中国画造型

出版者:岭南美术出版社

作者:莫各伯

页数:76

出版时间:2005-9

价格:33.00元

装帧:简裝本

isbn号码:9787536230668

具体描述

为什么叫“造型”而不叫“造形”？“形”与“型”是不同的，形只是一个平面的轮廓外形，而“型”则是经过笔墨、色彩塑造综合成型的一种要求“形神兼备”的形象。所以“造型”的问题不仅仅是对“形”的把握，还包括对“形”、“神”的认知，对“形”的提练与概括。“造型”是一种提升，是对“形”与“神”的综合塑与传达。

“造型”问题，是中国画的一个重要课题，可惜理论家们对这个问题探讨得不多。本书试图从中国画的造型观念、中国画的各种造型手段、中国画各门主要画科中的造型实例分析以及造型提炼问题、艺术风格问题等不同的层面加以探讨，尽量切入实际，尽量把这个问题探讨得深入些、细致些。这种建设性的研究比泛泛的空谈也许会对读者更有实际的帮助。

用户评价

我本来是希望这本书能够深入剖析不同画科（山水、花鸟、人物）在造型处理上的核心区别和共性规律。比如，学习如何用寥寥几笔勾勒出竹子的风骨，或者如何通过墨色的层次变化表现山峦的厚重感。然而，这本书的结构安排显得非常跳跃和零散，缺乏一个清晰的主线索来贯穿始终。一会儿讨论的是古代画论中关于“气韵生动”的解读，一会儿又突然插入一章关于历代名家印章的排列方式。更让我感到挫败的是，在讲解具体造型技巧时，很多关键的步骤被一笔带过，而配图也显得不够精良和清晰。很多古画的局部放大图看不出细节，关键的运笔轨迹也模糊不清，这对于需要对照学习的读者来说，简直是灾难性的。我翻阅了多个章节，试图寻找一个关于如何处理复杂群体造型（比如人群或密林）的系统性方法论，但最终只找到了一些关于“疏密对比”的笼统论述。这本书更像是对中国绘画史中一些零散的造型案例的随笔式记录，而不是一本系统梳理和传授造型方法的工具书。它更适合已经有一定基础，想要进行理论拓展的学者，对于我这种急需掌握具体技法的人来说，实用性着实不高。

这本《中国画造型》的装帧设计倒是挺有意思，纸张的质感摸上去挺舒服，印刷的色彩也比较饱满。我本来是想找一本关于传统中国画笔墨技法，比如皴法、点苔这些硬核干货的书籍，希望能系统地学习一下如何驾驭毛笔的力度和墨色的浓淡变化。结果翻开这本书，发现它更侧重于对“形”的探讨，里面大量的篇幅似乎都在分析古代山水、花鸟画中物象的结构和比例关系，甚至涉及到一些几何学的概念在构图中的运用。这倒不是说它不好，只是与我最初的预期有所出入。我花了好大力气才在一堆关于“势”与“意”的论述中，找到一些关于如何用线条勾勒出主体轮廓的章节，但讲解方式显得有些抽象和理论化，缺乏那种手把手教你“起笔、行笔、收笔”的具体示范。比如讲到“S”形曲线在表现山石的“动势”时，作者用了好几页纸来阐述其哲学渊源，而真正展示如何用饱满的墨线快速勾勒出嶙峋怪石的范例却少得可怜。对于一个初学者来说，这种“重理论轻实践”的编排方式，使得学习过程多少有些晦涩难懂，我更希望看到的是大量不同角度、不同体量的实例解析，而不是对抽象美学概念的穷尽式探讨。总的来说，它更像是一本艺术理论家的深度研究报告，而不是一本面向绘画爱好者的实用教材。

这本书的选材非常偏门，我感觉作者的兴趣点似乎集中在那些极度小众的、非主流的中国画流派上。举个例子，书中花费了近三分之一的篇幅去分析一种我从未听说过的、主要流行于明代某个小镇的“折枝花卉”的造型特点，其造型手法似乎与我们通常学习的恽寿平或吴昌硕的风格大相径庭。这种对特定风格的过度聚焦，导致了对更具代表性、更广为流传的造型体系的覆盖不足。例如，对于工笔重彩人物画中复杂的衣纹处理、晕染技巧，这本书几乎一笔带过，仿佛这些主流的造型方法不值得深入探讨。更令人费解的是，全书的参考文献列表非常奇特，引用了很多晦涩的古籍，但却完全没有提及任何当代著名国画大师的造型研究成果，这使得整本书的论证体系显得有些脱离了现代读者的认知基础。我感觉像是在阅读一份为某个特定学术圈子准备的内部报告，而不是一本面向大众的、希望帮助读者建立起全面造型认知的基础读物。对于一个希望全面了解中国画造型体系的爱好者来说，这本书提供的知识结构显得头重脚轻，重点偏移。

拿到这本书后，我最直观的感受是，它似乎更倾向于从西方古典艺术透视学的角度来解构中国画的“造型”问题。这让我感到非常困惑，因为我一直认为中国画的精髓在于“散点透视”和“高远、平远、深远”的空间处理，强调的是主观感受和意境的营造，而非严格的焦点透视。书中花了大量的篇幅去讨论“黄金分割”在古典仕女画人物比例中的应用，以及如何运用光影效果来增强画面的体积感——这部分内容读起来，我总觉得它更像是在讲解文艺复兴时期的素描教程，而非探讨中国画独特的造型语言。例如，在解析某幅宋代人物画时，作者对人物五官的精确距离进行了毫米级的分析，试图找出其符合某种数学规律的“完美造型”，但却忽略了中国画中那种“传神写照”的写意精神，那种略带夸张、寓意深远的笔触。我期待的是理解如何用“线”本身来承载结构和精神，而不是用类似解剖学或几何学的方法去“套用”一个外来的造型标准。这本书对我来说，最大的价值可能在于提供了一个全新的、可能有些偏离主流的视角，但作为一本旨在教授中国画造型的书籍，它似乎没有把重点放在如何掌握那支决定了中国画风格的毛笔上，反而花了太多笔墨在那些我不太关心的“量化分析”上。

读完这本书的后半部分，我感觉作者似乎在努力地将中国画的造型提升到一种形而上的哲学高度，使得阅读体验变得非常“虚”。比如，他将“造型”定义为对宇宙万物间“阴阳平衡”状态的捕捉，要求读者在落笔前必须先在心中构建起一套完整的宇宙观。这对于提升境界固然有益，但在我最需要知道“如何下笔”的时候，这种哲学思辨就显得过于沉重了。我希望看到的，是更贴近于实际操作的指导，比如如何根据不同纸张的吸墨性来调整笔锋的干湿程度，从而影响线条的粗细变化；或者在绘制大型瀑布时，如何通过连续性的水分控制来表现水流的动感和质感。这本书里，对这些具体的、决定成败的“手感”和“技巧”的描述少之又少。取而代之的是大量的引经据典，不断地引用老庄思想来解释为什么一棵松树的枝干要那样弯曲。如果说造型是骨架，那么技法就是血肉，这本书似乎只提供了对骨架形态的哲学思考，却完全忽略了如何填充血肉的过程。我合上书本，感觉自己对“什么是造型”的理解似乎加深了，但我的笔依然不知道该如何准确地落在宣纸上。