吉他弹唱同一首歌

出版者:同心出版社

作者:乐海

页数:330

出版时间:2005-9

价格:30.80元

装帧:简裝本

isbn号码:9787805936598

具体描述

央视著名音乐品牌《同一首歌》，近年几乎唱红了神州大地，一场场大型音乐会引起了一场场轰动。《同一首歌》自2000年春节创办以来，就以新颖的模式、精彩的内容牢牢吸引着观众的眼球。在“文化品牌商品化”理念的打造下，《同一首歌》的规模、阵容、形式、制作等方面始终处于不断发展变化之中，人气指数连攀新高，并以其独具特色的系列演唱会和编播国内外音乐媒介提供的高水准演唱会，逐渐成为央视乃至中国乐坛上的一块“黄金招牌”。

《同一首歌》荟萃国内外歌坛的明星、新秀和一流的艺术家，重新演绎脍炙人口的优秀歌典，内容涵盖中外经典、名人名曲，既有老歌翻唱，又有原人原唱，贯穿传统与现代，引领怀旧与时尚。为了让《同一首歌》的经典歌曲更快更好地流传下去，我们特意选编了一部分优秀曲目，并分成流行篇、经典篇、情歌篇三部分，涵盖《同一首歌》诸多风格，使您不费吹灰之力，就能找到自己喜欢的歌曲。希望本书为您带来弹唱便利的同时，也为您带来愉悦精神享受。

用户评价

这本书的行文风格非常洒脱，充满了生活气息，让人感觉作者并不是坐在书房里凭空想象，而是真实地站在聚光灯下，将自己的汗水和快乐一并倾倒出来。书中多次提到“在旅途中写下的片段”，这使得整本书的基调是流动的、未完成的，这与吉他演奏本身的状态是高度一致的。我个人非常欣赏作者在处理“对过去的致敬与超越”这一主题时的成熟和克制。他提到了许多经典曲目的影响，但绝不是简单地模仿或复述，而是着重分析了这些经典是如何打破陈规，为后来的音乐家铺平道路的。这种对“创新精神”的强调，激励我不要被既定的和弦走向所束缚。这本书的缺点可能在于，它对初学者可能门槛稍高，因为它假定读者已经掌握了基础的乐理知识，并且有了一定的舞台经验。但对于我这种在瓶颈期挣扎多年的“老手”而言，它犹如一剂强心针，让人重新燃起了对音乐最纯粹的热爱和探索欲。

这本书的封面设计着实抓人眼球，那种略带复古的油画质感，配上几个音符散落其间的布局，让人一眼就能感受到其中蕴含的音乐气息。我原本以为这会是一本专注于某种特定曲风的深度剖析，毕竟“同一首歌”这个名字听起来就有一种情怀在里面。然而，翻开内页，我发现它的内容远比我想象的要丰富和多元。它不像那些教科书那样枯燥地罗列指法和乐理，反而更像是一位资深乐手在跟你娓娓道来他多年来的舞台经验和心路历程。作者对于情感的捕捉极其敏锐，能将那些最细微的、只有真正拿起吉他的人才能体会的到挫折与欣喜描绘得淋漓尽致。比如，书中有一段关于如何处理一个和弦转换时的“粘滞感”的描述，那种从理论上的完美到实际操作中的卡顿，被他用了一种近乎文学化的语言表达了出来，读完让人会心一笑，仿佛自己的困惑被这位前辈完全理解了。这本书的叙事节奏把握得非常好，时而激昂，时而沉静，就像一首精心编排的组曲，引人入胜，让人忍不住想一口气读完，去探寻作者究竟如何将那些看似简单的旋律，演奏出震撼人心的力量。

我必须承认，这本书的装帧和纸张质量让人感觉非常“实在”，这年头很多书都是轻飘飘的，但这本书拿在手里很有分量感，似乎预示着内容的沉甸甸。我最喜欢的部分是其中关于“现场即兴”的哲学探讨。作者将即兴比喻成一场与听众的“共谋”，强调了建立在信任基础上的音乐对话的重要性。他没有给出任何“即兴万能公式”，而是提供了一系列的心态调整方法，比如如何在高压环境下保持“清零”的心态，如何从听众的反应中汲取能量，而不是被他们的沉默所吞噬。其中有一篇关于“麦克风收音技巧”的随笔，它不是从物理学角度讲解，而是从“捕捉听众的呼吸”的角度出发，描述了如何通过调整麦克风的角度，来影响听众对演奏者情绪的感知。这种高度个体化的、体验至上的描述，使得这本书的价值远远超越了一本普通的吉他指南。它更像是一本关于如何将自己完全交付给音乐的宣言。

我拿到这本书时，其实是带着一丝怀疑的，毕竟市面上关于吉他的书籍汗牛充栋，真正能让人有所突破的凤毛麟角。我更关注的是那些实战技巧，比如如何快速建立舞台掌控力，或者如何为一首老歌注入新的灵魂。这本书的独特之处在于，它似乎并不急于教你“如何弹”，而是先让你“如何听”和“如何感受”。作者似乎花了大量的篇幅在探讨“音乐的语境”——同样的几个音符，在不同的心境下，弹奏出来的感觉会天差地别。我尤其欣赏其中对于“留白”艺术的探讨，这一点在很多速成的教学资料中是缺失的。他详细分析了为什么有时候少弹一个音符，反而能让整段旋律更加动听，这种对“不作为”的精妙运用，让我的演奏思路一下子开阔了许多。这本书的排版也十分用心，大段的文字中穿插着一些手写体的笔记和随笔，这些零散的片段像是作者不经意间流露出的“心法”，虽然不构成系统的理论，但对于理解演奏者深层次的意图却是至关重要的补充。总的来说，它提供的是一种思维方式，而非一套固定的公式。

这本书的阅读体验，更像是一场与一位博学多才的音乐教授的私人访谈。我注意到作者在很多地方都引用了古典音乐的理论来佐证他在流行音乐中的观点，这种跨界的融合，极大地拓宽了我的视野。我原以为这会显得晦涩难懂，但作者的语言组织能力极强，他总能找到最贴切的比喻，将复杂的概念变得通俗易懂。比如，他对“节奏律动”的解析，竟然用到了建筑学的结构稳定原理，这种创新性的类比让我印象极其深刻。我读到有关“如何与乐队其他成员进行眼神交流和呼吸同步”的那一章时，几乎是立刻起身，对着镜子练习起来，那种对非语言交流的强调，在任何技术手册里都是罕见的。这本书没有提供任何一首完整的曲谱，这一点可能会让一些初学者感到失望，但对于有一定基础，渴望提升自己“音乐性”的演奏者来说，这简直是如获至宝。它迫使你放下对速成的执念，转而去挖掘音符背后的情感深度和人际互动艺术。