其欣赏它在讲解“设色”的那一部分。我之前一直觉得，国画的设色，总有一种“恰到好处”的微妙感，但却很难掌握。这本书，它并没有给出固定的调色公式，而是引导我们去体会“色彩的情感属性”，去理解不同颜色组合所能营造的氛围和意境。它会让我们思考，当画家想要表现秋天的萧瑟时，他会如何运用冷色调？当他想要表现春天的生机时，他又会如何调和暖色？它通过分析历代大家的作品，让我们看到，色彩不仅仅是画面的装饰，更是画家情感和思想的载体。这一点对我来说是巨大的启发，我之前画的画，色彩总是显得有些“平”，缺乏“味道”，而通过学习这本书，我开始学会用色彩去“诉说”情感，去“描绘”意境。书中对“意念”的强调，也让我受益匪浅。它让我明白，中国画不仅仅是技巧的展现，更是画家内心世界的表达。它会引导我们去思考，当我们描绘一棵松树时，我们不仅仅是在画它的形态，更是在画它“坚韧不屈”的精神；当我们描绘一朵梅花时，我们不仅仅是在画它的花瓣，更是在画它“傲雪凌霜”的风骨。它让我明白，真正的国画，是“意”在“形”先。这本书，让我的绘画，从单纯的技巧训练，升华到了对中国传统文化和哲学思想的感悟，进入了一个全新的境界。

不得不说，这本书的“高级下”名副其实，它给予我的，远超出了我最初的期待。我一直认为，中国画的学习，最难的不是技巧，而是那种“意境”的把握和“神韵”的传达。很多教程，都止步于技法的讲解，而这本书，却恰恰在这些最关键、最难掌握的部分，给了我很多启发。我特别欣赏它在讲解“山水画”时的思路。它并没有简单地介绍各种山石的画法，而是从“意境”入手，引导我们去体会中国山水画“可行、可望、可游、可居”的哲学内涵。它会让我们思考，当我们面对一幅山水画时，我们应该感受到什么？是空间的深远？是气韵的流动？还是画家寄寓其中的情怀？它通过分析历代山水画大师的作品，让我们看到，他们是如何将自然之美与人文精神相结合，是如何用笔墨去“写”山川的灵魂，而不是简单地“画”山川的形貌。这一点让我大为受益，我之前画山水，总觉得画面有些“死气沉沉”，缺乏生命力，而通过这本书，我开始学会去感受山水的“气韵”，去体会它的“呼吸”，然后用自己的笔墨去“回应”它。书中对“花鸟画”的讲解，也同样精彩。它并没有像很多教程那样，把花鸟画拆分成各种具体的物象，然后一一讲解画法。而是从“神韵”出发，引导我们去体会花鸟的“动态”和“生命力”。比如，在讲到画鸟时，它会引导我们去观察鸟的“神情”，去体会它的“姿态”，然后用简练的笔墨去捕捉它的“神韵”。它会让我们思考，一只正在鸣唱的小鸟，它的身体是如何舒展的？它的羽毛又是如何随着歌唱而微微颤动的？它让我们明白，真正的花鸟画，是画家对生命的热爱和对自然的赞美。这本书，让我真正理解了中国画的“意境”和“神韵”，让我的绘画，从“形似”走向了“神似”，达到了一个新的高度。

