音乐

出版者:人民教育出版社

页数:0

出版时间:2005-06-01

价格:3.40元

isbn号码:9787107146343

用户评价

这本书《音乐》，对我来说，简直就是一部精心制作的“声音档案库”，但它绝不是那种躺在沙发上可以轻松翻阅的休闲读物。我买它是冲着封面设计去的，那个抽象的频谱图很有现代感，我以为里面会介绍很多关于电子音乐制作和声音设计的前沿技术。结果，我发现自己彻底误判了方向。这本书的骨架竟然扎根于非常古典的音乐哲学和美学理论。作者似乎对“什么是好的声音”这个问题有着近乎形而上学的执着。我花了整整一个下午试图弄懂其中关于“纯粹性”与“装饰性”在不同时代音乐审美中的权衡变化。老实说，很多理论读起来非常晦涩，它们不是在教你如何做音乐，而是在试图定义音乐的“本质”——一个非常形而上的概念。这种阅读体验是矛盾的：一方面，你对作者试图建立的宏大理论体系感到震撼，它构建了一个完整的逻辑闭环；另一方面，你又会觉得它离实际操作太远了，仿佛是在讨论宇宙的运行规律，而不是如何修理一架钢琴。我甚至觉得，这本书更适合哲学系的学生，或者那些对艺术本体论感兴趣的人。它不会给你任何具体的“操作指南”，它只会抛给你一系列深刻的问题，然后让你自己带着这些问题，去面对你听到的每一段旋律。

我必须承认，《音乐》这本书的写作风格极其个人化，简直就像是作者在深夜里对自己多年研究心得的一次不设防的倾诉。它不像一本教科书，更像是一系列带着强烈个人情感色彩的阅读笔记或田野调查记录的集合。作者的叙事方式非常跳跃，有时候从巴赫的赋格突然跳到20世纪初的爵士乐即兴，中间的逻辑连接需要读者自己去“脑补”和“填空”。这种阅读方式对心智要求很高，你必须时刻保持警惕，生怕错过那些看似不经意的转折。我特别喜欢其中几章关于“失传的乐器”和“特定社会背景下的音乐功能”的描述，那里面的细节描写生动得让人仿佛能闻到历史尘埃的味道。作者仿佛是一个时间旅行者，他带你去看那些被现代录音技术和商业化浪潮所遗忘的声音角落。但这种散文化的叙事也带来了阅读上的挑战——结构松散，缺乏强有力的主线贯穿始终。你很难在读完一章后，用一句话概括出它的核心论点。它更像是一系列闪烁着智慧光芒的碎片，需要读者自己去拼凑出一幅完整的图景。对于喜欢结构严谨、观点明确的读者来说，这本书可能会让人感到抓狂。

说实话，这本书的厚度和分量，让我感觉自己像是在进行一场严肃的文化朝圣。它不是市面上那种用鲜艳色彩和名人轶事堆砌起来的“音乐读物”。《音乐》的语言风格是极其克制的，充满了学术的严谨，但又带着一种内在的诗意。作者似乎对音乐的“时间性”有着特殊的痴迷。书中对“乐句的呼吸”、“小节的张力释放”等概念的描述，精确得如同描述精密仪器的运行轨迹。我尤其对作者如何处理“沉默”在音乐结构中的作用那几页印象深刻，他将“不发声”的瞬间提升到了与高潮部分同等重要的地位，这彻底颠覆了我过去对音乐“饱满度”的理解。然而，这本书的另一个显著特点是它对“听觉训练”的要求极高。作者在描述中大量引用了乐谱上的符号和标记，如果你没有一个扎实的乐理基础，很多精妙的论证就会像隔着一层毛玻璃一样，看得见轮廓却摸不着细节。我甚至需要对照着电脑上的五线谱软件，才能勉强跟上作者对某个特定和弦进行转位的分析。这本书，最终给我的感受是，它更像是一本写给“已经入门”的音乐人或学者看的“精进之书”，它不负责把你领进门，而是负责帮你把门后的世界，拆解得一清二楚。

拿起《音乐》这本书，我立刻就被它那种近乎偏执的全面性给震住了。这不是一本泛泛而谈的“音乐入门指南”，它更像是某种人类文明史中，声音艺术演变轨迹的宏大叙事。我最欣赏的是作者处理跨文化音乐材料的方式，他没有那种西方中心主义的傲慢，而是用近乎人类学家的视角，去描绘不同地域、不同民族在特定历史环境下，如何发展出他们独特的音律和审美体系。比如，书中对中亚细亚游牧民族的口头音乐传统和欧洲复调音乐的对比分析，简直是神来之笔。我记得有那么一段，讲到某个古老仪式的唱腔如何与后世的歌剧咏叹调在情感张力上产生了一种奇妙的共振，这种跨越时空的对话，让我感觉自己的耳朵被重新“校准”了。不过，缺点也很明显，就是信息密度实在太大了。我经常需要带着笔和大量的便签纸阅读，因为作者总是在一个段落里抛出三四个关键概念，你稍不留神，思维的链条就断了。这本书读起来更像是在攀登一座知识的山峰，每往上走一步，视野就开阔一分，但付出的体力也成倍增加。我甚至觉得，这本书的价值更多在于“激发”而非“传授”，它让你意识到音乐的世界有多么浩瀚，而你目前站立的位置有多么渺小，这种敬畏感，比任何技巧指导都来得更深刻。

这本《音乐》的书，说实话，我一开始是带着一种非常功利的目的去看的，希望能从中找到一些快速提升自己音乐鉴赏能力或者演奏技巧的捷径。毕竟现在信息爆炸，大家都追求效率。然而，当我翻开扉页，看到那些厚重的文字和复杂的理论框架时，心里其实有点犯嘀咕。我期待的是那种图文并茂、轻松易懂的入门指南，结果它更像是一本学术专著，或者说，是某个音乐学院教材的浓缩精华版。初读时，我感觉自己像个蹒跚学步的孩童，被塞进了一个成年人的健身房，那些关于和声的演变、对位法的精妙布局，以及不同时期作曲家风格的细微差别，对我来说，简直是天书。我不得不一次又一次地停下来，查阅那些陌生的术语，试图在大脑里构建起一个逻辑清晰的音乐世界观。坦白讲，这本书的排版也比较传统，缺乏一些现代设计中的视觉引导，阅读体验上确实需要读者有极大的耐心和毅力去攻克。我甚至怀疑过，是不是我自己的理解力跟不上？但读到后面，尤其是在探讨某种古典作品的结构时，那种严谨的分析逻辑又让人不得不佩服作者的学识深度。这本书显然不是给“随便听听”的听众准备的，它要求你真正坐下来，像研究数学公式一样去拆解音乐的骨架。所以，如果你指望读完它就能流利地演奏一曲肖邦，那可能会失望，它更像是给你一把精密的解剖刀，让你学会如何从内部理解生命的奥秘，只不过这里的生命是声音的组织。