429 155-2 DVORAK:CELLOKONZERT(德沃夏剋布魯剋)(CD) pdf epub mobi txt 電子書 下載2026

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出版時間:1900-01-01

價格:66.0

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isbn號碼:9780289429150

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圖書標籤:

• 德沃夏剋
• 布魯剋
• 大提琴協奏麯
• 古典音樂
• 器樂獨奏
• CD
• 音樂
• 古典
• 協奏麯
• 429 155-2

樂海拾珠：二十世紀中葉西方管弦樂作品的探索與革新 （一部關於20世紀中葉歐洲管弦樂發展、重要作麯傢及其代錶作的深入研究，不涉及德沃夏剋及特定單一作品的介紹） 導言：時代的交響與觀念的重塑 二十世紀中葉，歐洲的音樂世界經曆瞭一場深刻的結構性變革。兩次世界大戰的陰影、社會政治的劇烈動蕩，以及科學技術飛速發展帶來的哲學思辨，共同塑造瞭這一時期音樂語言的復雜性與多元性。作麯傢們不再滿足於浪漫主義晚期所建立的宏大敘事框架，而是轉嚮探索聲音本身的物質性、結構邏輯的內在張力，以及與聽覺感知更為直接的對話。《樂海拾珠》聚焦於1945年至1975年間，以巴黎、科隆、達姆施塔特以及戰後維也納為中心，湧現齣的幾股關鍵性的管弦樂創作潮流，旨在梳理其理論基礎、技術革新及其對後世的深遠影響。 本書的核心論點在於，這一時期的管弦樂創作並非單一的“先鋒派”運動，而是一個多極分化的探索場域。它既包含瞭對十二音體係的進一步邏輯延伸（如結構主義音樂的構建），也包含瞭對傳統音高觀念的徹底顛覆（如偶然音樂與聲場音樂的興起）。我們考察的重點，是如何在傳統樂隊編製——弦樂組、木管組、銅管組及打擊樂組——的框架內，實現聲音錶現力的最大化拓展。 --- 第一部分：序列主義的深化與結構邏輯的固化（1945-1960） 在二戰結束後，一群以皮埃爾·布列茲（Pierre Boulez）和卡爾海因茨·施托剋豪森（Karlheinz Stockhausen）為代錶的青年作麯傢，將阿諾德·勛伯格（Arnold Schoenberg）開創的十二音技法提升到瞭“全麵序列化”（Total Serialism）的階段。這一時期的管弦樂作品，其核心特徵是對音樂要素的係統性控製。 1.1 節奏的非周期化與材料的均勻分布 傳統音樂中以拍號和規整的小節劃分的節奏概念被瓦解。作麯傢們開始運用復雜的、非整數的節奏比例（如5:7或11:13的密度變化），甚至采用速度的精確序列來控製音符的齣現頻率。我們詳細分析瞭布列茲在《結構》（Structures）係列中對這種序列節奏的實踐，以及它如何影響管弦樂團中不同聲部之間的“時間感”錯位。在管弦樂配器中，這意味著不再是簡單的鏇律交織，而是對“音點”（point-mass）的精確布局。 1.2 動態與音色的序列化管理 音高和節奏之外，力度（動態）和音色也被納入瞭序列的控製範圍。傳統的漸強漸弱被替換為精確的力度標記，如$ppp$到$fff$之間劃分為十六個或更多的離散等級。更具創新性的是音色序列的使用：作麯傢會預先設計一個包含不同樂器組組閤的序列，確保在作品的特定時間段內，某一特定樂器組的音色比例達到預設的數學比例。例如，對長笛、單簧管和巴鬆管的交替使用，並非為瞭鏇律連貫，而是為瞭實現音色矩陣的周期性替換。 1.3 序列主義對傳統管弦樂編製的挑戰 全麵序列化要求樂團的每一個成員都成為一個獨立的、高精度的執行單元。這迫使指揮傢和演奏者發展齣新的記譜解讀能力。作品往往呈現齣高度的顆粒性和碎片化，傳統的“主題發展”被“材料的展示與組閤”所取代。我們考察瞭盧伊吉·諾諾（Luigi Nono）在這一時期對銅管和打擊樂的偏好，如何通過密度和強度的爆發來錶達強烈的政治情緒。 --- 第二部分：聲音的拓寬與音場的重構（1960年代的轉嚮） 進入六十年代，對序列主義過度數學化和主觀控製的反思促使一些作麯傢轉嚮探索聲音本身在物理空間中的行為，以及聽覺經驗的開放性。 2.1 空間音樂與聲場（Spatial Music） 在電子音樂的影響下，傳統管弦樂隊的固定布局不再被視為必然。作麯傢們開始將音響的物理位置視為一個重要的音樂參數。 樂隊的分散化與移動： 分析瞭作麯傢如何要求樂手從舞颱的不同位置演奏，甚至要求樂手在演奏過程中在觀眾席間移動。這種空間布局上的變化直接影響瞭聽眾對和聲與對位關係的感知。聲音不再是“一個點”的集閤，而是“一個場域”的滲透。 復調的維度： 空間布局創造瞭新的復調維度——垂直（頻率）和水平（空間）的疊加。作品開始著重於聲音在不同距離和角度上混閤所産生的非預期效果。 2.2 集群與微音：對傳統音高的超越 如果說序列主義仍停留在十二平均律的框架內，那麼六十年代的某些作品則開始係統性地探索音高之間的細微差彆。 集群（Clusters）的精細化： 不再是簡單的鄰近音堆疊，而是使用大量樂器以極細微的音高差（如基於24等份音律或純律的微調）同時演奏，以製造齣一種“聲音的物質感”或“摩擦感”。弦樂組和木管組經常被要求演奏齣接近“噪音”或“嗡鳴”的音響效果。 搖曳與自由振動： 對弦樂演奏技法的革命性挖掘，如極端的揉弦速度、靠近琴碼或指闆的演奏法，以及對泛音列的有意控製，使得管弦樂不再僅僅是音符的集閤，而成為一種動態的、具有內在能量流動的“聲波雕塑”。 2.3 偶然性與開放形式的並存 約翰·凱奇（John Cage）的思想影響瞭許多歐洲作麯傢，盡管他們的實踐路徑與凱奇的禪宗哲學有所區彆。管弦樂作品開始接納“不確定性”作為結構的一部分。 演奏方法的隨機性： 作麯傢可能指定一個音高範圍，但允許演奏者在其中選擇音符；或者指定一個節奏範圍，但允許演奏者自行決定速度。這種“限製下的自由”迫使樂隊進入一種高度專注但又不可預測的協作狀態。 開放的樂章結構： 部分作品的樂章順序不再是固定的。指揮傢和/或演奏者需要根據現場聲學條件或即興互動來決定接下來的材料或順序，這使得每次演齣的管弦樂體驗都是獨一無二的。 --- 第三部分：技術革新與樂隊的再定義 為實現上述聽覺目標，作麯傢們對管弦樂隊的傳統使用方式提齣瞭前所未有的要求，極大地拓寬瞭演奏的邊界。 3.1 打擊樂的地位提升與角色轉變 打擊樂組不再是節奏的附屬，而是成為瞭聲音物質性和噪音美學的核心驅動力。 音高化打擊樂的擴張： 馬林巴、顫音琴等音高打擊樂器被置於與鍵盤樂器同等重要的地位。同時，大量非傳統樂器（如金屬闆、木塊、以及工業廢料）被納入配器法，其目的在於提供具有獨特音質和密度紋理的聲響元素。 密集的打擊樂集群： 分析瞭如何利用多位打擊樂手在極短時間內製造齣具有爆炸性或彌散性的“聲響雲”，這常用於分割或重塑管弦樂的整體織體。 3.2 弦樂組的“非演奏”探索 傳統的拉弓奏法受到瞭極大的挑戰。大量對非標準演奏技巧的探索，旨在挖掘琴弦和木質共鳴箱在非傳統輸入下的潛力： 用弓杆敲擊、用手掌拍擊琴體、在琴橋上極度用力拉奏以産生噪音化的摩擦音等。這些技法與長弓、極弱音的運用交織，形成瞭極富張力的音響對比。 3.3 木管樂器的“氣息”與“非音高”潛力 木管樂器被要求最大化其氣息聲的錶達。從極弱的、幾乎聽不見的呼吸聲，到充滿氣流聲的“嘶啞音”（Squawks），這些技術成為構建聲音密度和錶現“內在緊張”的重要手段。 --- 結語：通往未來的橋梁 二十世紀中葉的管弦樂創作，是一場意義深遠的“聽覺革命”。它拒絕瞭任何單一的、普世的美學標準，轉而擁抱瞭復雜性、不確定性和對聲音本源的純粹探究。本書所梳理的序列主義的邏輯精密度、空間音樂的物理維度，以及對傳統技法的激進顛覆，共同構成瞭戰後歐洲音樂史上一段至關重要、充滿張力和實驗精神的篇章。這些探索為後來的極簡主義、復雜織體音樂以及電子/聲學融閤創作奠定瞭深厚的技術與觀念基礎。

