韩美林人体画

出版者:安徽美术出版社

作者:韩美林

页数:116

出版时间:2000-1

价格:28.00元

isbn号码:9787539807867

具体描述

韩美林，1936年出生于山东省济南市。1960年毕业于中央工艺美术学院。现为中国美术家协会理事。1980年，于美国纽约波士顿等21个城市举办个人画展，在美国期间曾接受圣地亚哥市颁发荣誉市民金钥匙，纽约曼哈顿还宣布1980年10月1日为韩美林日。在美国期间还应邀为哈佛大学劳伦斯艺术学院讲学。

他在1983年有六幅作品入选联合国发行之圣诞卡，而1989年至今，已在世界二十多个国家举办个人画展。去年美国前任总统布什特地接见了韩美林先生并将美国总统专用的唯一的总统佩带的领带夹，增予韩大师，并在上面签了名。世界各国的领袖、首相都有他的画作。

韩美林大师的绘画和雕塑作品，以动物和人物为主，既是继承提炼了中华民族的文化传统艺术，又吸收了西方艺术的精髓，能把写实、夸张、抽象、写意、工笔、印象等诸多手法的东方、西方艺术巧妙的溶为一体，可以说他的作品已达到高、远、深、新的境界，加上他作品的心条美，而给人们享受到一种永恒的美。

用户评价

这本《光影之外的东方：现代主义在亚洲的转型叙事》读起来就像是在进行一场穿越时空的对话，它探讨的视角非常独特和新颖。它没有拘泥于单一国家的艺术发展，而是将视野放到了更广阔的亚洲背景下，审视了不同文化区域在面对全球化艺术冲击时，各自做出的“本土化”反应。我尤其欣赏作者在比较研究上花费的心思，比如将日本“西洋画”的早期发展与东南亚地区受殖民影响下的艺术形态进行对比，这让我意识到艺术的“现代化”绝不是一个统一的模板，而是充满了地方性的妥协、抵抗与再创造。书中关于“媒介考古学”的论述更是让我大开眼界，作者深入挖掘了早期摄影术、石版印刷等新技术如何不仅改变了艺术家的创作工具，更重塑了公众的视觉习惯和艺术的传播机制。行文风格上，它不像传统艺术史那样严肃刻板，反而带有一种批判性的思辨色彩，常常提出一些挑战既有定论的问题，激发读者深入思考。对于那些对全球艺术史、文化身份重塑以及媒介技术影响感兴趣的读者来说，这本书绝对是拓宽思路的绝佳选择，阅读过程充满智力上的挑战和乐趣，绝非轻松的消遣读物。

《丹青遗韵：中国近现代艺术的流变与思潮》这本书简直是一部关于中国近现代艺术发展脉络的百科全书！我之前对那个时期艺术家的思想转变和他们如何应对西方艺术浪潮一直感到困惑，这本书真是拨开了层层迷雾。作者从晚清的变革时期开始写起，详细梳理了写实主义、印象派以及后来的现代主义思潮是如何悄然渗透并与本土传统进行碰撞、融合的过程。尤其让我印象深刻的是，书中对几位重量级艺术家的个案分析，比如他们如何平衡对西方技巧的吸收与保持民族艺术的“精气神”，那种挣扎与探索被描绘得淋漓尽致。书中大量的图版印刷质量极高，色彩还原度很棒，很多我只在博物馆图录中见过的珍品，在这里都能看到高清的细节，便于我们这些业余爱好者去揣摩笔触和构图的精妙。不仅仅是学院派的叙事，作者还穿插了当时艺术家的书信和日记片段，让这些历史人物变得鲜活起来，不再是教科书上刻板的符号。读完后，我感觉自己对理解“中国性”在艺术语境中的不断自我定义，有了一个更深刻、更立体的认知框架。这本书无疑是研究那个时代艺术史绕不开的里程碑式的著作，信息量巨大但叙事流畅，非常值得反复品味。

我很少读到像《雕塑的沉默语言：从古希腊到二十世纪的体量与空间关系研究》这样，能将一种常被低估的艺术形式写得如此引人入胜的书。作者的功力在于，他成功地将那些冰冷、坚硬的石材和金属，赋予了复杂的内在生命和对话能力。这本书没有过多纠缠于雕塑家的生平八卦，而是完全专注于“体量”、“重量感”以及雕塑与周围“空间”的相互作用。对我来说，最大的收获是对“负空间”（Negative Space）的理解被彻底颠覆了。作者论证了，雕塑的意义往往存在于它所界定的空气之中，而非仅存在于实体本身。书中对立体主义雕塑的分析尤为精辟，探讨了毕加索和布朗库西如何从古典的纪念碑性中解放出来，转向探讨碎片化、流线型甚至虚无感。行文结构上，作者采用了一种非常清晰的“对比与发展”的模式，比如将米开朗基罗的“挣脱”与亨利·摩尔的“有机形态”进行对照，从而勾勒出一条关于人类形体表达的演变长河。这本书读起来非常沉静，像是在与那些巨石进行无声的对视，让人在厚重的历史感中体会到艺术的永恒魅力。

我刚翻完《素描的哲学：从文艺复兴到后结构主义的线条探索》，老实说，这本书的内容深度和广度都超出了我的预期。它不是一本教人如何画素描的技法书，而是将素描这一基础形式提升到了哲学和认知科学的高度来探讨。作者从早期解剖学图谱中的精确线条，一直追溯到后现代艺术中对“线”的解构和戏仿，这条脉络梳理得极其清晰有力。最精彩的部分在于，作者探讨了素描作为一种“思考的方式”——即草图、试验、未完成性——如何内在地反映了艺术家的决策过程和认知障碍。书中引用了大量关于视觉感知和认知心理学的研究来佐证自己的观点，使得论证逻辑非常严密。我特别喜欢它对不同文化中“线条”意义的探讨，比如东方书法线条的生命力和西方精确的透视线条之间的内在张力。阅读这本书需要一定的耐心，因为它充满了理论性的探讨和对经典作品的细致入微的“线段分析”，但一旦进入状态，你会发现对所有平面艺术的理解都会被提升到一个新的维度。它迫使你重新审视那些被视为理所当然的视觉基础，堪称艺术理论界的精品。

《色彩的密码：文艺复兴至印象派的光谱变迁史》这本书带给我的是一场纯粹的视觉盛宴，尽管它是文字构成的，但读起来仿佛真的能闻到颜料的味道，看到光线在画布上颤抖。这本书的叙事核心聚焦于“色彩”这一要素，它如何从宗教象征的载体，一步步演变为纯粹的光学现象和情感表达的工具。作者对颜料化学和光线物理学的知识掌握得非常扎实，解释了诸如“克罗马提克”（Chromatique）理论在不同时期如何被艺术家们误用或革命性地运用。我为书中对威尼斯画派和佛兰德斯画派在色彩处理上的细致对比感到惊叹，前者对空气感和氛围的捕捉，后者对物质质感的强调，都通过对特定颜料的运用得到了完美体现。更进一步，作者将色彩的演变置于社会和技术背景下，比如工业革命带来的合成染料的出现如何彻底改变了印象派调色板的构成，这种跨学科的视角极具启发性。这本书的语言华美而不失精准，适合所有对绘画的物质性和视觉科学感兴趣的读者。它让我明白，每一次色彩的革新，背后都是一场关于我们如何“看世界”的深刻革命。

此书到手，终成合璧!

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