艺术美学

出版者:中国轻工业出版社

作者:黄海澄

页数:321

出版时间:2006-8

价格:30.00元

装帧:平装

isbn号码:9787501955237

具体描述

从这部专著中我们不难看到，作者之所以能获得如此重要的学术成果，除了在艺术学、美学领域中长期的学术积累之外，还在于他不断地从诸如价值哲学、现代语言学、系统论、控制论等相关学科领域中吸取滋养，在边缘性、交叉性的研究中形成了自己新的学术生长点，建构了自己的艺术美学的理论框架。作者在学术上的这种独树一帜的探索精神，委实是难能可贵和令人钦佩的。　　全书涵盖了艺术美学中几乎所有的重要论题，框架清晰，逻辑严谨，立论精当。作者在将艺术学、美学与价值哲学有机地连接起来，构筑了自己的价值论艺术美学的理论框架之后，进一步提出和论证了一系列重要问题。

用户评价

我被书中对艺术作品细节的描绘所深深吸引。作者并非泛泛而谈，而是能够捕捉到艺术作品中最具代表性的元素，并对其进行精辟的解读。比如，在分析伦勃朗的画作时，他不仅仅提到了伦勃朗对光影的运用，更是深入挖掘了光影在他作品中所传达的情感深度，以及人物肖像中那些微妙的面部表情所揭示的内心世界。他将伦勃朗的画作形容为“一场关于人性光辉与阴影的深刻对话”，让我对这位大师的艺术有了全新的认识。这种对细节的关注，让我意识到，欣赏艺术并不仅仅是看画面，更是要去感受其中蕴含的情感和思想。我常常会带着作者的解读，重新去审视那些曾经看过的画作，发现其中隐藏的更多魅力。

这本书的封面设计就深深吸引了我，那是一种介于古典与现代之间的独特美感，仿佛一位身着华服的缪斯，在光影斑驳的画室中凝视着远方。翻开书页，首先映入眼帘的是作者对艺术起源的深刻洞察，他没有拘泥于枯燥的历史年代和人物堆砌，而是以一种近乎诗意的方式，描绘了人类对美的最初渴望，以及这种渴望如何驱动着文明的萌芽。我特别喜欢其中关于洞穴壁画的部分，作者将那些古老而粗犷的线条，解读为先民们对生命、对自然的敬畏，甚至是某种 proto-religious 的体验。这种解读方式，让我第一次感受到，艺术并非仅仅是装饰品，而是人类存在最本真的表达。接着，他对古希腊雕塑的分析，更是让我对“黄金比例”和“和谐”有了全新的理解。他不仅仅是陈述了这些概念，更是通过对不同时期雕塑风格的对比，阐释了审美观念的演变，以及社会文化背景对艺术形式的影响。我常常在阅读时，脑海中会浮现出那些栩栩如生的石像，仿佛能感受到匠人手中凿子的每一次震动，以及他们对完美身体线条的极致追求。这种沉浸式的阅读体验，让我觉得不仅仅是在学习知识，更像是在与古人进行一场跨越时空的对话，去理解他们眼中那永恒的美。

对于我这样对艺术史了解不深的读者来说，这本书提供了一个绝佳的入门途径。作者并没有一开始就抛出晦涩难懂的专业术语，而是循序渐进地引导读者进入艺术的世界。他从基础的“什么是美”开始，逐步探讨了美学的基本概念，比如形式美、色彩美、比例美等等，并且用大量的经典艺术作品作为例子进行阐释。我记得他在解释“透视法”时，用了达芬奇《最后的晚餐》作为范例，详细分析了画面中如何利用线条和光影来营造空间感，以及这种技法如何影响了西方绘画的发展。这种将理论与实践相结合的教学方式，让我能够清晰地理解每一个概念的含义，并且知道如何在具体的艺术作品中找到这些原理的应用。这本书让我不再对艺术史感到畏惧，而是充满了好奇和探索的欲望。

这本书的语言风格极具感染力，读起来一点也不枯燥乏味。作者仿佛是一位经验丰富的导游，带着读者穿梭于不同的艺术时空，用生动形象的比喻和引人入胜的故事，将抽象的理论变得触手可及。我记得他在形容巴洛克艺术的华丽与戏剧性时，使用了“一场盛大的宫廷庆典，每一个细节都充满着张力和情感”这样的比喻，立刻就在我脑海中勾勒出了那充满动感和情感的画面。而当他讨论极简主义艺术时，又切换到了一种更为内敛、沉静的语调，用“大道至简，于无声处听惊雷”来形容那种极致的简约所蕴含的力量。这种多变的语言风格，使得阅读过程本身就成为一种艺术体验。我常常在阅读时，会不自觉地放慢速度，品味每一个词句，感受作者的情感和思考。这种“慢阅读”的状态，让我能够更深入地理解和吸收书中的内容，而不是囫囵吞枣。

