具体描述
本书是20世纪西方美学一个重要流派——符号学美学的代表作之一。《艺术问题》与《情感与形式》是朗格集中阐述其美学思想的主要著作，共同指向她独创的最重要的美学命题，即将艺术定义为“人类情感的符号形式的创造”。《艺术问题》从这一理论基础出发，提出艺术应当表现“生命的逻辑形式”，并将这种生命形式的基本特点概括为有机性、运动性、节奏性和不断成长性，进而认为艺术创造应当把握这些特征、自觉运用艺术直觉捕捉艺术形式与生命的逻辑形式之间的“象征性联系”，创造出“与情感和生命的形式相一致”的“有意味的形式”，即幻象符号。和《情感与形式》的系统论述不同，《艺术问题》由十篇演讲稿构成，易于理解。
作者简介
目录信息
读后感
第一讲 动态形象——对舞蹈的一些哲学探讨 哲学研究不同于一般的科学事实研究，后者假定了若干已达到共识的概念，在此基础上进行定性、定量分析。哲学则是对概念本身的研究，并要借助逻辑分析手法，而得到的结果往往是模糊含混的。中心问题的确定对哲学而言十分重要，因为中心...
评分由于专业开设了艺术概论的课程，我去图书馆找了艺术问题作为课外补充。本书给我们谈论的是艺术的几个基本问题：艺术的概念，艺术的表现形式，艺术能被人感知的原因，艺术给人们的审美价值等等。这些以前都不知道的，最主要的是本书是以讲座的形式为我们娓娓道来，讲的鞭...
评分第一讲 动态形象——对舞蹈的一些哲学探讨 哲学研究不同于一般的科学事实研究，后者假定了若干已达到共识的概念，在此基础上进行定性、定量分析。哲学则是对概念本身的研究，并要借助逻辑分析手法，而得到的结果往往是模糊含混的。中心问题的确定对哲学而言十分重要，因为中心...
评分第一讲 动态形象——对舞蹈的一些哲学探讨 哲学研究不同于一般的科学事实研究，后者假定了若干已达到共识的概念，在此基础上进行定性、定量分析。哲学则是对概念本身的研究，并要借助逻辑分析手法，而得到的结果往往是模糊含混的。中心问题的确定对哲学而言十分重要，因为中心...
评分由于专业开设了艺术概论的课程，我去图书馆找了艺术问题作为课外补充。本书给我们谈论的是艺术的几个基本问题：艺术的概念，艺术的表现形式，艺术能被人感知的原因，艺术给人们的审美价值等等。这些以前都不知道的，最主要的是本书是以讲座的形式为我们娓娓道来，讲的鞭...
用户评价
这本书在处理“观众接受”这个环节时，其视角显得尤为独特，甚至可以说，是出乎意料地“古典”。我原以为在当代语境下，作者会对数字媒介的传播、观众主体性的碎片化进行深入探讨，毕竟这些都是影响我们今日审美的关键变量。不料，书中大部分的篇幅仍旧围绕着传统的观看经验展开，聚焦于凝视、距离感以及空间中的在场性。作者对“观看”行为的分析，尽管在本体论层面上十分深刻，但却明显滞后于当下的技术现实。读起来，我仿佛被邀请参加了一场关于文艺复兴壁画的研讨会，而非探讨当下互动装置艺术的研讨。这种“与时代脱节”的观感是持续性的，它让我不断地在思考：作者是故意选择忽略这些新兴议题，以保持其理论的纯粹性，还是根本就没有触及到这些领域？书中对视觉文化（Visual Culture）的论述显得非常保守，它似乎固执地坚守着“高艺术”与“低艺术”之间那条日益模糊的界线，并通过复杂的理论将其加固。对于那些试图在日常图像泛滥中寻找立足点的读者来说，这本书提供的帮助是有限的，它更像是一份关于“如何审慎地看待过去”的指南，而非“如何积极地参与现在”的行动手册。它的专业性无可挑剔，但其对当前语境的回应力度略显不足，让读者在合上书本时，感到思绪仍然停留在那个精致而封闭的象牙塔内。
评分这本书的书名光是读起来就带着一股难以言喻的、仿佛要直击本质的重量感，我满怀期待地翻开它，希望能在那些精妙的论述中，找到一些关于“美”与“创作”的全新视角。然而，读完之后，我的感受如同经历了一场漫长而曲折的迷宫探险，出口似乎总在不远处，却又总被一堵由复杂概念构筑的墙壁挡住。作者的文字功底毋庸置疑，那些对艺术史脉络梳理的细致入微，以及对特定流派起源的追溯，都展现出扎实的学术功底。但问题在于，当文本逐渐深入到对艺术本体论的探讨时，那种面向读者的温度感便开始迅速消退，取而代之的是一种近乎冷峻的哲学思辨。我试图跟随作者的逻辑链条，试图理解他如何将现象学的观察与结构主义的分析巧妙地编织在一起，但在某些关键的转折点上，这种连接显得过于跳跃和内敛，仿佛只有对相关领域有极高造诣的“内部人士”才能完全领会其深意。整本书的节奏也显得有些不均衡，前半部分对具体案例的分析生动有力，充满了图像的张力，让人仿佛能触摸到颜料的质感；可一旦进入后半部分，笔锋就急转直下，转向了纯粹的符号学解读，语言变得愈发晦涩，大量的术语堆砌，使得原本流畅的阅读体验变得磕磕绊绊，像是在试图用一把生锈的钥匙开启一扇上锁的知识之门，光是拧动钥匙的动作本身，就耗费了极大的心力。总而言之，这本书无疑是智慧的结晶，但它更像是一份献给专业领域同行的深度研讨报告，而非面向广大艺术爱好者的、能够引发全民热烈讨论的公共性文本。
