中等职业学校国家教委规划教材-服装美术设计基础

出版者:高等教育出版社

页数:0

出版时间:1900-01-01

价格:13.40元

isbn号码:9787040042412

具体描述

本书是教育部职业技术教育司组织编

用户评价

这本书在面料质感和表现力的讲解上，让我彻底刷新了认知。我一直以为画衣服就是把衣服画出来，但这本书让我理解到，表现面料的“感觉”和“触感”才是服装美术设计中最核心的挑战之一。它详细讲解了如何通过线条的粗细、疏密、转折，以及通过明暗的层次变化，来准确地传达出不同面料的特性。 例如，在描绘丝绸时，它会强调运用流畅、细腻的线条，以及对高光和阴影的精准捕捉，来表现丝绸的顺滑、光泽和垂坠感。而在表现粗犷的牛仔布时，则会采用更硬朗、粗糙的笔触，并加入一些细小的颗粒感，来体现牛仔布的厚重和耐磨。书中还提供了很多关于如何绘制不同织纹（如斜纹、平纹、提花）的技巧，让我能够更细致地表现出面料的肌理感。 让我特别惊喜的是，它不仅仅是教授绘画技巧，更是引导我去“感受”面料。它鼓励我们在设计前，多去触摸、观察真实的面料，去理解它们是如何在光线下呈现出不同的光泽，又是如何随着身体的运动而产生不同的褶皱和律动。书中的案例分析非常生动，比如，它会对比展示同样是蓝色，但用丝绒、棉布和雪纺来表现时，所产生的截然不同的视觉效果和情感表达。这些内容都让我觉得，服装设计真的是一门需要多感官参与的艺术。 它还深入探讨了如何通过色彩和光影来增强面料的表现力。比如，如何利用深邃的色彩来突出皮革的光泽感，或者如何通过柔和的色彩和细腻的笔触来表现轻盈的纱质面料。书中对不同面料在特定光照条件下的表现进行了详细的图示和分析，让我能够更准确地把握光影在表现面料质感中的作用。

这本书在图形和构图方面的讲解，简直就是一堂生动的视觉艺术课。它不仅仅是告诉我们怎么画出好看的服装草图，更重要的是，它教会了我如何去“看”。通过对不同类型的图形（如几何形、有机形）在服装设计中的运用分析，我才意识到，服装本身就是一种三维的图形艺术。书里那些关于“黄金分割”和“三分法”在服装廓形设计中的应用分析，让我眼前一亮。我以前总觉得这些数学概念离生活很远，但这本书用非常直观的图示和实例，展示了它们如何在服装的腰线、裙摆、领口设计中起到平衡、协调和突出重点的作用。 让我印象深刻的是，它并没有将这些理论知识孤立起来，而是将其与服装的结构、功能以及穿着者的体型特点紧密结合。例如，在讲解如何利用图形来修饰体型时，它会通过对比分析，展示A字形、H形、X形等不同轮廓的服装，是如何通过线条和体积来改变视觉效果的，并且会给出具体的设计建议，比如如何利用垂直线条来拉长身高，或者如何利用圆润的曲线来柔化硬朗的肩部线条。书中还详细介绍了服装中的“呼吸空间”概念，即服装与身体之间留有的适当空隙，以及这些空间如何影响服装的穿着舒适度和整体的视觉美感。它甚至还探讨了服装中的“负空间”运用，即通过服装的镂空、挖剪等设计手法，来创造出富有层次感和艺术性的视觉效果。 我特别喜欢书里关于“动态构图”的章节。它不是仅仅教授静态的服装画法，而是鼓励我们在设计中融入动感和生命力。通过对不同运动姿态下服装面料的褶皱、飘逸效果的观察和描绘，我才开始理解，一件优秀的服装设计，应该能够“讲述”出穿着者的动态美。书中还提供了很多关于如何运用光影来增强服装立体感和表现力的技巧，比如利用明暗对比来突出服装的质感，或者通过高光和阴影来勾勒出服装的蓬松度和垂坠感。这些内容都极大地拓展了我的设计思维。

