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出版者:人民音乐出版社

作者:

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:2005-07-01

价格:9.1

装帧:

isbn号码:9787103027837

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具体描述

《古典音乐的脉络与鉴赏：从巴洛克到浪漫主义》内容提要本书旨在为音乐爱好者提供一个全面而深入的古典音乐入门指南，系统梳理了西方音乐自巴洛克时期（约1600年）至浪漫主义晚期（约1900年）近三百年间的主要发展脉络、核心作曲家及其代表作品。我们专注于解析不同历史时期的音乐风格特征、主要的体裁形式（如协奏曲、奏鸣曲、交响曲、歌剧）的演变，并提供详实的听赏建议，帮助读者建立起系统的音乐知识框架，提升对古典音乐的感性理解和理性分析能力。第一部分：巴洛克时期的辉煌与结构（约1600–1750年）本部分聚焦于欧洲音乐史上第一个成熟的、具有高度规范性的艺术音乐时期——巴洛克时期。我们将探讨这一时期音乐的核心精神：对情感的强烈表达、复杂的复调织体以及对音乐“装饰性”的推崇。巴洛克音乐的基石：数字低音与对位法。详细阐述了“通奏低音”（Basso Continuo）在确立和声基础中的关键作用，以及巴赫、亨德尔等人炉火纯青的对位技巧，特别是赋格曲（Fugue）的结构原理和逻辑之美。歌剧的诞生与发展。从佛罗伦萨的“ Camerata”谈起，解析早期歌剧如何借用希腊悲剧的理念，探讨咏叹调（Aria）与宣叙调（Recitative）的功能区分。重点分析蒙特威尔第（Monteverdi）在戏剧音乐塑造上的开创性贡献。协奏曲形式的成熟。分析了“大协奏曲”（Concerto Grosso）与“独奏协奏曲”（Solo Concerto）的区别，重点剖析维瓦尔第（Vivaldi）的《四季》等作品中，如何利用音乐描绘自然景象，体现了早期对“标题音乐”的倾向。两位巨匠的遗产。深入探讨约翰·塞巴斯蒂安·巴赫（J.S. Bach）的音乐如何体现了理性与精神的完美统一，其作品在对位法上的集大成地位；以及乔治·弗里德里克·亨德尔（G.F. Handel）的清唱剧（Oratorio）艺术，特别是《弥赛亚》中合唱段落的恢宏气势和戏剧张力。第二部分：古典主义的清晰与平衡（约1750–1820年）本部分着眼于音乐从巴洛克繁复转向古典主义的清晰、对称和结构化。这一时期的音乐追求“自然”的和谐，强调旋律的清晰性和乐章结构的形式感。洛可可与“前古典”风格的过渡。简要介绍“转向风格”（Empfindsamer Stil）的出现，为古典主义的简洁性做了铺垫。奏鸣曲式（Sonata Form）的黄金时代。详细分解奏鸣曲式的呈示部、展开部和再现部的内在逻辑。本章是理解海顿、莫扎特、贝多芬早期作品的关键。交响曲的规范化。分析交响曲（Symphony）如何固定为四乐章结构，并确立了管弦乐队的标准编制。重点研究海顿（Haydn）如何被誉为“交响曲之父”，及其在幽默感和结构创新上的贡献。莫扎特：旋律的天才。探讨沃尔夫冈·阿马德乌斯·莫扎特（W.A. Mozart）音乐中无与伦比的旋律天赋、歌剧创作的巅峰成就（如《费加罗的婚礼》），以及他在协奏曲写作中对独奏乐器与乐队间对话的精妙处理。第三部分：贝多芬的桥梁与革命路德维希·凡·贝多芬（L. van Beethoven）被视为连接古典主义与浪漫主义的关键人物。本章专门探讨他如何打破古典主义的界限，将个人意志和英雄主义精神注入音乐。从古典到英雄。分析贝多芬早期作品（受海顿、莫扎特影响）到中期“英雄时期”的转变，特别是《第三交响曲“英雄”》在规模和精神深度上的突破。创新与突破。探讨贝多芬如何拓展奏鸣曲式、引入更具个人色彩的慢板乐章，以及晚期作品中对纯粹精神世界的探索，例如《第九交响曲》中人声的引入。第四部分：浪漫主义的激情与个性解放（约1820–1900年）浪漫主义时期，音乐的重心从客观的形式美转向主观的情感体验、对自然、历史、民间传说和超自然现象的迷恋。艺术歌曲的兴起。重点解析舒伯特（Schubert）、舒曼（Schumann）等如何利用钢琴伴奏，将诗歌的意境与音乐完美融合，创造出“艺术歌曲”（Lied）这一小型而精致的体裁。标题音乐的崛起。考察李斯特（Liszt）开创的“交响诗”（Symphonic Poem），分析其如何用单乐章形式讲述复杂的文学或哲学故事。浪漫主义交响乐的深化。研究勃拉姆斯（Brahms）如何继承贝多芬的严肃性，在结构上保持古典主义的严谨，同时注入深沉的德奥浪漫情怀；对比于德彪西（Tchaikovsky）作品中更外放、更具戏剧性的情感表达。民族乐派的兴起。探讨十九世纪中后期，如俄国的“五人强力集团”以及捷克的德沃夏克（Dvořák），如何从本民族的民间音乐和舞蹈中汲取灵感，形成了具有鲜明地域色彩的音乐语言。歌剧的巅峰：威尔第与瓦格纳。比较意大利“美声”传统（Verdi）与德语“乐剧”（Music Drama）思想（Wagner）的根本差异。解析瓦格纳的“主导动机”（Leitmotif）系统及其对后世音乐的深远影响。附录：音乐鉴赏实用指南本部分提供具体工具，帮助读者将理论知识应用于实际听赏： 1. 管弦乐队的构成与音色辨识：介绍弦乐、木管、铜管和打击乐组的功能，以及在不同时期配器法的变化。 2. 术语速查手册：解释常用的速度术语（如 Allegro, Adagio）和力度术语（如 Piano, Forte），以及表情术语（如 Dolce, Con fuoco）。 3. 推荐聆听曲目清单：分时期、分体裁提供入门必听的五至十部作品，并附带简短的聆赏要点。本书力求以清晰的逻辑、丰富的案例和深入的分析，引导读者穿越时空，感受从巴洛克严谨的理性到浪漫主义奔放的激情所带来的音乐震撼。它不仅仅是一本音乐史的概述，更是一份通往音乐殿堂的邀请函。

