速写技法研究与训练

作者:陈旭

页数:93

出版时间:2003-10

价格:29.00元

isbn号码:9787531430674

具体描述

《速写技法研究与训练》内容简介：翻开画卷，大师们的素描作品，大多以速写形式出现。因此，教师们常常为找不到适合于教学的素描范本而困惑。其实，从画种分类角度看，只要是用单色材料作画，便可称作素描，无须从作画时间长短，或是风格简洁与繁复为标准再作难度更大的区分。但在我国美术学院的造型基础教学中，素描与速写却有各自独立的涵义和不同的训练要求，从教学角度看又有合理的一面与积极意义。

陈旭先生是一位颇具实力的青年教师，十几年来一直从事专业基础教学工作，特别是对速写有深入研究。他倾注心血编写的这本书图文并茂，内容丰富而深入浅出，意在有助于热爱艺术的读者。

用户评价

这本书在材料应用和介质选择上的探讨，展现了作者广博的知识面，这一点我必须给予肯定。书中用了相当大的篇幅来比较不同类型纸张（从日式麻纸到意大利手工纸）的吸水性和肌理对最终画面效果的影响，甚至深入到了不同品牌铅笔芯（如HB到9B）的石墨成分差异如何影响线条的松紧度。这些细节的探讨，确实体现了对“研究”二字的认真态度。然而，这种对“材料考据”的痴迷，似乎稍微分散了对“核心技法”的关注。比如，当我们花了大量时间去了解哪种橡皮擦的塑形能力最强时，我们真正需要的——比如如何通过快速观察，在五分钟内完成对复杂建筑群的结构简化——却几乎没有被涉及。这本书更像是为一位已经拥有工作室和大量顶级材料储备的艺术家准备的“高级定制指南”，而非面向大众、强调通用性和适应性的“训练手册”。它的深度令人钦佩，但其广度在实用性上显得有些失衡。

我购买这本书的初衷是希望能找到一套系统化、循序渐进的速写训练体系，最好能有大量的范例和针对性练习来纠正我长期以来“画得僵硬”的问题。这本书确实提供了一些“范例”，但它们更像是博物馆藏品的高清复制品，配有的文字说明，与其说是“技法指导”，不如说是对原作创作背景的文学性解读。比如，书中展示了一幅描绘街头市井生活的速写，文字描述洋洋洒洒地赞美了画面中人物动态的“瞬间性”和“生命力”，但对于如何用三笔两画快速概括人物的重心、动态线和主要体块的方法却只字未提。整本书给人的感觉是，作者已经站在了极高的艺术成就之上，以一种俯视的姿态在“鉴赏”和“解构”艺术，而非“传授”如何从零开始构建技艺。这对于初学者或者希望快速提升硬技能的实践者来说，无疑是一种阅读上的挫败感。它更适合那些已经具备扎实基础，正在寻求提升自己审美境界和理论深度的进阶者，作为一本拓展视野的参考书。

这本书的装帧质量实在让人不敢恭维，纸张的磅数偏薄，内页的印刷墨色控制也显得有些粗糙，尤其是那些需要精确线条表现的示范图例，边缘经常有轻微的洇墨现象，这对于一本强调“技法”的书籍来说，简直是致命的硬伤。我本来想参考其中的线条变化来调整我自己的练习，结果不得不将亮度调到最高，才能勉强分辨出一些细微的层次过渡。更让我失望的是，这本书似乎更像是一本理论汇编，而不是一本实用的“训练”手册。内容结构上，它将大量的篇幅放在了对古人手稿的理论分析和哲学思辨上，例如对“气韵生动”在不同历史阶段的解释演变，占了全书近三分之一的篇幅。而真正的动手环节，比如如何通过具体的练习来培养对物体结构的快速捕捉能力，或者不同媒介（炭条、铅笔、钢笔）在不同介质（纸张、布面）上的表现差异对比，这些本应是“训练”核心的内容，却被一笔带过，显得非常单薄和草率。读完感觉像是在听一场精彩的艺术史讲座，但手边却找不到可以立即上手的练习册。

这本书的结构安排非常具有个人特色，甚至可以说带着强烈的作者的个人印记和研究倾向，这让它在同类书籍中显得独树一帜。作者似乎对透视学和光影理论抱有一种近乎偏执的探究欲，书中花了整整五章的篇幅去拆解和重构文艺复兴时期，特别是达芬奇和丢勒关于精确解剖学与几何投影的研究成果。他试图建立一个全新的、融合了现代光学原理的“视觉捕捉模型”，并用大量复杂的数学公式和工程学图表来辅助说明。坦率地说，对于像我这样背景并非艺术科班出身的读者来说，这部分的阅读门槛极高，许多专业术语和公式推导需要反复查阅才能勉强理解其用意。不过，一旦你克服了最初的认知障碍，会发现作者试图打通“科学”与“艺术”壁垒的努力是极其深刻和有价值的。它提供的不是简单的“怎么画”，而是“为什么这样画才能达到视觉上的真实与和谐”，这种深层次的追问，无疑将读者的思考维度提升了一个层次，可惜的是，这种高度抽象的理论对于日常的创作提升似乎帮助有限，更像是一部学术专著。

这本书的封面设计倒是很吸引眼球，那种略带复古的米黄色纸张质感，配上醒目的深蓝色标题，让人在书店里一眼就能注意到。我原本以为这会是一本专注于西方古典素描或者油画基础理论的专业教材，毕竟“技法研究”这几个字听起来就挺硬核的。然而，当我翻开第一页，引入眼帘的却是大量关于东方水墨写意画的历史脉络梳理，特别是对明清时期文人画中“写意”精神的探讨，这让我感到有些意外的惊喜。作者似乎花了大量的篇幅去论述“形神兼备”的哲学内涵，而不是直接进入到如何握笔、排线这些基础操作层面。比如，书中有一章专门剖析了董其昌“一笔画”背后的空间结构与笔墨关系，分析得极其细致入微，甚至牵扯到了当时的士大夫阶层审美取向的变迁。这种由宏观的文化背景切入微观的笔墨细节的写作手法，虽然内容厚重，但阅读起来却像是在听一位老教授娓娓道来，节奏舒缓，信息密度却非常高。对于我这种偏爱理论深度而非速成指南的读者来说，这种探寻艺术灵魂的叙事方式，无疑是更具吸引力的。