这本书在人物造型和姿态表现上的指导，对我来说简直是福音。我一直觉得服装设计离不开模特，但如何把模特画得生动、有神韵，一直是我头疼的问题。这本书在这方面提供了非常详尽和实用的指导。 它从基础的人体比例和骨骼结构讲起，但并没有过于枯燥的解剖学知识，而是将其与服装设计紧密结合。它教会我如何准确地捕捉人物的动态和姿态，以及如何通过姿态来烘托服装的风格和情感。书中的人物插图非常丰富，涵盖了各种不同的年龄、体型和风格，让我能够学习到如何表现不同人物的独特气质。 我尤其喜欢它关于“服装如何与人体互动”的讲解。它不仅仅是画出服装穿在人身上，更是要表现出服装与人体的贴合度、张力以及因为人体运动而产生的变化。它通过大量生动的实例，展示了如何通过细微的肢体动作，来表现出服装的轻盈、飘逸、或者沉重、硬朗。例如，它会分析一个轻轻抬手的动作，是如何让服装的袖子产生漂亮的弧线，或者一个回眸的瞬间，是如何让服装的领口和肩部线条更加迷人。 书中还特别强调了人物面部表情和眼神的表现力，以及如何通过这些细节来增强服装的情感传达。它提供的各种人物姿态速写和动态练习，都非常有助于我提升绘画的流畅性和表现力。我感觉，通过这本书的学习，我不再是机械地画人物，而是能够赋予我的画作生命力，让服装仿佛真的“活”了起来。

在服装配饰的设计与表现方面，这本书提供了一个非常全面且具有艺术性的视角。我之前总觉得配饰是服装的点缀，是可有可无的，但这本书让我认识到，配饰在整体造型中扮演着至关重要的角色，它能够极大地提升服装的完整度和风格感。 它详细介绍了不同类型配饰（如帽子、鞋子、包袋、首饰、围巾等）的设计要点和表现技巧。书中的插图非常精致，让我能够清晰地看到各种配饰的细节和质感。它不仅仅是教授如何画出配饰的形状，更是引导我去思考配饰的材质、色彩、以及与服装整体风格的搭配关系。 我非常喜欢它关于“配饰的语境化”的讲解。它鼓励我们在设计配饰时，要结合服装的风格、场合以及穿着者的个性，来选择最合适的配饰。例如，为一件典雅的晚礼服搭配什么样的首饰，才能达到画龙点睛的效果，或者为一套休闲的街头风格服装，选择什么样的帽子和包袋，才能更显时尚感。书中提供的很多搭配案例都非常具有参考价值。 它还深入地探讨了如何通过细微的配饰细节，来传递服装的文化内涵和设计理念。例如，某个民族风格的图案在包袋上的运用，或者某个经典元素的演变在首饰上的体现。书中对不同材质配饰（如金属、皮革、宝石、布料）的质感表现技巧，也让我受益匪浅，让我能够更准确地描绘出配饰的光泽、纹理和立体感。

这本《中等职业学校国家教委规划教材-服装美术设计基础》完全颠覆了我对服装设计教材的刻板印象！我一直以为这类教材只会枯燥地罗列理论知识，充斥着晦涩难懂的术语，但这本书完全不同。它就像一位经验丰富、耐心十足的导师，循序渐进地引导我进入服装美术设计的奇妙世界。 从最基础的线条、形状、色彩原理讲起，它并没有直接跳到复杂的服装款式设计，而是让我深刻理解了视觉语言的基本构成。书中的插图和案例都非常精美，比如在讲解色彩搭配时，它没有仅仅给出冷暖色调的划分，而是结合了不同历史时期、不同文化背景下的服装实例，让我看到了色彩在服装设计中的实际应用和情感表达。例如，它会分析莫奈画作中那些朦胧的光影是如何运用到服装面料的色彩选择和印染上的，又或者通过研究古埃及壁画的色彩组合，来启发我们在现代服装中加入某种神秘而庄重的氛围。书中对线条的讲解也极其细致，不仅仅是粗细、虚实，还探讨了线条在塑造服装轮廓、表达动态感和引导视线方面的作用。我尤其喜欢它关于“流动性”线条的案例分析，通过展示不同材质的丝绸、雪纺在人体上自然垂坠形成的优美弧线，我才真正理解到，服装设计不仅仅是画画，更是对材质、人体和空间关系的深刻把握。 而且，这本书的语言风格非常亲切，一点也不说教。它更像是在分享作者多年的实践经验和心得体会，语气中充满了鼓励和启发。当我看到一些看似复杂的图案和纹理时，书里总能用非常巧妙的方式将它们拆解，让我恍然大悟，原来这些复杂的艺术表达都可以归纳到一些基本的几何图形和重复规律中。它鼓励我们大胆尝试，不要害怕失败，甚至在某个章节中，还特别引用了一些著名设计师的早年作品，展示了他们早期充满稚嫩却也极具创意的尝试，这让我感觉自己离服装设计大师的道路并没有那么遥远。

