Drawn from Nature

出版者:Yale University Press

作者:Richard H. Axsom

页数:124

出版时间:2005-4-25

价格:USD 40.00

装帧:Hardcover

isbn号码:9780300103212

具体描述

An American artist of worldwide renown, Ellsworth Kelly has consistently returned to nature as a subject throughout his extraordinary career. Kelly began making prints in 1964; shortly thereafter he created his first suite of plant lithographs. To date he has produced 72 plant lithographs that fall into five major series: Suite of Plant Lithographs (1964-66); Leaves (1973-74); Twelve Leaves (1978); Series of Plant and Flower Lithographs (1983-85); Oak Leaves (1992); and several individual works. This comprehensive book serves as a beautiful portfolio of the plant lithographs accompanied by informative texts on all of these works as well as an insightful discussion of how they relate to the ink and pencil plant drawings that the artist has produced concurrently with the lithographs throughout his career. Exhibition schedule: Grand Rapids Art Museum, 4 March to 15 May 2005, Hood Museum of Art, Dartmouth College, 12 June to 14 August 2005, Tate St. Ives, 27 January to 7 May 2006, The AXA Gallery, New York, 7 June to 14 August 2006, Centro Andaluz de Arte Contemporaneo, Seville, 21 September 2006 to 14 January 2007. Other venues to be announced.

用户评价

我必须承认，当我拿到这本书的时候，我原本的期待值是比较低的，毕竟市面上充斥着太多以“自然”为名义，实则粗制滥造的速写集。然而，这本书彻底颠覆了我的固有认知。它的结构组织非常巧妙，并非按照季节或者地理位置的简单罗列，而更像是一部关于“存在”的哲学文本。每一组相邻的画面之间，都存在着一种微妙的、近乎隐喻性的关联。比如，一组描绘沙漠中顽强生长的仙人掌的作品之后，紧接着可能是一组关于深海珊瑚礁的特写，它们在各自极端的环境中展现出的生命力，形成了强烈的张力和呼应。这种编排方式，迫使读者不断地跳出单一的视觉体验，去思考生命力的普遍性与多样性。更令人称奇的是，作者在处理不同媒介时的游刃有余。有些部分看起来像是用炭笔完成的，带着强烈的线条感和结构性；而另一些画面则更像是水彩或墨韵的结合，轻盈、流动、转瞬即逝。这种技巧上的多样性，让整本书读起来毫无冗余感，每一次翻页都是一次全新的发现，如同跟随一位技艺高超的向导，探索着自然界中未被言说的密码。这本书的价值，已经超越了艺术品本身，它更像是一本关于如何“看待”世界的指南。

我是一个对“地域特色”非常敏感的读者，通常情况下，这类作品容易陷入对某个特定区域的过度渲染，导致作品缺乏普适性。然而，这本书的视野非常宏大且谦逊。它没有固守于某一片熟悉的山川湖海，而是展现了一种跨越地理界限的、更加本质的自然规律。我注意到，书中对“纹理”的处理有着令人惊叹的一致性，无论是干裂的河床泥土，还是风化岩石的粗粝表面，亦或是植物纤维的柔韧感，这些不同的材质在作者笔下都共享着一种内在的、源自时间雕琢的肌理。这种对“共性”的挖掘，使得这本书的感染力更加深远。它不再局限于“这是哪里”的美景，而是指向了“生命是如何构建自身”的奥秘。我特别喜欢其中几幅关于微观世界的作品，它们似乎是把显微镜下的景象用宏大的叙事手法展现出来，让我们重新审视那些我们习以为常却从未真正看清的微小生命体。这种视角上的转换，充满了智慧和洞察力，让人在惊叹于自然界复杂性的同时，也对自身的渺小和连接感有了更深的体会。这绝对是一本值得反复品读，每次都能读出新意的作品。

