谱学导论

作者:范康年 编

页数:329

出版时间:2001-1

价格:31.20元

isbn号码:9787040097399

具体描述

《谱学导论》是教育部“高等教育面向21世纪内容和课程体系改革计划”的研究成果，是面向21世纪课程教材和教育部理科化学“九五”规划教材。《谱学导论》作者将原分散在物理化学、有机化学、无机化学和分析化学中关于谱学的有关内容，按功能横向设置的思路，融基本原理、实验方法、仪器概况和解谱方法于一体编写而成的。全书共有正文7章和附录及插图光盘。一、分子光谱基础；二、红外和拉曼光谱；三、紫外一可见吸收光谱；四、磁共振谱；五、质谱法；六、x射线衍射与荧光光谱；七、电子能谱。

《谱学导论》可作为化学专业本科生的基础课教材，也可供相关专业的人员参考。

用户评价

我之前一直认为，音乐创作是一种天生的天赋，非科班出身的人很难触及核心。《谱学导论》这本书的出现，彻底打破了我的固有观念。作者以极其友好的姿态，将那些看似高深莫测的谱学知识，分解成一个个易于理解的单元。我最欣赏的是书中关于节奏变化的讨论，作者并没有简单罗列各种切分音或附点音符，而是深入浅出地解释了它们如何能够为音乐注入生命力和动感，甚至还探讨了不同文化背景下对节奏处理的差异。书中还对旋律的构成原则进行了详尽的阐述，作者通过分析大量成功的旋律范例，总结出了旋律的起伏、走向以及乐句之间的逻辑关系，让我明白，优美的旋律并非无迹可寻，而是遵循着一定的规律。我特别喜欢书中关于“动机”的讲解，作者将其比作音乐的“基因”，是构成复杂音乐作品的最小单元。通过对不同动机的变奏和发展，可以衍生出丰富多彩的音乐素材。这让我意识到，即使是一个简单的音乐想法，经过巧妙的谱学处理，也能焕发出强大的生命力。这本书极大地激发了我对音乐创作的兴趣，我开始尝试运用书中的知识来构思自己的旋律，并欣喜地发现，我的作品在经过谱学“优化”后，变得更加流畅和有吸引力。这本书不仅是一本教材，更像是一位启蒙者，引领我走向了音乐创作的殿堂。

我是一名对古典音乐充满热情但音乐基础薄弱的听众，平日里喜欢在音乐厅欣赏各种演出。但每次听到那些复杂精妙的乐句和和声时，内心总会涌现出一股渴望理解其背后原理的冲动。《谱学导论》这本书，无疑满足了我这份长久以来的求知欲。这本书的优点在于，它非常注重理论与实践的结合。作者在解释乐理概念的同时，总会引用大量经典的音乐片段作为例证，这使得抽象的乐理知识变得生动具体。我尤其喜欢书中对不同时代音乐风格的谱学分析，比如对文艺复兴时期音乐的清澈与和谐的描绘，以及对巴洛克时期音乐的繁复与辉煌的剖析，都让我对不同时期的音乐特征有了更清晰的认识。书中关于曲式结构的讲解也十分精彩，作者通过对奏鸣曲式、回旋曲式等几种常见曲式的详细拆解，让我能够更好地理解音乐的宏观组织方式。我第一次能够通过阅读乐谱，大致推断出一段音乐的结构和情感发展脉络，这种“听懂”音乐的感觉，比单纯的欣赏更为深刻。此外，书中还涉及了许多关于配器和声乐写作的基础知识，虽然我可能不会亲自去进行创作，但了解这些原理，能够让我更欣赏作曲家在音色和旋律上的匠心独运。这本书为我这个“纯粹的听众”提供了一个全新的视角来体验音乐，它让我从“听”的层面，迈入了“理解”的层面，这种体验是前所未有的。

我一直认为，音乐创作中最具挑战性的部分之一就是“发展”，如何将一个简单的音乐动机，通过各种手法，演变成一段丰富多彩的音乐。在阅读《谱学导论》之前，我对此感到十分困惑。《谱学导论》这本书，恰恰为我提供了解决这个问题的钥匙。书中专门开辟了一个章节，详细讲解了各种音乐“发展”的手法，例如重复、模进、变奏、对比等，并结合了大量的乐谱范例，直观地展示了这些手法是如何被巧妙地运用到实际创作中的。我尤其喜欢书中关于“变奏”的讲解，作者不仅列举了各种类型的变奏，如旋律变奏、节奏变奏、和声变奏等，还深入分析了这些变奏方式如何能够保持音乐的连续性，同时又赋予其新的生命力。当我尝试将这些变奏手法运用到自己的创作中时，我惊奇地发现，一段原本单调的旋律，在经过巧妙的变奏处理后，变得丰富而富有层次感。书中还触及了“对比”在音乐发展中的作用，我明白了通过引入新的音乐材料或改变音乐的性格，可以为音乐带来更强的戏剧性和张力。这本书极大地拓展了我的音乐创作思路，让我看到了从“点”到“面”的音乐生成过程，它不仅教授了技术，更点燃了我对音乐创作的热情。