这本书，说实话，我拿到的时候，心里是挺忐忑的。毕竟“起步学习教程”这个名字，听起来就像是给完全零基础的朋友准备的，但我自己已经在家摸索了几年，也算是有些基础了。所以，我当时最关心的就是，这本书会不会太过于基础，让我觉得浪费时间；又或者，它会不会在我已经掌握的那些基本功上，给我带来一些新鲜的、有深度的东西。翻开之后，第一个感觉是惊喜。它并没有因为是“教程”就堆砌大量我早已烂熟于心的笔墨技法讲解，而是非常巧妙地将基础知识融化在对作品的分析和创作思路的引导中。比如说，在讲解勾线时，它并没有枯燥地列举各种线条的粗细变化，而是通过分析几幅不同风格的经典作品，让我们理解“线的表情”是如何塑造形体和意境的。这一点对我启发很大，我之前画的人物，总觉得线条有些生硬，通过对这些优秀作品线条的细致揣摩，我才意识到原来线条的起承转合、顿挫转折，竟然能传递出如此丰富的情感和韵律。而且，它在讲解用墨的部分，也很有自己的独到之处。不是简单地教你“浓淡干湿”，而是结合了不同墨色的“性格”特点，比如枯墨的苍劲、浓墨的厚重、淡墨的空灵，然后教会我们如何根据描绘的对象和想要表达的意境，去选择和运用不同的墨色，让画面更有层次感和生命力。我记得有一章讲到“积墨法”，它并没有直接给出几个步骤，而是通过分析几个山水画大师的作品，让我们看到积墨是如何一层层叠加出山石的体积感和历史的沧桑感，那种厚重的质感，是任何其他技法都无法替代的。这本书还有一个让我特别欣赏的地方，就是它非常注重“读画”和“写意”。它不只是教你“怎么画”，更重要的是教你“为什么这么画”。通过引导我们去理解古代画家们的创作思路，去感受他们是如何从自然中提炼意象，再融入自己的情感和学识，最终形成具有个人风格的作品。这种“意”的培养，我觉得是比单纯的技巧更重要的东西。它让我明白，中国画不仅仅是简单的描摹，更是一种心灵的表达，一种对生命和自然的感悟。这本书在这一点上做得非常出色，它像一位循循善诱的老师，引导我一步步地去体会中国画的灵魂。

我一直觉得自己对中国画的热爱，更偏向于一种“感性”的理解，总觉得它有一种说不清道不明的东方韵味，但却很难用语言来描述，更不用说在技法上有所突破。这本书，就好像一把钥匙，为我打开了那扇通往“理性”认识中国画的大门。它的“高级下”定位，并非是拒人于千里之外的门槛，而是对有一定基础的爱好者，进行系统性、深层次的提升。我尤其欣赏它在讲解“人物画”时，所呈现出的严谨而又富有灵性的逻辑。它并没有仅仅停留在五官、服饰的描绘上，而是从“神态”入手，引导我们去体会人物的“内心世界”。它会让我们思考，一个人物的表情，是如何由眉眼、口鼻的细微之处传递出来的？一个人物的姿态，又是如何展现其性格和情绪的？它通过分析不同朝代、不同地域的人物画，让我们看到，人物画是如何随着时代的发展而演变的，又是如何承载着不同的文化和审美取向。这一点对我帮助很大，我之前画人物，总觉得人物的面部表情不够生动，缺乏灵魂，而通过学习这本书，我开始学会去观察人物的“眼神”，去捕捉他们“那一瞬间”的情绪，然后用笔墨去“刻画”他们的内心。书中对“书法”与“绘画”关系的阐述，也让我醍醐灌顶。我一直认为，书法是中国画的根基，但却很少真正去理解其中的联系。这本书，它用非常清晰的逻辑，将书法的用笔、用墨、用结构，与绘画的线条、皴法、构图联系起来，让我们看到，为什么好的中国画，往往都具有书法的“功力”和“韵味”。它会让我们反思，当我们用笔画线时，是否也应该遵循书法的笔势？当我们用墨渲染时，是否也能体会书法的“墨韵”？它让我明白，书法不仅仅是绘画的辅助，更是绘画的“灵魂”所在。这本书，让我的绘画，不再是孤立的技法堆砌，而是与中国传统文化，有了更深的连接。

我一直觉得，很多关于中国画的学习书籍，都有一个通病，就是过于强调“术”而忽略了“道”。换句话说，它们会告诉你“怎么做”，但很少去解释“为什么这么做”。而这本书，在这一点上，做得非常出色，它让我这个已经摸索了几年，但总觉得进步缓慢的爱好者，看到了新的方向。我最喜欢的一点是，它在讲解“笔墨”的时候，并没有停留在枯燥的笔触训练上，而是通过分析大量的经典作品，让我们领略不同时代、不同大家在笔墨运用上的精妙之处。比如，它会引导我们去体会，齐白石老人那简练而又富有力量的用笔，是如何塑造出虾的生命力的；又或者是，黄宾虹先生那厚重而又富有韵味的墨色，是如何营造出山峦的层次感和深远感的。通过这些具体的作品分析，我才真正理解了“笔墨”不仅仅是绘画的工具，更是画家情感和思想的载体。它让我明白，每一笔，每一墨，都应该是有“生命”的，都应该是有“故事”的。这本书还非常注重“写意”精神的培养。它并没有刻意去教导我们如何去“模仿”某个大家，而是鼓励我们从自然中去观察，去感受，去提炼，然后用自己的笔墨去表达。它会引导我们思考，当我们看到一棵松树时，我们应该抓住它的哪些特征？是它遒劲的枝干，还是它苍劲的墨色？我们又应该如何用笔墨去表现它的“坚韧”和“不屈”？这种引导，让我开始从被动的学习者，转变为主动的思考者。它让我明白，真正的中国画，是画家内心世界的反映，是画家对生命和自然的感悟。我记得书中有一章，讲到“意境”的营造，它并没有给出死板的公式，而是通过分析几幅宋代山水画，让我们体会那种“可游可居”的超然意境。它引导我们去感受画面中的留白，去体会那份虚实相生，去理解那种“言有尽而意无穷”的东方美学。这本书，让我对中国画的理解，上升了一个新的维度。