关于服装的结构和版型在美术设计中的体现，这本书给出了非常系统且富有启发性的讲解。我之前总是将结构和版型视为纯粹的技术层面，但这本书却巧妙地将它们融入到美术设计的语境中，让我看到了服装结构的美学价值。 它不仅仅是教授画出服装的轮廓，更是引导我去理解服装的“骨架”。书中的插图非常精美，它们清晰地展示了服装的剪裁线、缝合线、省道等关键结构是如何影响服装的整体形态和廓形的。它通过对比分析，让我看到了同一款服装，在不同的结构处理下，会产生多么大的视觉差异。例如，一件简单的连衣裙，通过改变腰部的省道设计，或者在肩部加入褶皱，其呈现出的女性化程度和飘逸感就会截然不同。 我特别喜欢它关于“服装廓形”与“人体廓形”之间关系的讨论。它鼓励我们在设计时，要充分考虑服装的结构如何与人体的曲线相呼应，如何通过巧妙的版型设计来扬长避短，展现人体的美感。书中还提供了很多关于如何运用服装的结构来创造出戏剧性效果的设计案例，比如那些具有建筑感的廓形，或者那些充满解构主义风格的设计。 它还深入地分析了不同类型的服装结构（如公主线、省道、插肩袖、落肩袖等）在服装整体美感中所起到的作用，并提供了相应的绘制技巧。让我印象深刻的是，它在讲解时，不仅仅是给出理论，还常常会引用一些经典服装的结构图，让我在学习理论的同时，也能直观地感受到优秀设计的精妙之处。书中对服装的褶皱和垂坠效果的分析，也与结构息息相关，它教会我如何通过理解服装的结构，来准确地表现出面料在运动中的自然形态。

这本书在服装的文化背景和历史演变的研究方面，为我打开了一个全新的视野。我之前对服装史的认知非常有限，只知道一些零散的名称和年代。但这本书，将服装设计置于更广阔的历史和社会文化背景下进行审视，让我看到了服装不仅仅是简单的衣物，更是时代精神、社会风貌和审美观念的载体。 它从古代服饰的起源讲起，一直到现代时尚的演变，详细介绍了不同时期、不同地域的服装风格特点、设计理念以及它们所反映的社会文化意义。我非常喜欢它通过大量的历史图片和艺术品，来佐证其观点，让我在学习理论的同时，也能直观地感受到服装的演变过程。 它还深入地分析了不同文化对服装设计的影响，比如东方文化中的含蓄、内敛，与西方文化中的奔放、张扬，在服装设计中是如何体现的。书中关于“民族服装元素在现代设计中的运用”的章节，更是让我看到了传统文化与现代时尚的碰撞与融合所产生的无限可能。 让我印象深刻的是，它并没有将历史知识变得枯燥，而是通过生动的故事和鲜活的案例，来展现服装在历史长河中的变迁。它鼓励我们在进行服装设计时，要多去了解和借鉴历史上的优秀设计，从中汲取灵感，但同时也要避免照搬照抄，而是要将其与现代审美和设计理念相结合。这种对历史的尊重和对创新的追求，让我对服装设计有了更深层次的理解。

