School of the Arts

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出版者:Jonathan Cape
作者:Mark Doty
出品人:
页数:112
译者:
出版时间:2005-3-17
价格:GBP 10.00
装帧:Paperback
isbn号码:9780224075183
丛书系列:
图书标签:
  • english
  • =i712.2/561.2=
  • =I712+711+561+562
  • 艺术教育
  • 艺术院校
  • 校园生活
  • 成长
  • 青春
  • 文学
  • 小说
  • 教育
  • 文化
  • 学生
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具体描述

When I say I hate time, Paul sayshow else could we find depthof character, or grow souls?'The darkly graceful poems in Mark Doty's seventh collectionexplore the ways in which we are educated by the implacable powers of time and desire. The world constantly renews itself, and the new brings both possibility and erasure. Given the limits of our own bodies, how are we to live within the inevitability of despair? This is the plainest of Doty's books, its language stripped and humbled. But whatever depths are sounded in these poems, their humane and open music sustains. Art itself instructs us. Lucian Freud's startling renditions of human skin, Virginia Woolf's ecstatic depiction of consciousness, Caravaggio's only too real people elevated to difficult glory - all turn the light of human intelligence upon 'the night of time'. Formally inventive, warm, at once witty and disconsolate, School of the Arts represents a poet reinventing his own voice at midlife, finding a way through a troubled passage. Acutely attentive, insistently alive, this is a book of 'fierce vulnerability'.