作者简介

目录信息

读后感

评分☆☆☆☆☆

用户评价

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计实在让人眼前一亮，那种沉稳又不失雅致的色彩搭配，以及封面上精心挑选的字体，都透露出一种对艺术本身的敬畏感。我记得我第一次在书店看到它的时候，仅仅是触摸到封面那种略带纹理的纸张质感，就已经被深深吸引住了。内页的排版也极为考究，留白恰到好处，使得即便是大段的文字论述，读起来也不会感到压抑和疲惫。特别是那些需要配图的章节，印刷的清晰度和色彩的还原度简直达到了一个令人赞叹的水平，那些抽象的线条和复杂的色彩过渡，在纸面上得到了完美的呈现，仿佛触手可及。翻阅的过程中，我能感受到设计者对于“阅读体验”的极致追求，这不仅仅是一本工具书或教材，更像是一件值得收藏的艺术品。这种对细节的把控，无疑为读者构建了一个进入艺术世界的优雅入口，让人在阅读之前就已经心生欢喜和期待，为接下来的学习奠定了非常愉悦的基调。

评分☆☆☆☆☆

这本书的逻辑梳理和知识结构的搭建，展现了作者深厚的学术功底和高超的教学智慧。它不像某些教材那样堆砌概念，而是像一位经验丰富的向导，引导读者逐步深入到纷繁复杂的艺术理论海洋之中。从最基础的听觉感知训练，到深入剖析不同历史时期音乐风格的演变脉络，每一步的过渡都衔接得自然流畅，毫无跳跃感。作者巧妙地运用了大量的类比和情景再现的手法，将那些抽象的音乐术语和理论，转化成了生活中可感可触的经验，极大地降低了初学者的理解门槛。我尤其欣赏它在处理不同音乐流派冲突和融合时的中立和客观态度，既不偏袒古典的严谨，也不盲目追捧现代的先锋，而是力求展现艺术发展的完整图景。这种平衡的视角，使得读者在建立自己音乐审美框架时，能够拥有更加全面和坚实的基础。

评分☆☆☆☆☆

作为一名业余音乐爱好者，我发现这本书最难能可贵的一点在于其“可操作性”和“实践性”。它不仅仅停留在理论的阐述上，更像是提供了一套行之有效的耳朵训练手册。书中穿插的那些小练习和引导性提问，迫使我必须放下书本，去主动聆听我平时可能忽略的音乐细节。比如，书中关于织体密度的分析，让我开始有意识地去分辨乐团中不同声部之间的相互关系，而不是仅仅接收到一团和谐的声音。这种从“被动接受”到“主动探索”的转变，是任何纯理论书籍难以企及的。通过书中的建议，我尝试去追踪一段旋律在线条中的起伏变化，去感受和弦色彩的微妙转换，这极大地丰富了我对音乐的感知维度。可以说，这本书真正做到了将理论知识内化为一种实用的、可以随时调用的欣赏能力。

评分☆☆☆☆☆

这本书的语言风格是如此的富有感染力，读起来简直就像是与一位学识渊博、谈吐风趣的导师进行私密的交谈。它没有使用那种拒人于千里之外的学院腔调，反而充满了热情和对美的真诚赞美。那些描述音乐体验的词汇，精准而富有画面感，让人仿佛身临其境地站在了音乐厅中央。作者在阐述一些复杂的美学观点时，总能找到最贴切的比喻，将深奥的哲学思考巧妙地融入到具体的音乐实例分析之中，使得原本可能枯燥的论证过程，变成了一场充满智慧火花的思想漫步。这种流畅、充满生命力的文字，极大地激发了读者的求知欲，让人完全沉浸其中，甚至忘记了时间，只想一口气读完，去探寻作者接下来会如何揭示下一层音乐的奥秘。

评分☆☆☆☆☆

深度挖掘这本书的价值，你会发现它在历史脉络的勾勒上极其精妙，堪称一部浓缩的音乐发展史。作者没有简单地罗列作曲家及其作品，而是着重分析了社会背景、技术革新以及哲学思潮是如何共同塑造了特定时期的音乐语言。例如，书中对于巴洛克时期复调音乐的形成，如何与当时严密的社会结构和宗教思想相呼应的论述，就极其深刻。它清晰地展示了音乐作为时代精神载体的功能，使得我们理解音乐不再是孤立的听觉现象，而是与人类文明进程紧密交织的文化产物。这种宏大的叙事结构，帮助我建立起了一个清晰的坐标系，让我能够更准确地定位某一首作品在整个音乐史上的位置及其贡献，极大地提升了欣赏的层次感和历史厚度。

评分☆☆☆☆☆