字体设计

字体设计 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

出版者:上海人民美术出版社
作者:倪伟
出品人:
页数:113
译者:
出版时间:2005-3
价格:33.00元
装帧:
isbn号码:9787532241163
丛书系列:
图书标签:
  • 设计
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具体描述

《字体设计》第二版问世了,我马上想起了20世纪90年代中期,我为中国艺术设计专业的基础教育奔走时窘迫的情况,自己不禁感叹,不过才10余年,我国的变化太大了,我一定要为此套教材讲几句话。

上海人民美术出版社的这套中国高等院校艺术设计专业系列教材,2001年问世以来,风风火火地走过了三年多的历程。虽然时间不长,但形成两个特点:一是策划有方,编纂有序,该教材朋无到有,坚持发展,到现在已经发展到10个品种,涵盖了艺术设计各个门类,并且继续积极开拓新的门类和学业科;二是在同类教材中,该教材始终保持严谨扎实的学术风格,广大学子们深得其益,所以该教材从小到大三年来不断加印,最多的一个品种印次已达8次,也就是说,三年来的春秋两季都要为学生加印一次,数据说明,该套教材已经成为学校师生专业学习的固定教材。在教材出版竞争激烈的今天,能够形成这样的发展格局,是我们始料不及的,也是让我们高兴的。