这本书的结构安排也非常合理，使得内容层次分明，易于消化。作者将复杂的艺术史梳理成几个主要的章节，每个章节都围绕一个特定的主题展开，并且前后章节之间有着紧密的逻辑联系。我尤其喜欢他在章节之间的过渡段落，总能巧妙地将前一个章节的知识与即将展开的论述联系起来，让读者能够顺畅地理解内容的发展脉络。例如，他在从古典艺术转向中世纪艺术的过渡时，并没有 abrupt 地切换，而是通过分析基督教信仰如何深刻地影响了那个时代的艺术风格，从而解释了为什么中世纪的艺术呈现出与古典艺术截然不同的特点。这种严谨的结构和流畅的叙事，让我能够始终保持专注，并且不会感到迷失。

我不得不说，作者在处理艺术史上的争议性话题时，展现出了令人钦佩的客观性和批判性。他并没有回避那些充满争议的艺术作品和艺术家，而是用一种审慎的态度去分析它们产生的背景、接受的评价以及在艺术史上的地位。例如，在谈到某些“前卫”的艺术创作时，他并没有简单地褒贬，而是引导读者去思考艺术的边界在哪里，以及我们如何理解那些挑战传统观念的作品。他提出了“艺术的生命力在于其不断自我革新的能力”这样的观点，让我开始反思，我们对艺术的评价，是否受到时代和自身经验的局限。这种鼓励独立思考的写作方式，让我觉得非常可贵。我常常在阅读时，会与作者的观点进行辩论，然后在他的论述中找到支持或反驳的理由，这种思想的碰撞，让我对艺术的理解更加深刻。

我最欣赏这本书的一点在于，作者始终保持着一种开放和包容的态度。他并没有试图将艺术的定义框定在某个狭窄的范围内，而是鼓励读者去探索和发现不同文化、不同时期、不同媒介的艺术之美。在谈到东方艺术时，他并没有将其简单地视为西方艺术的“他者”，而是深入挖掘了中国山水画、日本浮世绘等艺术形式独特的审美哲学和表现手法。他将中国山水画的“意境”与西方绘画的“空间感”进行了有趣的对比，让我深刻理解了不同文化背景下，艺术家们对于“存在”和“观照”的不同理解。我特别被书中对留白艺术的描述所打动，作者认为，东方绘画中的留白并非是“空”，而是“无限的可能性”，是一种邀请观者参与和想象的空间。这种对不同文明艺术的尊重和欣赏，让我觉得非常有启发性。此外，他对工艺美术和设计领域的关注，也拓宽了我对“艺术”的认知边界，让我意识到，美不仅仅存在于挂在博物馆里的画作，也存在于我们日常生活的器物之中。

总而言之，这本书是一次令人心旷神怡的艺术之旅。它不仅为我提供了丰富的艺术知识，更重要的是，它激发了我对美的感知和对艺术的热爱。作者的文字如同涓涓细流，滋润着我的心田，让我看到了艺术的广阔天地，也让我开始反思自己与艺术的关系。读完这本书，我感觉自己仿佛打开了一扇新的窗户，看到了一个更加丰富多彩的世界。我开始主动去了解更多的艺术作品，去思考自己对艺术的感受，也更加愿意与他人分享我对艺术的理解。这是一本能够改变你看待世界方式的书，一本值得反复阅读，并且能在每一次阅读中都获得新的感悟的书。

我不得不提到，这本书在论述艺术与社会、艺术与哲学之间的关系时，展现出了深刻的洞察力。作者并没有将艺术孤立起来看待，而是将其置于更广阔的历史、社会和哲学背景下进行考察。他分析了文艺复兴时期人文主义思潮对艺术的解放作用，也探讨了启蒙运动如何影响了艺术的理性化和理想化。尤其令我印象深刻的是，他关于“现代性”如何挑战传统艺术观念的论述，通过分析摄影、电影等新媒介的出现，以及它们对绘画和雕塑的影响，让我理解了艺术形式是如何不断演变的。这种跨学科的视野，让我对艺术的理解更加全面和立体，不再仅仅停留在形式层面，而是能够看到它背后更深层次的社会和文化含义。

不得不说，这本书在论述过程中展现出的逻辑严谨性令我印象深刻。作者在探讨不同艺术流派时，总是能够精准地找到它们之间的联系与区别，并且用清晰的语言将其呈现出来。例如，他在分析文艺复兴时期对古典主义的回溯，以及之后巴洛克艺术如何突破古典的束缚，演变成一种更为奔放、情感化的表达，就显得尤为精彩。他不仅列举了具体的作品和艺术家，更重要的是，他能够深入剖析这些风格转变背后的哲学思想和社会思潮。我记得有段论述关于“再现性”与“表现性”艺术的辨析，作者通过对印象派和象征主义艺术的比较，揭示了艺术家们从关注外部世界转向探索内心世界的转变过程。这种从宏观到微观，再从微观回到宏观的分析框架，让我受益匪浅。我普段對抽象藝術有些難以理解，總覺得它們似乎脫離了現實，然而讀完這本書，我才明白，許多抽象藝術家並非隨意塗鴉，而是有著自己獨特的視角和內在的邏輯。作者對現代藝術的解讀，也讓我開始重新審視那些我曾經認為“看不懂”的作品，嘗試去理解它們所傳達的情感和思想。