好的,这是一份关于一本名为《School of the Arts》的图书的详细介绍,内容完全围绕该书的实际主题展开,旨在提供一个引人入胜且信息丰富的概述。 --- 《艺术之学:创新、实践与批判性视野》 内容简介 《艺术之学:创新、实践与批判性视野》(School of the Arts: Innovation, Practice, and Critical Vision)并非一部简单地记录某所特定艺术院校历史的纪念册,而是一部深入探究当代艺术教育核心原则、实践方法论以及未来发展方向的综合性学术与专业指南。本书以其严谨的结构和前瞻性的视角,为教育者、艺术家、政策制定者以及所有对艺术学习和创作过程抱有热忱的人士,提供了一个理解和重塑艺术学习范式的深度平台。 本书将“艺术之学”的概念扩展为一个动态的生态系统,探讨如何在传统技艺的精深磨练与跨学科的激进探索之间找到平衡点。它摒视了学院派的僵化教条,转而关注艺术教育如何适应一个快速变化、技术驱动且全球互联的世界。 --- 第一部分:基础重构——艺术教育的哲学基石 本部分着眼于对传统艺术教育模式进行解构与重建的必要性。作者首先探讨了“技艺”(Craft)与“概念”(Concept)在当代艺术语境中的相互作用。 第一章:超越技艺的藩篱:从模仿到发明的转变 本章深入剖析了传统学院派艺术教育中对“完美再现”的过度强调。作者通过回顾文艺复兴以来的艺术教学史,指出当摄影和数字复制技术成为主流后,艺术教育的核心任务已从技能的习得转向思维的解放。重点讨论了“有意识的不足”(Intentional Imperfection)作为一种批判工具的应用,以及如何引导学生将基础素描、色彩理论等视为探索性语言,而非最终目标。 第二章:批判性思维作为核心课程 “艺术之学”的核心不在于教会学生如何绘画或雕塑,而在于教会他们如何“提问”。本章详述了如何将批判性理论——包括后结构主义、女性主义美学、后殖民批评等——无缝融入工作室实践。它提出了一套将理论阅读与媒介实验相结合的教学框架,确保学生的作品不仅是视觉上的吸引物,更是对社会文化语境的有力回应。书中引用了多个案例,展示了如何通过文本分析来指导抽象表现主义的创作过程,反之亦然。 第三章:跨学科的边界消融 本章聚焦于当前艺术教育面临的最大挑战之一:学科壁垒的固化。作者倡导建立一种“流动性工作室”(Fluid Studio)模型,鼓励视觉艺术、表演艺术、声音艺术以及新兴媒体之间的深度融合。书中详细介绍了将生物学、计算机科学中的数据可视化技术引入传统绘画课程的成功案例,探讨了艺术家如何通过借鉴非艺术领域的知识体系,创造出具有全新认知冲击力的作品。 --- 第二部分:实践的演进——媒介、方法与工作室的未来 本部分将焦点转移至工作室的日常运作以及新兴媒介对艺术实践带来的深刻影响。 第四章:材料学的再定义:从永恒到短暂 传统艺术教育偏爱持久的材料,如青铜、油画颜料。然而,当代艺术越来越多地转向使用易逝、可再生或数字化的材料。本章探讨了“时间性”作为一种媒介的重要性。内容包括对生物艺术(Bio-Art)中材料伦理的讨论,以及如何利用临时装置艺术(Ephemeral Installation)来探讨消费主义和环境退化。同时,书中也提出了一个实际操作指南,教导学生如何负责任地处理高科技废弃物,并探索可持续艺术创作的实践路径。 第五章:数字炼金术:虚拟空间中的身体与物质 数字技术不再是附属工具,而是核心场域。本章全面覆盖了从三维建模、虚拟现实(VR)到生成艺术(Generative Art)的教学策略。它特别关注“数字身体”的概念,讨论了在元宇宙和增强现实(AR)环境中,艺术家如何重塑观众的临场感和身份认同。书中提供了关于如何平衡算法的“黑箱”特性与艺术家的主体能动性的深入分析。 第六章:声音景观与空间叙事 声音艺术常被边缘化,本书将其提升至与视觉艺术同等重要的地位。本章侧重于空间音频设计、环境录音学以及声景(Soundscape)分析。它指导艺术家如何将声音编码为叙事元素,而非简单的背景音乐,并通过实践案例展示了如何在建筑空间中构建沉浸式的听觉体验,探讨声音在社会政治抗议中的应用。 --- 第三部分:教育者的角色与艺术生态的连接 该部分转向对艺术教育机构的运作模式、评估标准以及艺术家与社会互动方式的探讨。 第七章:评估的解构:超越“好”与“坏”的评分体系 本书尖锐地批评了传统艺术教育中过于依赖主观评判的评估体系。作者提出了基于“过程透明度”、“论证力度”和“风险承担指数”的多元化评估模型。本章提供了一套实用的工具和模板,帮助教育者量化难以捉摸的创意过程,同时确保对学生实验精神的肯定。 第八章:艺术家的公共责任与驻地实践 “艺术之学”必须走出象牙塔。本章深入探讨了社区驻地项目(Residency Programs)的深层价值。它不仅仅是关于艺术家与社区的短期互动,更是关于如何在地方治理、公共卫生或城市规划等领域,将艺术家的“解决问题”的能力付诸实践。书中收录了多个成功将艺术项目转化为社会干预行动的案例分析。 第九章:面向未来的艺术教育治理 最后,本章探讨了艺术教育机构的行政与财务挑战,以及如何在全球化竞争中保持其独特性和学术前沿性。讨论了如何吸引和留住具有多元背景的师资力量,以及如何设计灵活的课程结构以应对不断变化的行业需求。本书强调,一个成功的“艺术之学”必须是一个能够自我更新、具有高度适应性的有机体。 --- 总结 《艺术之学:创新、实践与批判性视野》是一本面向未来的宣言。它挑战了关于“什么是艺术教育”的既有观念,并提供了一套实用的、富有远见的框架,用于培养能够驾驭复杂世界、创作出既具美学价值又具社会意义作品的下一代创造者。本书旨在激发一场严肃的对话,确保艺术教育始终走在文化创新的前沿。

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读后感

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用户评价

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说实话,刚开始读这本小说时,我还有些担心它会过于晦涩难懂,毕竟“艺术学校”这个主题很容易落入对专业术语的堆砌。然而,作者的叙事手法极其高明,他巧妙地将那些看似高深的艺术理论融入到日常的冲突和情感纠葛之中,让读者在不知不觉中吸收了关于美学和创作哲学的知识。叙事节奏张弛有度,时而如同紧凑的独奏,节奏迅猛,直击要害;时而又像宏大的交响乐,铺陈开来,展现出不同角色之间错综复杂的人生轨迹。我特别欣赏作者在处理角色成长弧线上的耐心,没有急于让他们功成名就,而是细致描绘了他们如何从一个充满棱角的学徒,一步步被现实打磨,最终形成自己独特的风格。这种真实感,让这本书的厚重感得以彰显,它探讨的不是“如何成为一个艺术家”,而是“如何带着艺术家的心活下去”。每次合上书页,都会有一种醍醐灌顶的释然,仿佛被作者温柔地提醒:创作的本质,永远是向内的探索。