印刷术的演进:从手抄本到数字时代的排版艺术 本书深入探讨了人类信息记录和传播媒介的物质基础——书写载体与工具的演变历程,聚焦于字体形态在不同历史阶段所承载的文化、技术与审美价值。我们关注的并非特定书目的内容本身,而是支撑其存在的物理形态和设计哲学。 第一部分:古代书写媒介与字体起源的物质基础 本部分追溯了文字诞生之初,人们如何选择材料、如何塑造符号的物理边界。 第一章:泥板、莎草与刻痕的约束 美索不达米亚的楔形文字: 探讨泥板的塑性如何决定了楔形笔划的粗细变化和角度,以及书吏手中芦苇笔的截面形状对手写体的结构影响。分析早期符号的几何化趋势与泥板干燥过程对墨迹固定的挑战。 古埃及的圣书体与纸草书写实践: 考察纸草纤维的纹理对手写笔触的“吃墨”效果,以及笔尖在柔性材料上产生的拖尾和羽化现象。分析圣书体象形符号在特定载体上的简化与规范化路径,例如从纪念性铭文到日常文书草写体的分化。 中南美洲的树皮纸与手绘符号: 比较中美洲文明如何利用特定树皮纸的表面特性来适应其色彩丰富的线性或块状符号系统,以及这种媒介如何限制了符号的密度和排布方式。 第二章:羊皮纸时代的精细化与装饰性 罗马安色尔体与半安色尔体的结构力学: 详细分析羊皮纸(Parchment)的平滑、耐用特性对书写工具(鹅毛笔)性能的解放。研究安色尔体(Uncial)圆润笔画的形成机制,这种笔画如何最大化地利用墨水在光滑表面上的均匀扩散。 中世纪抄本的模块化设计: 探讨在修道院环境中,抄写员如何发展出高度标准化的字母高度、字腔(Counter)大小以及行距的严格比例。分析装饰性首字母(Illuminated Initial)的引入对整体版面视觉重心的影响,以及如何平衡艺术性与信息的可读性。 哥特体(Blackletter)的垂直压缩: 聚焦于高密度羊皮纸抄写的需求。分析哥特体中笔画的急剧垂直化、笔画之间的连接和收缩,如何是特定书写工具和有限版面空间相互作用的产物。考察其在不同地域(如法国的Textura与德国的Fraktur)的局部变异。 第二部分:印刷术革命与活字技术的结构决定性 本部分转向机械化生产对字体设计思维的彻底颠覆。 第三章:木刻与泥活字——早期模型的局限与突破 中国雕版印刷的线性逻辑: 研究雕版印刷中文字的“一体化”结构,如何使得笔画的粗细一致性和边缘的硬朗成为技术要求。分析这一时期字体设计对宋代书法(宋体雏形)的借鉴,以及字体结构中横细竖粗的初步倾向。 毕昇的泥活字与材料的化学反应: 探讨泥活字的烧制与使用过程对笔画边缘的粗糙影响,以及这种粗糙感如何被后来的雕刻技师视为一种需要克服的“缺陷”或可接受的“质感”。 亚洲活字排版的排布挑战: 分析在数千个字符的语境下,活字模型的制作精度、字体的标准化高度(如“字模”的统一规格)对排版效率的根本性影响。 第四章:古登堡的金属革命与拉丁字母的几何重建 黑体(Textura)到古体(Antiqua)的转型: 详细剖析古登堡为了模仿最精美的哥特体手稿,其金属活字铸造过程对字体细节的影响。分析早期拉丁字母在铸造过程中,笔画末端和衬线(Serif)的出现与金属冷却的物理特性之间的关系。 哥特体向罗马体(Roman Type)的过渡: 探讨文艺复兴时期对古典美学的回归,如何促使排版设计师主动放弃垂直压缩,转而追求更开放、更具几何比例的拉丁字母结构。分析意大利工坊如何标准化“大写字母”(Majuscule)和“小写字母”(Minuscule)的比例关系。 斜体(Italics)作为排版效率工具的诞生: 考察斜体并非单纯的手写变体,而是作为一种紧凑、高密度的排版手段,在尺寸和宽度上与正文体进行差异化设计的过程。 第三部分:工业化、机械化与现代字体工程的兴起 随着工业时代的到来,字体设计从工匠技艺转变为工程学科。 第五章:衬线体(Serif)的机械化打磨与视觉科学 “Didone”风格的极致对比: 深入分析18世纪末至19世纪初,如Bodoni和Didot系列字体中,极细的横笔画和粗壮的垂直笔画的出现,这既是对印刷机精度提升的展示,也是对视觉冲击力的追求。探讨这种极端对比对纸张质量和油墨性能提出的新要求。 无衬线体的结构简化与功能导向: 考察工业革命后,广告和招牌对清晰度和即时识别性的需求如何催生了无衬线体(Sans-serif)。分析早期无衬线体(如Grotesque系列)在去除传统装饰元素后,对字母结构几何化(如圆形、方形)的依赖。 活字排版的标准化与字号系统: 讨论工业化时期,如何建立精确的铅字铸造标准、字模的对齐系统,以及“磅”(Point)作为国际通用字号测量单位的确立,这标志着字体设计正式脱离手写经验的感性范畴。 第六章:20世纪的理性主义、功能主义与字体民族化 包豪斯(Bauhaus)与纯粹几何: 分析“功能服从于形式”的现代主义思潮如何影响字体设计,特别是对几何无衬线体的推崇。探讨如Futura等字体如何通过基础几何图形(圆、方、三角)来构建字母表,追求普适性和无国界感。 瑞士风格与格栅系统(Grid System): 探讨功能主义如何将字体视为信息传达的精确工具。分析Helvetica等中性字体在排版设计中的应用,以及如何通过严格的网格系统来控制字符间距、字重和版面节奏,以达到最高的信息密度和客观性。 非拉丁语系在机械化中的适应: 探讨如西里尔字母、希腊字母以及汉字系统在面对金属活字标准化时所经历的独特工程挑战,例如汉字活字在尺寸、字号和不同笔画密度下的重量平衡问题。 第四部分:数字时代的字体重塑与交互体验 本部分关注计算机技术对字体形态的解构与重建,以及字体在非纸质媒介上的新角色。 第七章:像素矩阵与矢量化的解放 点阵屏幕的早期限制: 回溯早期计算机显示器中,字体是如何被限制在固定的像素网格内,以及低分辨率对笔画末端、曲线过渡的粗糙影响。探讨“点阵字体”如何通过视觉补偿(如倾斜像素)来模拟连续性。 贝塞尔曲线与字体的数学精确性: 解释矢量图形技术(如PostScript)如何使字体设计从物理铸造的束缚中解放出来,允许设计师定义无限精细的曲线和复杂的轮廓。分析这如何使得历史字体的复刻和微调成为可能。 OpenType与高级排版功能: 探讨数字字体标准如何允许字体文件内嵌复杂的替换规则(如连笔、字距调整、上下文替代),使数字排版能够模拟甚至超越传统手写体的流畅性和丰富性。 第八章:屏幕界面与动态字体的适应性 可读性在不同分辨率与屏幕技术中的再定义: 比较LCD、OLED等不同显示技术对字体渲染(特别是次像素渲染技术)的影响,以及设计师如何针对这些技术优化笔画对比度和清晰度。 响应式字体与视窗无关性: 分析现代Web和移动界面设计中,字体如何需要在极小的移动屏幕到超高清桌面显示器之间保持一致的视觉体验。探讨可变字体(Variable Fonts)技术如何通过单个文件承载字重、宽度、倾斜度等多个轴线的连续变化,实现真正的“按需设计”。 非书面用途的字体演化: 考察动态标识(Motion Graphics)、用户界面(UI/UX)设计中,字体如何从静态的“信息容器”转变为具有交互性和动画属性的“界面元素”,以及这种需求对字体结构(如极简、清晰、高对比度)带来的新压力。 总结:形态背后的技术哲学 本书最终试图揭示,任何一种字体形态的诞生,无不源于其时代物质技术的物理约束与人类对信息效率、审美表达的哲学追求之间复杂的相互作用。从泥板的塑性到硅芯片的编码,字体始终是技术与文化交汇的活化石。

