具体描述
What is music, what is its value, and what does it mean? In this stimulating volume, Roger Scruton offers a comprehensive account of the nature and significance of music from the perspective of modern philosophy. The study begins with the metaphysics of sound. Scruton 7istinguishes sound from
tone; analyzes rhythm, melody, and harmony; and explores the various dimensions of musical organization and musical meaning. Taking on various fashionable theories in the philosophy and theory of music, he presents a compelling case for the moral significance of music, its place in our culture, and
the need for taste and discrimination in performing and listening to it. Laying down principles for musical analysis and criticism, this bold work concludes with a theory of culture--and a devastating demolition of modern popular music.
"A provocative new study."--The Guardian
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从排版和装帧的角度来看，这本书的实体版本也体现了对读者体验的尊重。纸张的质感温润，字体选择清晰易读，这对于需要反复研读和做笔记的学术性著作来说，是至关重要的细节。但内容层面，最让我感到振奋的是其跨学科的视野。作者似乎毫不费力地在巴赫的对位法、康德的美学判断，以及二十世纪现象学对身体经验的关注之间穿梭自如。这种广博的知识背景使得他对音乐美学问题的探讨更具深度和说服力。例如，当他讨论到音乐的“表现力”问题时，他并未局限于浪漫主义时期的情感宣泄模式，而是将其延伸到当代电子音乐的非再现性特征，探讨声音本身如何承载意义。这种对传统边界的不断试探和拓展，让这本书的讨论始终保持在时代的脉搏之上，避免了陷入对既有经典的僵化解读。对于那些希望将美学理论应用于更广泛的艺术领域的研究者来说，这本书提供的分析工具箱无疑是极其宝贵的。
评分这本书，坦白说，拿到手的时候，我带着一种近乎挑剔的好奇心。我一直对美学和音乐的交叉领域抱有浓厚的兴趣，但很多现存的论著往往陷入了晦涩的哲学思辨，或者过于学院派的分析框架，让人望而却步。然而，拿到这本《The Aesthetics of Music》后，我的初步印象是它在努力搭建一座桥梁，试图连接那些看似遥远的领域：听觉经验的瞬间性与结构化的理论体系。书中对“美”这个核心概念的处理尤为精妙，它没有试图给出一个一成不变的、普适性的定义，而是深入探讨了文化背景、个体感知与音乐形式之间的动态张力。例如，作者在讨论调性系统的瓦解时，不仅仅停留在十二音体系的介绍，而是追溯了这种瓦解如何影响了听者对“和谐”与“不和谐”的心理预期。那种深入肌理的分析，让我意识到，音乐的美感并非仅仅存在于音符排列的数学关系中，更根植于我们作为人类，处理意义和情感的内在机制。全书的叙事节奏把握得很好，引人入胜，即便是对于初次接触复杂美学理论的读者来说，也能顺畅地跟上作者的思路，不至于在某一章节中迷失方向。
评分这本书最让我印象深刻的，也许是它对“未完成性”与“开放性”的强调。在许多关于音乐形式的著作中，人们倾向于寻找封闭、完满的结构，认为这是艺术的最高境界。但《The Aesthetics of Music》却大胆地转向了那些结构松散、高度依赖即兴或听众参与的音乐形式，并对其审美价值进行了严肃的考察。这为我提供了一个全新的视角来看待那些传统上被视为“非正式”或“低级”的音乐实践。它促使我思考，在后现代语境下，美学判断的标准是否正在经历一场根本性的转变？如果音乐的价值不再仅仅是其内部结构的复杂性或完美性，那么“聆听的承诺”本身是否构成了一种新的审美体验？阅读这本书，就像是进行了一次长途的精神漫步，每走一步，视野都变得更加开阔，同时也更加确信，音乐美学是一个永无止境的探索领域，而这本书，正是这次探索中极具里程碑意义的一站。
评分老实说，初读时，我曾担心这本书会像某些学术著作一样，在严谨的逻辑推演中牺牲掉阅读的愉悦感。毕竟，美学探讨往往容易变得干涩乏味。然而，作者似乎深谙如何用生动的语言来描绘抽象的概念。他引用的例子，无论是来自严肃的管弦乐作品，还是那些在流行文化中被广泛传播的旋律片段，都恰到好处地服务于他的核心论点，而不是沦为简单的插图。书中关于“审美距离”的讨论尤其精彩，它解释了为什么我们在面对一场悲剧性的音乐叙事时，既能体验到情感上的冲击，又能保持一种理性的抽离感。这种微妙的心理平衡，是如何被作曲家精心设计的结构所诱导的？作者通过细致的分析，剥开了这一层神秘的面纱。这本书成功地证明了，最深刻的理论探讨，也能够以一种引人入胜、甚至略带文学性的笔触来呈现，它鼓励读者不仅要“理解”理论，更要“感受”理论在具体音乐作品中的运作。
评分我必须承认，在阅读过程中，我时常需要放慢速度，尤其是在涉及到对特定时期作曲家（比如十七世纪晚期到十八世纪早期的某些歌剧实践）进行细致的文本解读时。作者在这里展现了一种令人赞叹的文献功底，他不仅仅是引用前人的观点，而是将这些观点置于更宏大的历史和审美思潮中进行审视和再阐释。这种批判性的吸收能力，使得全书的论证充满了活力，而不是简单的知识堆砌。特别是书中对“时间性”在音乐体验中的角色分析，简直是醍醐灌顶。音乐的本质就在于时间的流动与组织，但我们如何感知这种流动——是线性的、循环的，还是断裂的？这本书提供了一系列细致入微的案例来支撑其论点，而非空泛地提出假设。我尤其欣赏作者对“聆听”（listening）这一行为的主动性和建构性的强调，它挑战了那种将听者视为被动接收者的传统观点，促使我反思自己过去是如何“听”音乐的。这不再是一本关于“什么是好音乐”的书，而是一本关于“我们如何与音乐共存”的深度哲学对话。
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