云水画法

出版者:陕西人民美术出版社

作者:赵文发

页数:20

出版时间:2003-1

价格:18.00元

isbn号码:9787536815834

具体描述

《云水》所绘的云和水在山水画中是极其重要的部分。云和水在山水画里起着调节画面的韵律感和节奏感的作用，起着决定画面的动感和气势的作用。没有云和水，山水画就显得干枯、乏味、堵塞、发闷，就会势不畅，气不顺。山有云缠绕飘动，山就显得高大雄伟，就显得有层次和空间感。有云笼罩山就显得含蓄和神秘。有云千变万化，山就增加了意境和情趣。遮雾罩才感到峰高壑深，影幻奇特又使得大自然更加灿烂迷人。云的多变也使山水画增添了无尽的韵律和节奏。水是山水画中的血韵，正如郭熙所说：“山以水为脉，以草木为毛发，以烟云为神形，故山得水而活。”山有水处就有生气，就有人家，山无水就无生气人家。所谓山水秀丽，有山有水，才能秀丽，桂林正因为有水，才风光秀丽，桂林正因为有水，才风光秀美称之为桂林山水甲天下。云和水都是流动体，变化较多。水本身没有固定形状，受周围环境和气侯的影响而变化形状。它没有规律，但也有规律，可以说水是没有规律的规律。正因为云和水是活的、是流动的，所谓行云流水，二者性相似。在山水画中，可根据画面需要安排云水的位置和形状，在山水画中的云和水是由画家控制的。把云和水处理好，是山水画成功的重要环节之一。

用户评价

《云水画法》在语言风格上也独具匠心，它既有学术的严谨，又不失文学的诗意。书中穿插了许多优美的诗词和典故，这些内容与绘画技法相结合，使得阅读过程充满了乐趣，仿佛置身于一个充满文化底蕴的艺术殿堂。我尤其喜欢作者在描述笔墨韵味时所使用的那些生动的比喻，比如将“飞白”比作“云的呼吸”，将“墨韵”比作“水的低语”，这些都极大地增强了读者对画面意境的理解和感受。同时，书中对历代名家的作品分析，也都非常到位，既有对技法的解析，更有对艺术家创作思想的解读，让我能够更深入地理解这些经典作品的价值。总而言之，这本书在提升绘画技艺的同时，也极大地丰富了我的艺术修养。

《云水画法》在“水”的描绘上，更是将中国画的写意精神发挥得淋漓尽致。我一直认为，画水最难的是抓住它的动态和神韵，而不是仅仅描绘它的形态。书中的章节，从溪流的潺潺，到江河的奔腾，再到海浪的澎湃，都进行了细致的分析。我惊喜地发现，作者并不是简单地介绍几种“水纹”的画法，而是从水的“势”入手，探讨如何通过笔墨的粗细、浓淡、干湿，以及墨色的晕染，来表现水的力量、流动感和透明度。书中关于“浪花”的描绘，尤其让我印象深刻，作者解释了如何运用点、线、面的结合，以及不同蘸墨方式，来表现浪花破碎、飞溅的瞬间动态，这比我之前自己摸索的方法要高效和富有表现力得多。同时，书中还穿插了许多古代画家的经典作品，对这些作品中的“水”进行解读，让我能够将理论与实践相结合，从中汲取养分。

翻开《云水画法》，一股清新的气息扑面而来，仿佛置身于山水之间，耳畔响起了溪流的低语。我对书中对于“云”的描绘尤为着迷。它没有简单地罗列几种云的画法，而是深入探讨了云的生成、形态变化，以及它们在不同天气、不同时节所呈现出的微妙差异。书中对“皴法”在表现云的体积感、光影感方面的运用，解释得极为透彻，我之前一直困惑于如何才能让画面中的云显得厚重又不失轻盈，通过这本书的引导，我仿佛找到了钥匙。特别是关于“飞白”的运用，作者用细腻的笔触和生动的比喻，解释了如何利用干枯的笔触来表现云的边缘和内部的空气感，这对于我来说，简直是醍醐灌顶。我尤其喜欢其中关于“雨前云”和“雨后云”的区分描绘，前者那种压抑、厚重的氛围，后者那种被洗涤过的、轻盈透明的感觉，作者都通过具体的例证和分析，清晰地呈现在读者面前，让我对云有了更深层次的理解。

我一直在寻找一本能够帮助我更深刻理解“气韵生动”这一中国画核心概念的书籍，而《云水画法》恰恰满足了我的这一需求。书中对于“气”的运用，以及如何通过笔墨来表现云水的“气韵”，有着独到的见解。作者认为，“气”是云水之所以为云水的灵魂，它既包括自然界本身的流动之气，也包括画家注入的生命之气。我从书中学习到，如何通过笔墨的连贯性、墨色的变化，以及画面整体的节奏感，来营造出一种流动不息的“气韵”。例如，在描绘江河的滔滔不绝时，如何运用长线的牵引和墨色的晕染，来表现那种奔腾不息的力量感，以及水流划破空气所带来的“风”的感受，这都让我受益匪浅。这本书让我明白了，绘画不仅仅是技巧的堆砌，更是对生命活力的捕捉和表达。

