程砚秋唱腔集

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出版者:文化艺术出版社
作者:夏邦琦
出品人:
页数:0
译者:
出版时间:2004-6-1
价格:92
装帧:
isbn号码:9787503924934
丛书系列:
图书标签:
  • 程砚秋
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具体描述

《燕声流韵:京剧旦行艺术的传承与创新》 内容提要: 本书深入探讨了中国京剧旦行艺术的流派纷呈与传承脉络,以宏大的历史视野和细致的个案分析相结合的方式,勾勒出自清末民初以来,京剧旦角艺术从早期“花部”到成熟期的演变轨迹。全书分为五大部分,系统梳理了以“四大名旦”为核心的艺术成就,并延伸至当代优秀旦角演员在继承基础上的开拓与实验。书中不仅详尽剖析了不同行当(青衣、花旦、武旦、老旦)的嗓音特点、身段规范与表演程式,更着重阐释了旦角演员如何将个人气质、时代精神融入传统戏曲,从而实现艺术的“常青”与“常新”。 第一章:梨园初醒:旦角艺术的早期形态与流派的萌芽(约300字) 本章追溯京剧旦角艺术的源头,从昆曲、弋阳腔等声腔艺术对京剧旦角的滋养作用谈起。重点分析了早期的旦角表演者,如“通州名伶”和早期“花部”中对女主角形象的初步塑造。此时的旦角表演,尚处于对“闺门旦”与“彩旦”的粗略划分阶段,但已见雏形的关键技巧,如“走圆场”、“穿云手”等已初露锋芒。同时,本章也首次引入了对早期旦角艺术家的非凡贡献的论述,他们如何在男性主导的舞台上,以细腻的观察和模仿,为后来的“名旦”时代奠定了坚实的基础。探讨了社会环境对早期旦角艺术发展所施加的限制与推动力。 第二章:四大名旦的鼎立:流派艺术的奠基与确立(约450字) 本章是全书的核心部分,集中阐述了京剧旦角艺术发展史上的里程碑——“四大名旦”(梅兰芳、程砚秋、尚小云、荀慧生)各自建立的独立艺术体系。 梅派艺术的雍容典雅: 重点分析梅兰芳先生如何融合青衣、花旦之长,以“无一不美,无一不谐”的风格,将旦角表演推向了艺术的巅峰,其唱腔的醇厚、身段的圆润,尤其是在《贵妃醉酒》、《霸王别姬》中对人物复杂心理的刻画。 尚派艺术的刚健清亮: 探讨尚小云先生如何以其高亢、激越的嗓音,在传统青衣的基础上,融入武旦的刚健之美,尤擅长表现性格刚烈、命运多舛的女性形象,如《昭君出塞》中的气势磅礴。 荀派艺术的灵动活泼: 细致描述了荀慧生先生对“花旦”艺术的精细打磨,如何以其娇俏、机敏的表演和贴近生活气息的唱法,塑造出活泼俏丽、富有民间情趣的角色,如《红娘》、《勘玉砚》。 本章通过对比分析四大名旦在“发声技巧”、“水袖运用”、“步法节奏”上的独特处理,展现了京剧旦角艺术在二十世纪初所达到的空前的高度与多样性。 第三章:声腔的精微:旦行发声技巧的流派异同(约300字) 本章聚焦于旦角唱腔的“气口”、“归韵”和“腔调设计”。不同于对剧目剧情的宏观叙述,本章深入到技术层面,解析了不同流派在运用“气”、“力”、“韵”方面的侧重。例如,某一流派注重“以气托声”,追求声音的悠长与绵密,强调喉部的放松与气息的深沉;而另一流派则倾向于使用更靠前的腔位,强调声音的穿透力与明亮度。通过对《玉堂春》、《汾河湾》、《锁麟囊》等代表性唱段的片段分析,揭示了这些声音差异背后所蕴含的表演理念和审美取向。本章旨在提供一套可供专业人士参考的,关于旦角嗓音控制的理论框架。 第四章:身段的语言:水袖与台步的符号学解读(约250字) 旦角表演的精妙,很大程度上体现在对身体语言的极致运用上。本章专门解析了京剧旦角中“水袖”与“台步”的符号意义。水袖不再是简单的装饰,而是情绪的延伸、心灵的独白。本章将水袖的“抛、甩、提、抖、缠、绕”等二十四法进行分类梳理,并论述了不同流派在处理同一动作时所体现出的情感色彩差异。同时,台步的“碎步”、“趟马步”等,如何通过节奏的快慢和重心的转移,来表现人物的内心挣扎、犹豫或坚决。 第五章:传承与拓展:当代旦角艺术的审视与未来(约200字) 收官之章将目光投向当代。本章肯定了当代京剧旦角艺术家们在继承前人艺术精髓的同时,所进行的积极探索与实践。探讨了在新的时代背景下,如何平衡艺术的“纯粹性”与“可接受性”,如何在保持传统韵味的同时,注入新的时代精神。分析了当代演员如何吸收其他艺术门类的优势,丰富旦角表演的层次感,确保这一精妙的舞台艺术在新的世纪中保持旺盛的生命力。本书最终强调,优秀的旦角艺术的未来,必然建立在对历史的深刻理解之上,而非对传统的简单重复。 全书特点: 本书结构严谨,论述详实,不仅是戏曲爱好者深入了解京剧旦行艺术的优秀读物,也是戏曲专业院校师生研究旦角流派风格的参考工具书。全书以尊重艺术规律为前提,以细腻的笔触描绘了这些舞台艺术巨匠的探索历程与不朽成就。

