文艺学元问题的多维审视

出版者:齐鲁书社

作者:夏之放

页数:451

出版时间:2005-5

价格:29.00元

装帧:简裝本

isbn号码:9787533314910

具体描述

本书从广阔深邃的理论背景上，审视文艺学体系中最基本的核心范畴及其与相关范畴之间的内在逻辑关系，尝试大同中外文学理论，促使中国文化理论话语走向世界，为审视、指导和批评新世纪文学生产和消费活动提供理论武器，为引导中国当代文化走向诗意化生存远景做出了努力。

本书收录的是我们的首批成果。大体说来，本书包括以下几个方面的内容：一是对于文学理论的生成方式和范式转型的探索；二是关于文学本体论的思考；三是围绕着文学的若干基本范畴的研究；四是关于中国古代文学理论若干基本问题的探讨。应该说各文着眼点各异，论述角度不同，但都力图以自己的方式去审视文艺学的根本问题。考虑及此，故本书命名为《文艺学元问题的多维审视》。也正是由于不同作者思考问题的角度不同，知识结构不同，研究方法有差异，目前尚未形成统一的理论体系。显而易见，能否形成统一的理论体系以及形成怎样的理论体系，是要在充分发挥每个人的研究潜力的基础上逐步地、自然地形成的，而不宜于过早地、人为地制定出来。因此，本书作为研究课题的首批成果应该保持每一位作者的个人特点和创造性。

用户评价

这本书给我的最大冲击，是它对于“时间性”在文艺学中的处理方式。我们习惯于将艺术作品视为一个相对静态的实体进行分析，但作者却坚持认为，作品的意义是不断在“生成”中的，是被未来的解读所不断完成的。这种对时间维度的主体性强调，彻底颠覆了我过去对“经典”的理解。他引入了非线性叙事理论来阐释文本的开放性，甚至大胆地将物理学中的熵增概念引入到审美体验的衰减与重塑的讨论中。这种跨学科的隐喻使用非常大胆，虽然偶尔让人感到过于“炫技”，但总体上是服务于其核心论点的——即任何封闭的理论系统都无法穷尽艺术的本质。书中对“意图”和“接受”之间辩证关系的探讨，也达到了前所未有的深度，作者成功地在作者中心论和读者中心论之间架起了一座摇摇欲坠却又无比坚实的桥梁。这本书更像是对我们既有认知框架的一次系统性“震荡”，而非简单的知识添补。

这本《文艺学元问题的多维审视》的标题本身就充满了学究气，让人不禁好奇，它究竟能如何“审视”那些看似已经被探讨了无数遍的“元问题”。首先，我必须承认，初读时我有些被那些复杂的术语和概念所困扰，仿佛进入了一个由专业人士搭建的迷宫。作者似乎对现象学的反思有着特别的偏好，试图从最底层的意识结构去解构艺术的本质。比如，书中对“审美距离”的重新界定，不再是单纯的心理学范畴，而是被置于一个更宏大的本体论框架下讨论。我印象深刻的是，他引述了康德和胡塞尔的观点，然后迅速跳跃到当代符号学，这种跨学科的跳跃速度极快，让人应接不暇。然而，当真正沉下心来，跟随作者的逻辑链条梳理后，会发现这种看似零散的构建，实则意在揭示一个核心论点：元问题之所以为元，恰恰在于其不可被单一理论完全捕获的“多维性”。如果读者期待的是一本轻松愉快的艺术入门读物，那肯定会大失所望；但对于那些痴迷于理论推演、渴望在概念的深水区搏击的学者来说，这本书无疑提供了一张极其详尽的“理论地图”。

读完这本书，我感到了一种智力上的“疲惫”与“满足”交织的奇特体验。它给我的感觉，更像是在攀登一座知识的陡峭山峰，沿途的风景固然壮丽，但每一步都需要精确的计算和坚定的意志力。这本书最引人注目的地方，或许是它对“艺术何为”这一古老命题采取的“解构主义”立场。作者似乎对任何试图给艺术下一个普适性定义的尝试都抱持着一种审慎的怀疑态度。他花费了大量篇幅去剖析语言的局限性在定义艺术边界时的无能为力。我记得其中一个章节专门探讨了“在场感”在数字媒介中的消解与重构，这里面的论述非常精妙，不再满足于传统媒介的感性经验，而是直接进入到信息流和算法控制下的主体感知状态。这种前沿性结合深厚的古典学养，使得全书的论证极具张力。不过，坦白说，书中对某些具体艺术作品的引用略显不足，更多的篇幅还是聚焦于纯粹的概念辩论，这使得一些讨论有时显得过于抽象，脱离了具体的感性实践，对于追求实例佐证的读者来说，可能需要自己去填补这个空白。

我周围的不少朋友对这本书的评价褒贬不一，主要分歧点在于其行文风格——它极其克制，几乎没有情绪化的表达，一切都像是冷静的外科手术刀在切割问题。这种风格造就了其思想的穿透力，但也牺牲了叙事的流畅性。翻开任何一页，你都会看到大量的脚注和交叉引用，仿佛作者在建立一个由哲学思辨构筑的精密网络，每一个节点都必须相互支撑。这本书的真正价值，我认为在于它对“价值判断”本身的审视。它没有直接告诉我们什么是好的艺术，而是深入探讨了“好坏”的判断标准是如何在历史、权力结构和社会共识中被协商和建构起来的。尤其是在讨论“品味”的社会学维度时，作者的分析角度刁钻而犀利，直指那些自以为是的审美精英主义的内在逻辑。这种对“元认知”的关注，使得本书超越了一般的文艺理论，更像是一部关于知识生产机制的批判史。对于那些习惯了直接结论的读者，阅读这本书需要极大的耐心和对复杂逻辑结构的适应能力。

坦率地说，这本书的阅读体验更像是参加了一场高强度的学术研讨会，而不是一次轻松的知识获取。它要求读者不仅要理解作者的论点，还要随时准备好与作者一同挑战那些已经被奉为圭臬的理论假设。我特别欣赏作者在处理“文化身份”与“艺术表达”关系时的谨慎和细致。他没有简单地落入身份政治的陷阱，而是着重分析了身份标签是如何在特定的权力场域中，作用于艺术的生产和流通环节的。书中对后殖民批评理论的吸收和批判性继承，体现了一种成熟的学术姿态——既不盲从，也不全盘否定。最让我印象深刻的是，全书最后落脚于一种“开放的终结”的立场，这意味着这本书本身并不是一个论证的句号，而是一个邀请函，邀请读者带着新的问题进入更深层次的思辨。这本书的价值不在于它提供了多少答案，而在于它成功地塑造了一种追问“为什么是这样”的批判性思维方式，对于严肃的文艺理论研究者而言，它是一份不可多得的参照系。