The Grammar of Ornament

作者:Jones, Owen

页数:172

价格:0

isbn号码:9781445566238

作者简介

欧文·琼斯是一位建筑家兼设计师，19世纪五十年代曾任教于伦敦的南步辛顿设计学院，同时也是1851年世界工业博览会的建筑师之一。1852年他受命担任新水晶宫的设计总监，水晶宫位于伦敦南方的悉丹翰。《世界装饰经典图鉴》一书是他留给世人的宝贵遗产，并成为一部不朽的古典作品。欧文·琼斯逝于1874年。

插图左边的评论是由艾因·萨克扎克添加的，他毕业于牛津大学的沃德姆学院和伦敦的科尔陶德学院，是一位著名的艺术评论家。艾因·萨克扎克涉猎广泛；但他最主要的兴趣还是集中于19世纪的艺术。他的著作包括《廉姆·莫里斯精神》、《装饰艺术》以及《插图手稿的艺术》。

读后感

非常非常棒，非常非常值得珍藏，如果你是装饰图案爱好者，这本书绝对不能错过。现在的新版本不怎么样，我看的是WISCONSIN大学KOHLER艺术图书馆的老版藏书，超有感觉！ 不过再想想，现在的图书出版真的应该回头学习一下老版图书的用心，这本1910年出版的The Grammar of Ornament...  

欧文·琼斯先生出生于1809年的伦敦，他是19世纪影响深远的建筑师和设计师，也是现代设计理论尤其是色彩理论方面的先驱。琼斯曾就读于英国伦敦的皇家艺术研究院，之后师从建筑师刘易斯·福里米。琼斯游历广泛，他在1832年开启了环欧大旅行（the Grand Tour）,途中结识了建筑设计...

非常非常棒，非常非常值得珍藏，如果你是装饰图案爱好者，这本书绝对不能错过。现在的新版本不怎么样，我看的是WISCONSIN大学KOHLER艺术图书馆的老版藏书，超有感觉！ 不过再想想，现在的图书出版真的应该回头学习一下老版图书的用心，这本1910年出版的The Grammar of Ornament...  

欧文·琼斯先生出生于1809年的伦敦，他是19世纪影响深远的建筑师和设计师，也是现代设计理论尤其是色彩理论方面的先驱。琼斯曾就读于英国伦敦的皇家艺术研究院，之后师从建筑师刘易斯·福里米。琼斯游历广泛，他在1832年开启了环欧大旅行（the Grand Tour）,途中结识了建筑设计...

欧文·琼斯先生出生于1809年的伦敦，他是19世纪影响深远的建筑师和设计师，也是现代设计理论尤其是色彩理论方面的先驱。琼斯曾就读于英国伦敦的皇家艺术研究院，之后师从建筑师刘易斯·福里米。琼斯游历广泛，他在1832年开启了环欧大旅行（the Grand Tour）,途中结识了建筑设计...

用户评价

这本书的装帧质量本身就是一件艺术品，这或许听起来有点苛刻，但对于一本以视觉为主导的作品来说，这是至关重要的。纸张的选择、印刷的精度，都直接影响了我们对书中图案细微差别的捕捉能力。我收到的这本，色彩还原度极高，即便是那些需要用放大镜才能分辨的细小笔触和色阶变化，也清晰可见，这对于研究那些依靠微妙渐变来营造空间感的作品至关重要。此外，编排的留白处理得非常得体，它没有为了塞入更多内容而让页面显得局促不堪，反而通过适当的呼吸空间，让每个主体图案都能“站稳脚跟”，展现其应有的气场。我必须强调，这本书的实用价值在于，它提供了一个极其可靠的参考系统，让我可以快速定位到某一风格的代表性元素，而不是在浩瀚的历史长河中迷失方向。它就像一个分类清晰、检索方便的视觉数据库，但每一个条目都附带着丰富的文化背景注释。