我一直觉得，中国画的学习，就像是在一片浩瀚的星空中探索，而这本书，无疑是我在这片星空中遇到的，一颗指引方向的北极星。它“高级下”的定位，让我这种已经摸索了几年，但总觉得自己像无头苍蝇一样的爱好者，找到了一个清晰的学习路径。最让我印象深刻的，是它在讲解“写意精神”时，所展现出的那种深刻的洞察力。它并没有空泛地强调“写意”，而是通过大量的实践案例，让我们看到，“写意”是如何体现在笔墨的挥洒之中，如何体现在构图的取舍之中，又如何体现在色彩的运用之中。它会引导我们去体会，为什么一幅写意画，能够寥寥几笔，就勾勒出事物的神韵？为什么一幅写意画，能够虚实相生，营造出无限的意境？它通过分析历代写意画大家的作品，让我们看到，写意不仅仅是一种绘画风格，更是一种哲学思想，一种对生命和自然的深刻感悟。这一点对我启发特别大，我之前画画，总觉得画面不够“味”，不够“灵动”，而通过学习这本书，我开始学会去捕捉物象的“神韵”，去追求一种“以少胜多”的意境。书中关于“题材选择”和“立意构思”的讲解，也让我受益匪浅。它并没有限制我们在某个特定的题材上，而是鼓励我们从生活中去发现美，去挖掘题材。它会引导我们思考，当我们选择了某个题材后，我们应该如何去“立意”？我们想要通过这幅画，表达什么样的情感？我们想要传递什么样的信息？它让我明白，绘画不仅仅是技巧的展示，更是思想的表达。它让我开始关注画面的“内涵”，而不是仅仅停留在“外形”。这本书，让我的绘画，不再是简单的描摹，而是充满了“思想”和“情感”，达到了一种新的升华。

作为一名对中国画怀有深厚兴趣，但又常常在学习过程中感到瓶颈的爱好者，我一直渴望找到一本能够真正“点拨”我的书籍。而这本书，恰恰就满足了我的这个需求。它并非那种浅尝辄止的入门读物，也非那种堆砌理论的学术专著，而是一本真正能够引导读者深入理解中国画精髓的“高阶”教程。我特别欣赏它在讲解“构图”时所提出的独到见解。我之前对构图的理解，常常局限于“黄金分割”或者“视觉平衡”之类的西式理论，总觉得在国画中应用起来有些生搬硬套。而这本书，它巧妙地将中国画的构图原则与传统美学理念相结合，比如“计白当黑”、“虚实相生”等，让我从全新的角度理解了构图的奥秘。它会引导我们去体会，为什么在国画中，留白并非是“空白”，而是具有生命力的“空间”；为什么“虚”与“实”的对比，能够营造出画面的深远意境。它通过分析大量经典作品，让我们看到，大师们是如何在看似简洁的画面中，蕴含着无限的诗意和哲理。这一点对我启发很大，我之前画的画，总感觉有些“满”，缺乏呼吸感，通过学习这本书，我开始学会大胆地运用留白，学会用虚实对比来营造空间的纵深感。此外，书中在讲解“笔墨趣味”的时候，也让我受益匪浅。它没有简单地介绍各种笔法，而是引导我们去体会不同笔触所带来的“质感”和“韵味”。比如，枯笔的苍劲，湿笔的润泽，飞白的洒脱，以及各种线条的顿挫转折，是如何共同构成一幅画的生命力的。它会让我们反思，当我们用笔时，是否只是在“画”一个形象，还是在“写”一种情绪，在“抒”一种情怀。这本书，让我重新审视了“笔墨”的意义，让我明白，笔墨不仅仅是绘画的技法，更是画家内在精神的表达。它让我开始追求一种“意在笔先”的境界，一种“笔随心动”的灵动。