这本书的封面设计简直就是一幅视觉盛宴，那种细腻的笔触和对光影近乎偏执的捕捉，立刻就能把你从日常的喧嚣中抽离出来。我记得我翻开第一页的时候，那种扑面而来的自然气息，仿佛能闻到清晨森林里潮湿的泥土味和青草的芬芳。作者在对细节的刻画上达到了令人发指的程度，即便是最不起眼的一片叶子，其脉络、枯黄的边缘，甚至是上面停着的小昆虫的绒毛，都栩栩如生地呈现在眼前。这绝不仅仅是简单的写实，更像是一种对话，作者似乎在用画笔与自然进行着一场深沉的、充满敬意的交流。我特别欣赏它处理“空白”的方式，那些恰到好处留白，反而让主体物有了更广阔的呼吸空间，引导读者的目光在画面中游走，去感受那种宁静而又磅礴的力量。这本书的装帧质量也无可挑剔，纸张的触感温润厚实，油墨的印制清晰锐利，每一次翻动都像是在进行一次庄重的仪式。它不仅仅是一本画册，更像是一个时间胶囊，封存了某个特定时刻，某个特定光线下，大自然最真实、最动人心魄的面貌。对于任何热爱观察生活、追求极致美感的人来说，这本书都是一次不容错过的感官之旅。我甚至花了很久时间只是盯着其中一幅关于溪流的作品，试图解析出那流水动态的轨迹和水面反射天空的微妙层次变化，那种心境上的沉淀感，是很多快餐式的艺术作品无法给予的。

这本书的哲学底蕴是其最令人着迷的方面，它远超出了传统风光画的范畴。它不是在歌颂自然的美丽，而更像是在探问自然的目的性。画作中的元素，比如一棵被雷击中断的古树，或者被水流冲刷得光滑的卵石，它们都在讲述一个关于“承受”与“再生”的故事。作者似乎在用画面告诉我们，破坏与新生是自然界中永恒交织的两种力量，美感并非只存在于完美和谐之中，残缺和创伤同样具有深刻的美学价值。我特别留意到，在许多作品中，都存在着一种清晰的“界限感”——光与影的交锋，水面与陆地的边缘，天空与地平线的分割。这些界限的处理，既是物理上的分离，又暗示着一种更深层次的、不可分割的联系。阅读这本书的过程，对我个人的情绪调节起到了极大的帮助。它提供了一种冷静、客观却又充满力量的视角来审视生活中的挑战。它教导我们，面对不可抗拒的力量时，接受变化、适应环境，本身就是一种极致的生命艺术。这本画册，是献给那些寻求心灵慰藉和深层理解的灵魂的一份珍贵礼物，它用最纯粹的视觉语言，完成了对存在本身的礼赞。

这本书的真正魔力在于它对“声音”的描摹。是的，你没有看错，是描摹声音。虽然它是一本视觉作品集，但作者通过对细节的极端放大和对环境氛围的精准捕捉，让你几乎能“听见”画面中的一切。例如，那幅描绘暴风雨来临前寂静的田野的画作，那种空气中弥漫的湿热和远方雷声的低沉轰鸣，简直是通过笔触直接传递到了我的耳膜里。又比如，另一幅描绘秋日落叶的小径，你能清晰地感觉到脚踩在枯叶上发出的那种清脆的“沙沙”声，那种声音带着一丝萧瑟，却又无比治愈。这种强大的移情能力，来自于作者对自然界中“瞬间性”的执着记录。他捕捉的不是永恒不变的景观，而是变化中的状态——光线的快速移动、气流的微妙流动、生物短暂的停留。因此，阅读这本书的过程，更像是一场沉浸式的多感官剧场体验。它挑战了我们对静态图像的传统理解，让我们意识到，最伟大的艺术往往存在于那些稍纵即逝的“此时此刻”。对于那些总抱怨生活节奏太快、无法静心欣赏周遭美好的都市人来说，这本书提供了一个绝佳的、强制性的暂停键。