我一直对音乐的“织体”感到好奇，即音乐作品中不同声部之间的组合方式。但在阅读《谱学导论》之前，我对这方面的理解仅限于模糊的概念。《谱学导论》这本书，则以一种系统而深刻的方式，为我揭开了音乐织体的奥秘。作者在书中详细介绍了不同类型的音乐织体，例如单音织体、主调织体、复调织体以及主音音乐织体，并结合大量的音乐实例，清晰地展示了它们的区别和特点。我尤其喜欢书中对复调织体的详尽分析，作者通过对赋格、卡农等音乐形式的剖析，让我领略到了不同声部之间如何通过模仿、呼应、对比等手法，形成复杂而又和谐的音乐结构。这种“多线并行”的音乐处理方式，让我感觉如同在欣赏一幅精美的织锦，每一根丝线都有其独特的走向，但最终却构成了一个完整的整体。书中对主调织体的解释也让我受益匪浅，我明白了为什么很多流行音乐和古典音乐作品，都倾向于以一条清晰的主旋律为主导。此外，作者还探讨了织体如何随着音乐风格和时代的变化而演变，这让我对音乐的整体发展有了更宏观的认识。这本书为我提供了一个理解音乐“骨架”和“血肉”的专业视角，让我能够更深入地欣赏音乐的结构之美。

初次拿到《谱学导论》这本书，我带着一丝好奇和忐忑。作为一名对音乐理论知之甚少的初学者，我担心书中晦涩难懂的概念会让我望而却步。然而，翻开第一页，我便被作者流畅的笔触和清晰的逻辑所吸引。作者并没有上来就抛出艰深的术语，而是从最基础的音高、音值开始，循序渐进地引导读者进入谱学的世界。我尤其喜欢书中对音符时值变化的解释，作者巧妙地运用了比喻，将原本枯燥的抽象概念具象化，比如将全音符比作一首悠长的诗句，四分音符则像是句子中的一个词，读来朗朗上口，便于记忆。书中对于小节线和拍号的讲解也十分到位，作者通过大量实际乐谱的示例，直观地展示了它们在音乐结构中的作用，让我很快理解了乐谱的“骨架”是如何构建起来的。更令我惊喜的是，书中还穿插了一些关于音乐史的小故事，例如巴赫是如何在创作中运用严谨的对位技巧，以及莫扎特如何以其天马行空的想象力打破传统束缚，这些故事不仅增添了阅读的趣味性，也让我对谱学与音乐创作之间的紧密联系有了更深刻的认识。我曾尝试过学习一些其他的音乐理论书籍，但往往因为缺乏系统性的引导而半途而废，而《谱学导论》恰恰填补了这一空白，它就像一位循循善诱的老师，一步步地带领我拨开迷雾，看到了音乐背后的奥秘。我迫不及待地想继续深入探索书中的其他章节，特别是关于调性、和弦以及各种音乐织体的部分，相信这本书一定会成为我音乐学习道路上不可或缺的伙伴。

我一直认为，音乐的魅力在于其情感的传递，而《谱学导论》这本书，恰恰为我揭示了情感如何在乐谱的细节中被精心编织。书中对不同音程、音阶在情绪表达上的细微差别，进行了极其细腻的描绘。比如，作者将大小调之间的转换比喻成心情的起伏，将属七和弦的“不安”比作故事中的悬念，这些生动的比喻，让我立刻就能体会到乐理知识与情感体验之间的紧密联系。我尤其喜欢书中关于“乐句”处理的讨论，作者通过分析不同长度和走向的乐句，以及它们之间如何通过呼吸和停顿来连接，让我看到了音乐的“呼吸感”是如何被谱写出来的。它让我明白，乐谱上的每一个休止符，都可能蕴含着丰富的情感张力。书中还触及了对位法的精妙之处，作者展示了不同声部如何通过互相呼应、模仿，营造出一种更为复杂而深刻的情感层次。我第一次体会到，音乐不仅仅是旋律的叠加，更是情感的对话和交织。这本书让我对音乐的理解，从“听”进化到了“感”，我能够通过乐谱，更准确地捕捉到作曲家想要传递的喜怒哀乐。它让我更加珍惜每一段音乐，因为我知道，在这背后，隐藏着无数精巧的谱学设计。