《云水画法》在画面构成方面，也给我带来了全新的启发。我之前在创作山水画时，常常为如何安排云水的位置而苦恼，总觉得画面显得拥挤或者空洞。这本书在这方面提供了非常实用的指导，它分析了云水在画面中的“虚实”关系，以及如何通过云水的穿插、遮挡，来引导观者的视线，营造出画面的层次感和纵深感。我特别喜欢其中关于“云头皴”和“水脚”处理的讲解，作者解释了如何利用这些元素，巧妙地连接山石与天空，或者将画面中的水流引向远方，从而达到“景外之景”的艺术效果。此外，书中还提到了“点景”在烘托云水意境中的作用，比如如何通过一叶扁舟、几株垂柳，来衬托江水的浩渺，或者用一抹飞鸟，来表现天空的广阔。这些细节的处理，对于提升画面的整体意境至关重要。

《云水画法》这本书，在我拿到它之前，脑海中已经勾勒出了一个大概的轮廓。我对它的期待，更多是源于书名所传达出的意境——那种“云卷云舒，水流潺潺”的自然之美，以及“画法”二字所暗示的，一种能够捕捉并再现这种美妙状态的技巧。我一直觉得，中国画的精髓，很大程度上在于它对“意”的追求，而“云水”恰恰是中国古典山水画中最能体现“意”的元素。它们是流动的、变幻的、无常的，却又蕴含着最深刻的生命力。我曾无数次在自然中凝视云的形态，感受水的呼吸，并试图用画笔去捕捉那份灵动。但总觉得力不从心，似乎总隔着一层看不见的纱。因此，当我看到《云水画法》这本书时，内心涌现的，是一种跃跃欲试的冲动，渴望它能为我拨开迷雾，指引一条通往更高艺术境界的道路。我期待的不仅仅是具体的笔墨技巧，更重要的是，它能赋予我一种看待云水、理解云水的全新视角，让我能够真正“画”出云水的魂魄，而不仅仅是它们的形貌。

我之所以对《云水画法》爱不释手，还在于它对于传统技法的传承与创新之间的平衡把握得非常好。书中在介绍传统云水画法的同时，也鼓励读者在遵循基本原则的基础上，融入自己的理解和创造。我尤其欣赏其中关于“破墨法”在表现云水湿润感和体积感上的应用。作者并没有照搬古人的经验，而是深入分析了不同用墨方式所产生的效果，并鼓励读者根据自己的笔墨特点和画面需求，去探索新的表现手法。比如，在描绘雨中景时，如何运用浓墨与淡墨的对比，以及飞白与积墨的结合，来表现雨水淋漓的质感，这对我来说是一个巨大的突破。这本书让我明白，学习传统并非意味着墨守成规，而是要理解其精髓，并在此基础上进行创新，让笔下的云水焕发出新的生命力。

《云水画法》在细节处理上，也给我留下了深刻的印象。书中针对描绘“雾”的各种技巧，都有详细的介绍，比如如何通过淡墨的层层晕染，以及留白的运用，来表现雾的朦胧、轻柔和通透感。我之前一直觉得，雾这种难以捉摸的景象，很难在画面中表现出来，而这本书提供的具体方法，让我找到了突破口。同时，书中还探讨了如何通过云水的动态来衬托山石的静态，或者反之，如何在静态的云水中营造出动感。例如，在描绘山间云海时，如何通过云的起伏变化，来反衬山峰的巍峨挺拔，又或者在描绘水边的芦苇时，如何用轻柔的笔触去表现它们在风中摇曳的身姿，从而增加画面的生命力。这些对细节的关注，使得整本书的教学内容都显得非常全面和深入。

总而言之，《云水画法》这本书，让我对中国山水画，尤其是云水题材的理解，进入了一个全新的境界。它不仅仅是一本技法教程，更是一本艺术哲学的启迪之作。通过阅读这本书，我不仅掌握了许多实用的绘画技巧，更重要的是，它教会了我如何去观察、去感受、去理解自然，并将这份理解注入到我的画作之中。我迫不及待地想将书中所学到的运用到我的实际创作中，去描绘我心中那片流动的云，那条奔腾的水，去展现那份属于中国山水画特有的“气韵生动”。我相信，这本书将会成为我艺术道路上一个重要的伙伴，指引我不断探索和前进。

我最欣赏《云水画法》的一点，是它不仅仅停留在技法的层面，而是更加注重“意境”的营造。书中的许多篇章，都强调了“胸有成竹”的重要性，即在落笔之前，要对所要描绘的云水有一个清晰的构思和情感上的共鸣。作者反复强调，真正的云水画，是画家内心世界的流露，是艺术家对自然生命的理解和感悟。我特别喜欢其中关于“以形写神”的论述，它阐述了如何在描绘云水的具体形态的同时，注入画家主观的情感和精神。例如，对于“云障山”的处理，作者并没有给出一个固定的模式，而是鼓励读者根据画面的整体需要，去灵活运用皴法、墨色，甚至是留白，来营造出或朦胧、或飘渺、或肃穆的意境。这种对“意”的强调，让我觉得这本书不仅仅是一本绘画教程，更是一本关于如何与自然对话、如何用艺术表达内心情感的哲学指南。