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读后感

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用户评价

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我对书籍的评价通常比较苛刻,因为市面上充斥着大量内容空泛、靠着热门标签堆砌起来的“伪专业”读物。但这本书让我耳目一新。它的核心价值在于其对“定制化”字体开发的详尽拆解。它不仅仅停留在字体的使用层面,更是深入到字体的创造过程——从骨骼结构的设计草图,到矢量化过程中的节点控制,再到不同字重(weight)的系统化生成。书中对OpenType特性(如连字、花体字替换)的解释达到了专业软件开发层的深度,这对于想要开发自己品牌专属字体的企业设计师来说,无疑是份无价之宝。它详尽地分析了字符集扩展的必要性,以及如何确保在不同语言环境中字体的一致性和兼容性。我特别欣赏它对“系统性”的强调,即一个字体家族的创建,必须是一个严谨的工程,而不是随意的艺术创作。这本书的厚度与其内容的密度是成正比的,它要求读者带着一定的基础知识去阅读,但回报也绝对是巨大的,它能将一个会“用”字体的设计师,提升为一个懂得“构建”字体的工程师。

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天呐,这本书简直是为我这种刚踏入平面设计领域的新手量身定做的!我原本对字体这种看似简单实则蕴含着无数门道的艺术形式感到既敬畏又迷茫,但读完《字体设计》后,那种豁然开朗的感觉真是太棒了。它没有堆砌那些晦涩难懂的理论术语,而是用一种极其平易近人的方式,将字体设计的核心理念层层剥开。比如,书中对“可读性”与“美观性”之间微妙平衡的探讨,让我深刻理解了为什么有些设计看起来很炫酷却让人阅读起来倍感吃力。作者显然是位经验丰富的设计师,他通过大量的案例分析,清晰地展示了衬线体、无衬线体、手写体各自的“性格”和最适合的应用场景。特别是关于字距(kerning)和行距(leading)的章节,我以前总觉得那是细节中的细节,不值一提,但现在才明白,这些微小的调整对整体视觉冲击力有着决定性的影响。这本书就像一位耐心十足的导师,手把手地教我如何像个真正的设计师那样去“看”待每一个字母的形态和组合,而不是仅仅把它们当成信息传递的符号。读完之后,我立刻拿起手边的排版稿件重新审视,发现自己过去犯了多少“低级错误”,那种自我提升的成就感是无法用言语来形容的。对于任何想让自己的设计作品在视觉传达上更上一层楼的朋友,这本书绝对是案头必备的宝典。