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說實話，我買這張CD，純粹是因為我對“捷剋作麯傢”這個標簽有著一種莫名的偏愛。那種源自波西米亞土地的憂鬱和對鄉土的深切眷戀，總能在我聽來，比純粹的德奧體係多瞭一層“泥土的芬芳”。德沃夏剋的音樂似乎總是在宏偉的殿堂和質樸的鄉村之間來迴穿梭。我期待的不僅是技術的精湛，更是一種文化底蘊的體現。我希望演奏者能夠理解那種植根於民間音樂土壤中的節奏感和鏇律的跳躍性，讓聽眾感受到不僅僅是一個音樂傢的創作，而是一個民族的心聲。如果這張CD能讓我暫時忘記身處鋼筋水泥的城市，感受到一片廣闊的田野和遙遠的斯拉夫風情，那麼這次購買就完全值迴票價瞭。

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這張CD，拿到手的時候就感覺分量十足，那種沉甸甸的質感，仿佛預示著裏麵蘊含著不凡的音樂力量。我一直對那些跨越時代的古典作品抱有特殊的敬意，而德沃夏剋這位音樂巨匠的名字，本身就是一種品質的保證。拿到這個版本，我立刻被封麵的設計風格吸引瞭，那種古典與現代交織的美感，讓人在播放之前就已經開始期待接下來的聽覺盛宴。我選購這張唱片，很大程度上是衝著對這位作麯傢作品的喜愛，他的鏇律總是那麼深沉、富有敘事性，仿佛在訴說著一個古老而又永恒的故事。我期待的不僅僅是音符的排列組閤，更是一種情感的共鳴，一種能讓人暫時抽離現實喧囂，沉浸在純粹藝術之中的體驗。希望這次的錄音能夠捕捉到原作中最精髓的那一部分，無論是宏大的交響張力，還是細微的情感流露，都能被完美地呈現齣來。

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作為一名業餘的樂理愛好者，我購買古典音樂唱片時，除瞭考慮麯目本身是否經典外，對錄音的製作水平也是非常挑剔的。在這個數字時代，我們很容易獲取到各種版本的錄音，但真正能夠體現齣錄音棚技術與現場演奏氛圍完美結閤的，卻是鳳毛麟角。我期望這個版本能夠提供清晰的聲場定位，讓我能清楚地分辨齣不同聲部之間的相互作用，尤其是在那些高潮迭起的段落，銅管樂器的輝煌感和弦樂組的絲滑質感，都應該有明確的層次感。如果能捕捉到一點點現場演奏時的空氣感和動態範圍的真實再現，那就更令人欣喜瞭。畢竟，古典音樂的魅力很大一部分來源於其宏大的物理聲學效果，希望這張CD沒有辜負我對高品質錄音的期待。

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最近一段時間，我的心情總有些低落，總覺得需要一些能真正觸動靈魂深處的東西來撫慰。我希望古典音樂能夠提供這樣的庇護所。德沃夏剋的作品，尤其是那些飽含斯拉夫民族情懷的作品，總能給我帶來一種既憂鬱又充滿希望的復雜感受。這張特定的錄音版本，我之前在一些音樂論壇上看到過一些隻言片語的贊美，說它的演奏者對樂麯的把握達到瞭一個近乎完美的境界，尤其是在處理那些慢闆樂章時，情感的剋製與爆發拿捏得恰到好處。我特彆關注那些獨奏樂器的錶現力，因為在協奏麯中，獨奏者與樂隊之間的對話，往往是整個作品的靈魂所在。我希望這次的聆聽，能讓我重新找迴那種對生活的熱情和對美的敏銳感知力，也許，偉大的藝術就是有這樣的魔力。

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我最近開始係統性地迴顧二十世紀末到本世紀初那些重要的音樂詮釋。德沃夏剋的作品，雖然是浪漫主義後期的瑰寶，但不同的時代背景和不同的演奏流派，總會帶來截然不同的解讀。我很好奇，這次的演奏傢是如何看待德沃夏剋在創作這部協奏麯時所處的時代背景和他個人的心路曆程的。是偏嚮於更傳統、更注重結構美感的演繹，還是更傾嚮於發掘其中潛在的、更具前瞻性的現代主義色彩？我想通過音樂去對話曆史，去理解作麯傢在創作時的掙紮與突破。對於這種深刻的作品，每一次重聽都應該像是一次新的發現，希望這個版本能提供足夠多的解讀空間，而不是一個已經被“標準”化的、缺乏個性的演繹。

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