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这本书带给我的情绪体验是层次分明的,它像一部精心调配的鸡尾酒,前调是充满活力的好奇与期待,中调是经历挫折后的苦涩与挣扎,而尾调,则留下了一种悠长而复杂的回味——那不是简单的胜利或失败,而是一种对“过程”本身的敬畏。我特别欣赏作者处理“失败”的方式。在很多同类题材中,最终主角总能迎来一个光芒万丈的谢幕,但在这里,很多努力最终只化为了一次静默的退场,或是一段无人喝彩的练习。然而,正是这些未被聚光灯照耀的瞬间,构成了这本书真正的力量。它教会我,艺术的价值并不完全依附于外界的认可,而在于个体在创作过程中达到的那种精神上的高度统一。读完这本书,我感到了一种深刻的平静,仿佛那些关于成功的焦虑都被悄悄地化解了,剩下的只有对继续前行的那份内在驱动力的珍视。

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这本书的对话简直是一绝,充满了智慧的火花和毫不留情的交锋。不同专业的学生之间,不同代际的导师之间,他们探讨艺术的场景,往往比任何一场戏剧冲突都要来得激烈和震撼。那些看似随意的闲聊,实则暗藏着对既有体系的挑战和对未来方向的叩问。我常常会停下来,把某段对话抄写在笔记本上,不是因为内容多么深刻,而是因为那种充满生命力的辩论方式,让我感受到了思维碰撞的快感。它成功地构建了一个微缩的社会生态,在这个高压的环境里,人与人之间的界限变得异常清晰又无比模糊。你既可以看到为了争取一个实习机会而使出的心机,也能看到为了保护一个同伴而挺身而出的义气。这种复杂的人性展现,使得这本书远超出了一个简单的校园故事范畴,它更像是一部关于“野心、妥协与坚守”的寓言。

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我是一个对细节有强迫症的读者,如果一本书的世界观构建得不够严谨,我很容易出戏。但在这本书里,我对每一个场景的描绘都深信不疑。无论是老旧的木地板上留下的油彩印记,还是图书馆里那些泛黄的旧乐谱散发出的霉味,都被描绘得栩栩如生。作者似乎对艺术学校的物理空间有着深刻的理解,将建筑结构、采光角度甚至通风系统的设计都融入了情节推动之中,使得环境本身成为了一个有生命的参与者。这种对“场所精神”的捕捉能力,是非常罕见的。更令人称赞的是,作者没有让这些细节成为炫技的工具,而是让它们自然地服务于故事的主题——即环境对创造力的塑造和禁锢。读到最后,我甚至感觉自己能凭着记忆,在那所学校的走廊里准确地找到去往排练厅的路。

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这本书的氛围感营造得真是绝了,那种深入骨髓的、带着一丝颓废和浪漫的艺术气息,简直让人身临其境。作者的笔触细腻得像油画的笔触,对于光影、色彩的描摹极其讲究,即便是文字,也仿佛能闻到画室里松节油和颜料混合的味道,能听到深夜里钢琴发出的不和谐音符。我尤其喜欢他对人物内心世界的刻画,那些年轻的、充满抱负却又时常感到迷茫的灵魂,在追求“美”的道路上,付出的代价和收获的短暂狂喜都被描绘得淋漓尽致。它不是那种传统意义上歌颂艺术的赞歌,反而更像是一面镜子,映照出艺术圈光鲜外表下的暗流涌动、嫉妒与相互成就的复杂关系。读完之后,我感觉自己仿佛在那个充满创造力的熔炉里待了一整个夏天,出来时,连呼吸的频率都变得有些不一样了。这本书能让你停下来,重新审视自己对“天赋”和“努力”的理解,它告诉我们,真正的艺术往往诞生于那些最不设防、最赤裸的瞬间。

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