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我是一个资深的排版工程师,主要负责大型出版物的版式校对和优化,说实话,我对市面上那些浅尝辄止的“设计入门”书籍已经感到审美疲劳了。然而,这本书在深入探讨字体结构与历史演变时所展现出的专业深度,完全超出了我的预期。它没有停留在介绍“什么是黑体宋体”,而是花了大量篇幅去解析不同历史时期字体风格的社会背景和技术限制是如何塑造了今天的字体形态。书中对欧洲文艺复兴时期活字印刷技术对字体美学的影响,以及后来的数字技术如何重新定义了字体的可塑性,这些宏大的叙事脉络梳理得井井有条。尤其让我印象深刻的是关于字体情绪与文化认同的研究部分,它指出在跨文化交流中,某些字体设计元素可能会触发完全不同的心理反应,这对于我们处理国际化项目至关重要。这本书的图示和配图选择非常精妙,每一个图例都像是经过精心挑选的博物馆藏品,用最简洁的方式阐释了最复杂的概念。它不像一本教你如何操作软件的书,更像是一部关于视觉语言哲学的专著,它激发了我对字体背后深层逻辑的思考,让我不再满足于表面的美化,而是追求更深层次的文化共鸣。

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说实话,我是一个内容创作者,我的工作主要是撰写网络小说和运营社交媒体账号,我买这本书原本是抱着试试看的心态,想看看能不能让我的标题和配图更吸引眼球。没想到,这本书居然为我打开了一个全新的视角——如何通过“声音”来设计“形状”。它详细描述了不同字体笔画的粗细、转折的圆润度如何影响读者对文字所传达情绪的感知。比如,用粗犷有力的字体来描述冲突,用纤细柔和的字体来烘托浪漫,这种“听觉”与“视觉”的对应关系,我以前从未如此系统地思考过。书中还提供了一些非常实用的技巧,比如如何根据屏幕尺寸和阅读环境(如强光户外、昏暗卧室)来动态调整字体组合的对比度与密度。这对我运营自媒体尤其有用,因为我的内容需要在各种陌生的设备上保持高效的信息传递。这本书的语言风格非常活泼,读起来完全没有压力,它更像是一位经验丰富的同行在分享他的“独门秘笈”,充满了启发性和实操性,而不是一本冷冰冰的教科书。读完之后,我发现自己对手机界面上的每一个按钮文字都开始带着一种挑剔的眼光去审视,这绝对是一种生产力的提升。

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如果用一个词来概括我的阅读体验,那就是“治愈”。我过去总是在设计项目中被各种字体侵权问题和兼容性陷阱所困扰,导致我对使用任何“非标”字体都心怀芥蒂。然而,这本书用极其清晰的逻辑,为我梳理了字体授权(Licensing)的复杂世界。它详细对比了不同类型的字体使用协议(如桌面版、网页版、应用嵌入版)之间的核心区别和法律边界,这部分内容简直是为我这样的自由职业者量身定制的“避雷指南”。更妙的是,它还提供了一套实用的“字体维护与优化”流程,教你如何清理冗余的字体数据、如何高效地管理本地和云端的字体库,保证设计流程的顺畅和高效。书中关于字体文件结构的技术剖析,虽然略显硬核,但却极大地增强了我对所用工具的掌控感。这本书真正做到了理论与实操的完美结合,它不仅仅是在教你如何让你的设计更美,更是在教你如何在一个规范和可持续的商业环境中,专业且安全地进行字体设计工作。读完后,我感觉对设计行业规则的理解又深了一层,那种“心中有数”的安全感是花钱买不来的。

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有空的时候自己画画玩玩还是蛮有劲的

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一般吧。跳不出那个框架。

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