评分当我打开这本书时，我期待的是一场充满激情的辩论，是对于陈规的挑战，是那种能够让我拍案而起的、对现有艺术范式的颠覆性批判。我渴望看到作者如何撕开那些华丽的表象，直指艺术创作背后的社会动因或心理阴影。然而，这本书更像是一座维护既有秩序的“学术堡垒”。作者的笔调是审慎的、极为克制的，他更专注于对已有理论的精修细补，而非大胆的突破。书中对于“风格”的界定时，采取了一种近乎病理学的分类方法，将艺术史上的所有“运动”都纳入到一个宏大的、由“形而上学预设”所决定的坐标系中进行定位。这种做法的后果是，艺术品似乎失去了它们最迷人的地方——那种突如其来的、不可预测的、甚至有些“冒犯性”的创造力。一切都被纳入了必然性之中，历史的走向仿佛是被写好的剧本。这种“宿命论”的倾向，让我这个倾向于浪漫主义的读者感到有些透不过气。我读不到那种艺术家在创作瞬间的挣扎、犹豫和最终的释然，一切都被提炼成了纯粹的逻辑推演结果。这本书的价值在于其严谨性，但它也因此牺牲了艺术最引人入胜的“偶然性”和“生命力”。它让我更理解“为什么它们看起来是这样”，但却很少能告诉我“它们为什么会诞生”。
评分说实话，这本书的装帧设计和排版给我留下了非常深刻的第一印象，它那种厚重、沉静的墨黑与象牙白之间的对比，预示着某种严肃而典雅的内容。我原本以为这会是一部探讨艺术品“物性”与“物质性”的佳作，也许会深入剖析材料本身的哲学意涵，或者追溯媒介在历史演变中的权力转移。然而，书中的焦点似乎完全置于“观念”的王国。作者对“再现”与“在场”的辩证分析，占据了大量篇幅，这部分内容极具挑战性，因为它要求读者不断地在具象与抽象之间进行高速的思维切换。每一次我以为自己把握住了他关于“光线如何成为意义”的论断时，他总能用一个看似毫不相干的文化符号跳出来，将我原本建立起来的理解框架彻底推翻。这本书的语言风格尤其值得一提，它有一种令人敬畏的冗长和回旋。作者很少使用短句，往往一个复合句可以占据半页篇幅，句法结构复杂到需要我大声朗读才能理清主谓宾之间的层级关系。这使得阅读过程变成了一种近乎冥想式的、极度专注的体力劳动。我不得不承认，在那些需要反复研读的段落中，我偶尔会感到一种“被淹没”的无力感，不是因为内容太难理解，而是因为作者的表达方式本身构成了一种强大的阻力。这本书更像是一部为已故哲学家所写的“纪念碑”，旨在确立其思想地位，而不是作为一本可以轻松翻阅、享受阅读乐趣的读物。
评分初次接触这本书，我的期待其实非常朴素：我渴望得到一些能够指导我日常审美实践的“工具箱”式的见解，或许是关于如何区分高雅艺术与通俗文化的分野，或者是一些实用性的鉴赏指南。这本书带给我的体验，更像是一场在思想的云端进行的、令人眩晕的漫游。作者似乎对“实用”二字嗤之以鼻，他似乎更热衷于构建一个宏大而自洽的理论体系，在这个体系中，每一个概念都必须服务于最终那个宏伟的哲学目标。书中的论述如同精密的钟表构造，每一个齿轮——无论是关于感知、意向性还是时间的非线性流逝——都必须完美啮合，才能驱动那个庞大的“真理机器”运转。然而，这种极致的体系化反而带来了一种疏离感。我时常会停下来，合上书本，凝视着手边那幅我深爱的画作，试图将书中的晦涩理论强行套用上去，结果往往是理论的坚硬棱角与艺术作品的柔性肌理产生了剧烈的摩擦，非但没有增进理解，反而破坏了原有的愉悦体验。最让我感到困惑的是，书中对“审美判断”的探讨，虽然极其详尽地描摹了判断的心理过程，却几乎没有提供任何可以用来“实践”的锚点。读完后，我更像是学会了一套全新的“修辞学”来描述我正在观看的东西，而不是真正地“看懂”了它。这本书的深度毋庸置疑，它挑战了读者的智力极限，但它也似乎刻意地设置了高高的门槛，将那些只求获得片刻灵感和情感共鸣的读者，温柔而坚定地挡在了门外。
评分因为是女美学家
评分好讨厌它。痛苦的回忆，不过有些还是很不错的。
评分干嘛加那么多中国古代艺术品插图……
评分创造一种诉诸知觉的表现性形式，是艺术的原则。
评分创造一种诉诸知觉的表现性形式，是艺术的原则。
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