我是一个在传统国画学习的道路上，曾经感到迷茫和困惑的爱好者。看过了不少书，学过一些基础技法，但总觉得离真正的大师作品，隔着一层难以逾越的鸿沟。这本书，恰恰填补了我学习过程中的空白，它“高级下”的定位，让它能够深入地剖析那些让我们望而却步的艺术奥秘。我特别喜欢它在讲解“笔墨的韵味”时，所展现出的那种细腻和深刻。它并没有枯燥地介绍笔墨的种类，而是引导我们去体会不同笔触的“情感”和“力量”。比如，它会让我们去感受，为什么枯笔能表现出山石的苍劲？为什么湿笔能呈现出水墨的淋漓？它甚至会让我们去体会，笔触的“起承转合”，是如何如同音乐的旋律一般，富有节奏感和生命力。这一点对我来说是颠覆性的，我之前只是简单地认为笔墨是一种工具，而这本书让我明白，笔墨本身就蕴含着丰富的“情感”和“精神”。它让我的笔触，不再是机械的运动，而是充满了“生命”的律动。此外，书中关于“意境的营造”的讲解，也让我茅塞顿开。它没有给出死板的理论，而是通过分析那些意境深远的经典作品，引导我们去体会“虚实相生”、“气韵生动”的中国美学。它会让我们思考，为什么画面中的留白，能够产生如此广阔的想象空间？为什么画家寥寥几笔，就能营造出“可游可居”的意境？它让我明白，意境的营造，不仅仅是构图的安排，更是画家对自然和生命的感悟，是画家内心世界的投射。这本书，让我真正领略到了中国画的魅力，让我开始追求一种“笔简意繁”的艺术境界。

对于我这样一个在国画领域摸爬滚打了几年的“老油条”，这本书的出现，着实给了我一丝意料之外的惊喜，甚至可以说是久旱逢甘霖。很多时候，我们画画的人，容易陷入一个误区，就是埋头苦练技巧，但却忽略了更深层次的东西——那些能让画作“活”起来的灵魂。这本书，恰恰就在这一点上，做得非常到位。我尤其喜欢它在讲解“皴法”的那一部分。我之前对皴法的理解，大多停留在各种技法名称的堆砌上，比如披麻皴、斧劈皴、雨点皴等等，知道它们分别对应着怎样的山石纹理，但总觉得少了点什么，总觉得它们只是孤立的符号。而这本书，它并没有仅仅停留在技法的罗列，而是通过大量的经典作品进行剖析，让我们看到，每一种皴法背后，都蕴含着画家对山石质感的深刻理解和对自然精神的捕捉。它会引导我们去体会，为什么同样是画山石，不同画家会选择不同的皴法？这种选择背后的逻辑是什么？是对山石形态的侧重，还是对空间关系的考量？它甚至会引导我们去思考，当面对一处真实的山景时，我们应该如何运用皴法去表现它的“肌理”和“骨骼”，而不是简单地“复制”书本上的图例。这种从“技”到“道”的升华，对我来说是受益匪浅的。还有，书中在讲到“设色”的时候，也让我眼前一亮。我之前对设色的理解，常常局限于“和谐”和“好看”，但这本书却提出了“色为意服务”的观点，让我开始反思，色彩在画面中到底扮演着怎样的角色？它不仅仅是为了让画面看起来更漂亮，更重要的是要承载画家想要表达的情感和意境。比如，当画家想要表现山林的苍茫感时，他会如何运用冷色调？当他想要表现春天勃勃生机的景象时，他又会如何调和色彩？它通过分析不同时代、不同流派的画家如何运用色彩，让我们看到色彩的丰富性和可能性，也让我们学会如何用色彩去“说话”，去烘托画面的整体氛围。这本书，不愧是“高级下”，它不仅仅是技能的传授，更是一种思维的启迪，一种艺术观念的重塑。