读完这本书，我最大的感受是，我们对“美”的理解往往是被严重低估和简化了。我们总以为美是主观的、瞬间的，但这本书揭示了，在人类历史的大部分时间里，美都是建立在高度系统化、经过时间检验的规则之上的。它强迫我跳出“现代极简主义”的思维定式，去欣赏那种充满细节、层次丰富、甚至略显“过载”的装饰美学。书中对于不同文化背景下“装饰性”的界限探讨尤其引人深思——在某些文化中，装饰本身就是意义的全部，而不是对结构的简单附加。我甚至开始在日常生活中应用书中学习到的构图原理，比如在整理我的书架时，我下意识地调整了物品的交错比例，试图营造出一种古典的“节奏感”。这本书的影响力是潜移默化的，它不像一本激发你立即行动的指南，而更像是一盏缓慢点亮的灯，它照亮了你看待世界、看待所有视觉信息的方式，让你意识到，生活中的每一个角落，都可能隐藏着经过精心设计的、代代相传的秩序之美。

坦白说，我最初对这种专注于“装饰”的专著持保留态度，总觉得它可能流于表面，缺乏深刻的理论支撑。然而，这本书彻底颠覆了我的看法。它极其精妙地将历史、民族学与美学理论熔于一炉。举例来说，书中对特定纹样（比如漩涡纹或蛇形纹）在不同地域的象征意义演变进行了细致的考据，这绝不是简单的图谱罗列，而是有力的论证，说明了艺术形式如何成为社会意识形态的载体。作者的学术功底深厚，引用的参考文献和历史佐证都无可挑剔，但这所有的严谨都被包裹在一种极具亲和力的叙事之中，你几乎感觉不到在阅读一篇学术论文，而是在听一位博学的导师娓娓道来。特别是当涉及到新艺术运动时，那种对有机形态的赞颂和对工业化批量生产的反抗，被描述得淋漓尽致，让人感同身受那个时代艺术家们内心的挣扎与激情。对于想要深入理解设计史本质的人来说，这本书提供的理论深度是无可替代的。

这本书简直是一场视觉的盛宴，色彩和线条的运用达到了出神入化的地步。我得说，光是翻阅这本册子，就足以让人沉浸在那些精妙绝伦的图案之中，仿佛置身于一个由几何和自然元素交织而成的迷宫。每一个图例都像是在低语着一段古老的装饰艺术史，从拜占庭式的繁复到伊斯兰几何的严谨，再到洛可可的轻盈与巴洛克的戏剧性，作者似乎没有放过任何一个值得记录的时代印记。更令人称奇的是，它不仅仅是图片的堆砌，你能在那些重复的母题中感受到一种内在的逻辑和韵律感，仿佛每一个卷曲的藤蔓、每一条交错的射线都不是随意为之，而是遵循着一套深藏的、近乎数学的美学法则。对于任何从事设计、艺术史或者单纯对美感有着执着追求的人来说，这本书就像是一本武林秘籍，打开了通往理解“形式如何承载意义”的大门。我花了整整一个下午，仅仅是盯着那些复杂的镶嵌图案出神，那种细致入微的观察，让我对那些曾经被我视为“背景装饰”的东西产生了全新的敬畏。这绝不是那种可以快速浏览的读物，它要求你慢下来，用眼睛去丈量，用心去体会那种跨越世纪的工匠精神。

我对这本书的结构安排感到非常惊喜，它不像那种枯燥的教科书，更像是一位资深鉴赏家带着你进行一场精心策划的环球“纹样漫步”。作者的叙述口吻非常亲切，但又不失专业性，他总能在你快要被那些繁复的细节搞晕的时候，适时地提供一个清晰的、宏观的视角来解释这些装饰背后的文化动机和社会功能。比如，他对不同文明如何利用装饰图案来区分阶级、彰显信仰的分析，就极其到位。我尤其欣赏其中对于“对比与和谐”这一核心原则的探讨，书中通过大量的图例对比展示了，即便是在最狂野的想象力驱动下的装饰，也依然要服务于整体的平衡。这让我反思了自己过去在进行任何创作时，是否过于关注了个体的亮点而忽略了整体的呼吸感。阅读过程中，我发现自己开始习惯性地去寻找那些“潜藏的轴线”和“未被填满的空间”，这是一种思维模式的转变，一种对视觉秩序的全新敏感度。这本书真正做到的，是让你从一个纯粹的“看客”变成一个有意识的“解读者”。