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读后感

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用户评价

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说实话,我对京剧的理论研究不太擅长,但对老艺术家的个人魅力和舞台感染力是无法抗拒的。这本书如果能以更口语化、更贴近普通戏迷的角度来叙述程砚秋的艺术成就,可能会吸引更广泛的读者群体。比如,用讲故事的方式来穿插介绍她的代表剧目,而不是堆砌大量的专业术语。我总觉得,程老师的唱腔里有一种深入骨髓的“委屈”感和“哀婉”之美,这可能和她早年的经历有关。书中会不会探讨这种命运感是如何融入她的表演的?她与梅兰芳、尚小云等其他大家的关系,以及在那个时代,她们是如何相互竞争又相互促进,共同推动京剧旦角艺术走向高峰的,这些“人情味”的故事,远比单纯的曲谱分析更能打动人。我希望作者能像一个资深戏迷那样,带着情感去书写,而不是像一个冰冷的学者,只做技术的拆解。那种“听君一席话,胜读十年书”的代入感,才是衡量一本艺术书籍是否成功的标准。

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这本书的装帧和排版,我得好好说道说道。拿到手的时候,首先感觉就是分量十足,拿在手里沉甸甸的,一看就知道是用心制作的。封面设计上,如果能采用一些富有年代感的、略带水墨晕染的风格,配上程老师在舞台上的经典剧照,那种古典美会立刻被烘托出来。内页纸张的选择也很关键,最好是那种略带哑光、不反光的纸张,这样长时间阅读才不容易造成视觉疲劳,特别是如果里面收录了大量的唱词和板式解析,清晰度就成了重中之重。我非常关注的,是它对于程砚秋先生的艺术生涯中那些“幕后故事”的挖掘程度。比如,她和她的作曲、鼓师之间是如何沟通协调,以达到完美的舞台效果的?那些被认为是程派标志性的“润腔”技巧,究竟是如何在日常练功中被发现并固化的?如果能引用一些当事人的回忆录或者访谈资料,哪怕只是零星的片段,都会大大增强这本书的历史厚重感和可读性,让读者不仅仅停留在欣赏唱段本身,更能体会到艺术创造背后的艰辛与智慧。

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程砚秋的唱腔,那真是听了叫人魂牵梦绕,感觉像走进了京剧艺术的殿堂,特别是她那些经典的老生腔,字正腔圆,韵味十足,一板一眼间,就把角色的喜怒哀乐刻画得淋漓尽致。我听她的《锁麟囊》录音,那“一霎时把七情俱已昧尽”的唱段,简直是教科书级别的,情感的递进自然流畅,从惶恐到绝望,再到后来的豁然开朗,每一个转折都拿捏得恰到好处。听着听着,我就想起了老一辈艺术家们是如何用心血去打磨每一个念白和板眼,那种对舞台艺术近乎偏执的追求,是现在很多浮躁的演出中难以寻觅的。这本书如果能深入挖掘程大师在不同剧目中的唱法变化,比如在悲剧和喜剧角色中,她是如何通过气口和腔调的细微调整来塑造人物的内心世界的,那就太棒了。我特别期待能看到一些关于她早期和中晚期唱腔风格演变的对比分析,毕竟艺术是不断进步和修正的,不同阶段的心境和阅历都会影响到声音的厚度和情感的深度。总而言之,光是能听到程先生的“程派”韵味,就已经值回票价了,希望能有更详尽的文本来辅佐我的聆听体验。

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从结构上看,我更希望看到一种“主题式”的编排,而非简单的“时间顺序罗列”。比如,可以设立专门的章节来剖析“程派气息的奥秘”、“程派的水袖与身段在唱腔中的体现”以及“程派如何处理悲剧的最高潮”等等。这样,读者可以根据自己的兴趣点,精确地找到想要深入了解的部分。例如,在谈到“水袖”时,如果能配上高清的剧照对比,清晰地展示程老师如何将水袖的每一次拂动都融入到韵律和情绪的表达中,那将是极大的加分项。此外,一个现代化的、详尽的索引和参考文献列表是必不可少的。对于我们这些希望进一步研究的爱好者来说,知道哪些地方可以找到原始的音视频资料,或者哪些学者的观点值得参考,能够极大地拓展我们的研究路径。这本书如果能成为一个连接过去与现在的桥梁,引导读者去探索更多的程派遗产,它的价值就不可估量了。

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我对程砚秋的印象,很大程度上来自于她那份“不争”的艺术态度。她不追求热闹,不盲目追求技巧的炫耀,而是专注于在每一个字里行间挖掘出人物灵魂的深度。因此,我非常期待这本书能够揭示出她这种内敛而强大的艺术哲学的根源。这不仅仅是关于“怎么唱”的问题,更是关于“为什么这么唱”的哲学探讨。比如,她对传统剧本的继承与革新在哪里?她是否像某些流派那样,对某一个特定的声腔技巧进行了“专利化”的固守,还是保持了一种开放的心态去吸收和改良?如果书中能穿插一些她对其他流派艺术的看法,或者她对“美”的独特理解,那将极大地丰富我们对这位艺术大师的认知。她所代表的,是一种古典、沉静、极具人文关怀的美学高度,希望这本书能如实地将这份高贵和深邃,完好无误地传递给每一位读者。

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老录音扒下来的谱子,弓头不太顺,有人如是说。吊嗓必备。

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