坦白说，我是一个对数据和逻辑分析比较感兴趣的人，所以接触音乐理论最初是抱着一种“解构”的心态。《谱学导论》这本书，在很大程度上满足了我这种“理科生”的思维模式。书中对于乐谱的分析，往往会采用一种“解剖学”的方式，将复杂的音乐作品分解成更小的构成单元，并分析它们之间的数学关系和逻辑联系。比如，在讲解复调音乐时，作者会详细剖析不同声部之间的对位关系，以及它们是如何在保持独立性的同时，又和谐地融合在一起的。这种严谨的分析方式，让我觉得谱学就像一门精密的科学，充满了逻辑性和可预测性。书中关于节奏和节拍的数学模型解释，也让我大开眼界，让我理解了为什么某些节奏组合听起来会如此“对味”。此外，作者在书中还探讨了音乐的对称性、比例等概念，这些都与数学中的几何学和比例理论有着异曲同工之妙。我特别喜欢书中关于“模进”的讲解，作者用清晰的图表展示了如何通过重复和移位来构建音乐的连续性，这种“模式识别”的过程，让我觉得非常有趣。这本书让我看到了音乐背后隐藏的数学之美，也让我对音乐创作的严谨性有了全新的认识。它让我相信，即使是看似感性的音乐，也同样拥有理性的骨架。

作为一名对音乐史颇感兴趣的读者，我一直试图寻找一本能够连接音乐理论与历史发展的桥梁。而《谱学导论》这本书，恰恰扮演了这样的角色。作者在讲解各个音乐时期的谱学特征时，总是能巧妙地将其与当时的社会文化、哲学思想相结合。比如，在介绍中世纪音乐时，作者不仅阐述了格里高利圣咏的特点，还联系了当时的宗教氛围和哲学观念，让我理解了为何当时的音乐会呈现出那种庄严、肃穆的风格。在谈到浪漫主义时期的音乐时，作者更是通过对贝多芬、肖邦等作曲家作品的谱学分析，展现了音乐如何从追求形式的古典主义转向表达个人情感的自由奔放。书中对和声语言发展的历史性描述也令我印象深刻，从早期单一的和弦结构，到晚期浪漫主义时期复杂而富有张力的和声，我都能够清晰地感受到音乐在不断演进和发展。我尤其欣赏书中对音乐“语言”演变的观点，它让我明白，谱学并非一成不变的规则，而是在历史的长河中不断被创新和重塑的。这本书为我提供了一个理解音乐史的全新视角，让我能够更深入地洞察不同时期音乐风格背后的深层原因。它不仅仅是关于音符和和弦的讲解，更是关于音乐如何承载人类情感和思想的生动写照。

《谱学导论》这本书给我带来的冲击远超我的预期。作为一个业余爱好音乐创作的人，我一直渴望能更深入地理解音乐的内在逻辑，尤其是那些隐藏在乐谱背后的“语言”。在阅读这本书之前，我更多的是凭着感觉进行创作，虽然有时能写出一些动听的旋律，但总觉得缺乏根基，就像空中楼阁。这本书的出现，彻底改变了我的认知。作者在讲解音程、音阶以及调式时，并没有仅仅停留在理论的堆砌，而是深入剖析了它们在音乐情感表达中的作用。比如，书中对大调和小调音阶情感色彩的对比分析，让我豁然开朗，原来那些不同的音乐风格和情绪，很大程度上来源于音阶本身所携带的“基因”。此外，书中关于和弦进行的阐述更是令我受益匪浅。作者通过详细的图示和乐谱片段，展示了各种经典和弦进行是如何营造出音乐的张力和流动感，甚至还触及了某些和弦进行所蕴含的心理学效应。我特别赞赏书中对“解决”概念的解释，它让我理解了为什么某些和弦听起来“舒服”，而另一些则会带来紧张感。这本书让我明白，谱学不仅仅是关于音符的排列组合，更是关于情感的塑造和心理的引导。我已经在尝试将书中学习到的和弦进行运用到自己的创作中，发现音乐的表达力瞬间提升了一个档次。这本书就像一把钥匙，为我打开了通往更广阔音乐世界的大门，我非常期待在后续的章节中学习到更多关于复调、赋格等高级音乐写作技法。

作为一名热爱演奏各种乐器的音乐爱好者，我一直觉得，最直观的音乐学习方式就是通过乐谱来演奏。但很多时候，我仅仅是机械地按照乐谱上的音符弹奏，却不知道这些音符组合在一起的意义。《谱学导论》这本书，让我对乐谱有了全新的认识。它不仅讲解了音高、时值等基本要素，更深入地剖析了乐谱中隐藏的音乐结构和演奏技巧。书中对于力度记号、速度标记以及表情术语的解释，都让我明白了它们在指导演奏中的重要作用。我特别欣赏书中关于“弓法”、“指法”等演奏提示的讲解，作者通过结合具体的乐谱片段，说明了这些提示是如何影响演奏的音色、流畅度和表现力。我开始尝试将书中学习到的演奏技巧运用到自己的练习中，发现之前一些难以处理的乐段，现在变得更加得心应手，音色也更加饱满动听。书中还涉及了一些关于不同乐器特性在谱学表现上的差异，例如弦乐器的长音处理与管乐器的呼吸控制，都让我对乐器的演奏有了更深入的理解。这本书为我提供了一个从演奏者的角度去理解乐谱的框架，它让我知道，每一个音符的背后，都蕴藏着作曲家对演奏的精妙设想，而理解这些设想，才能真正地弹奏出音乐的灵魂。

国内这方面的书少，这本写的不错

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