本书在插画风格和表现技巧上的多样性探索，彻底激发了我对服装美术表现的兴趣。我之前以为画服装就只有一种模式，但这本书向我展示了服装插画的无限可能性。 它不仅介绍了写实风格的绘制方法，还详细讲解了不同表现风格的特点和适用范围，比如意象风格、卡通风格、剪影风格等等。书中的插图风格非常多样，从精细入微的写实描绘，到简洁流畅的线条勾勒，再到富有张力的色彩晕染，我都从中看到了不同的美感和表现力。 我特别喜欢它关于“情绪表达”在插画风格中的运用。它教会我如何通过不同的线条、色彩和构图，来营造出不同的情绪氛围，比如是浪漫、唯美，还是前卫、大胆。书中提供的各种“情感色板”和“风格关键词”，都为我进行创意构思提供了很好的参考。 它还深入地探讨了如何利用不同的绘画材料和工具，来达到不同的表现效果。比如，用彩铅来表现细腻的质感，用马克笔来营造鲜明的色彩对比，或者用数码绘画来探索更自由的创作方式。书中对这些工具的特点和使用技巧的介绍，都非常实用。 让我印象深刻的是，它不仅仅是教授绘画技巧，更是鼓励我们要找到属于自己的“个人风格”。它认为，真正的服装插画，不仅仅是把衣服画出来，更是要通过画面来传递设计师的思想和情感。这种对艺术个性的追求，让我觉得这本书不仅仅是一本教材，更像是一位良师益友，在引导我走向自己的艺术之路。

在色彩的运用方面，这本书可以说是一本非常全面的宝典。我之前对色彩的理解非常肤浅，最多停留在“这个颜色好看”的层面。但这本书，从色彩的心理学效应，到不同色彩在不同文化语境下的象征意义，再到如何运用色彩来表达情感和营造氛围，都进行了深入浅出的讲解。它不仅仅是简单地介绍色轮和配色方案，更是引导我去思考“为什么”要选择这样的颜色，以及“这个颜色想要传达什么样的信息”。 我非常喜欢书中关于“色彩情绪板”的制作方法。它教我们如何通过收集各种与主题相关的色彩样本（如花朵、风景、艺术品、甚至城市街景），然后将它们组合起来，从中提炼出具有代表性的色彩搭配方案。这个过程非常有意思，感觉就像在玩一个色彩的拼图游戏。书里还提供了很多色彩搭配的经典案例，比如那些源自自然界的完美色彩组合，或者是借鉴了某个时代艺术大师的标志性色彩运用。 最让我受益匪浅的是，它教会了我如何运用色彩来影响人们的情感和心理。比如，它会分析为什么红色会给人带来热情和活力的感觉，而蓝色则能带来平静和信任感。它还探讨了不同饱和度和明度下的色彩会产生怎样的视觉差异，以及如何在服装设计中利用这些差异来达到特定的视觉效果。书中的案例分析非常到位，比如，它会展示如何通过小面积的亮色点缀来打破服装的单调，或者如何利用渐变色来营造出梦幻般的视觉效果。这些技巧都非常实用，让我觉得我不再是盲目地选择颜色，而是能够有意识地运用色彩来增强服装的艺术感染力。

这本书在“创新思维与设计理念”的培养方面，给我留下了深刻的印象。它不仅仅是传授技法，更重要的是，它在潜移默化中塑造我的设计思维，让我开始思考“为什么”和“如何”去创新。 它鼓励我们打破常规，勇于尝试新的材料、新的工艺、新的表现形式。书中引用了很多当代设计师的创新案例，比如那些利用环保材料设计的服装，或者那些融合了科技元素的智能服装。这些案例都让我看到了服装设计无限的创意空间。 它还深入地探讨了“可持续时尚”和“社会责任”在当代服装设计中的重要性。它引导我们思考，作为设计师，应该如何通过自己的作品来影响社会，如何为环境保护和人类福祉做出贡献。这让我觉得，服装设计不仅仅是为了追求美观，更是要承担起一份社会责任。 书中还提供了很多关于“设计灵感来源”的拓展性思考，比如从自然界、建筑、音乐、文学等不同领域汲取灵感，然后将其转化为服装设计的元素。它鼓励我们要保持敏锐的观察力，善于发现生活中的美，并将这些美融入到自己的设计中。 总而言之，这本书不仅仅是一本技术性的指导手册，更是一本能够激发我创新热情、培养我设计理念的优秀读物。它让我看到了服装设计不仅仅是一门技艺，更是一门充满艺术性和社会责任感的学问。