服装画表现技法

出版者:合肥工业大学出版社

作者:吴蓉

页数:88

出版时间:2006-11

价格:39.00元

装帧:简裝本

isbn号码:9787810934657

具体描述

本书从服装画的类型分析开始，按照教学模式进行了详细的讲解与图示，提供了许多服装大师的经典名作与技法讲解，还有部分高校服装专业师生最近的优秀作品。例举并分析了几种常用的电脑服装画技法，并穿插了一些新的国外流行资讯公司的设计手稿。可以说，实用性是本书的特点，能让同学们清楚地了解自己在将来的设计工作、绘画创作、时装比赛、广告宣传中所需创作的服装画风格。

用户评价

作为一名对时尚充满热情的爱好者，我一直在寻找一本能够帮助我将脑海中那些天马行空的创意转化为视觉图像的书籍。《服装画表现技法》这本书，可以说是为我提供了一个非常系统和实用的创作平台。它不仅仅是教你如何画出具体的服装款式，更重要的是如何通过绘画来表达你的设计理念和风格。 书中对“风格化表现”的探讨给我留下了深刻的印象。作者鼓励读者打破程式化的绘画模式，去探索属于自己的独特风格。无论是写实、夸张、还是抽象，都可以通过不同的笔触、色彩和构图来呈现。我尝试着去运用书中介绍的多种表现手法，结合我自己的设计理念，创造出了一些具有个人特色的服装画作品。这种鼓励个性化的教学方式，极大地激发了我的创作热情，让我不再畏惧尝试新的风格，而是更加大胆地去表达自己的创意。

作为一名对服装设计怀揣着无限热情的学生，我一直在寻找一本能够真正点亮我创作灵感的书籍。我手里这本《服装画表现技法》可以说是近期最让我激动的一本了。我一直对服装的视觉呈现有着近乎偏执的追求，不仅仅是捕捉到服装本身的款式和线条，更重要的是如何通过绘画语言将它的质感、光泽、垂坠感以及穿在模特身上的动态美表现出来。这本书在这方面做得非常出色，它不像市面上很多泛泛而谈的书籍，而是将重点放在了“表现”二字上，深入浅出地讲解了如何运用不同的绘画媒介和技巧来赋予服装生命力。 我尤其喜欢书中关于面料表现的章节，比如丝绸的华丽光泽，羊毛的温暖厚重，以及蕾丝的精致镂空，作者都通过细致的笔触和光影的运用，将这些材质的特点活灵活现地呈现在纸上。不仅仅是材质，书中对褶皱的处理也让我受益匪浅。无论是自然的垂坠还是人为的刻意造型，那些巧妙的褶皱线条能够极大地增强服装的立体感和动感，让原本平面的画作瞬间变得生动起来。我尝试着按照书中的步骤练习，发现即使是简单的几笔，也能让一件普通的连衣裙立刻拥有了设计感和高级感。

一直以来，我都觉得自己在表现人物的“比例”和“姿态”方面存在一些困惑。《服装画表现技法》这本书，用一种非常系统和科学的方式，为我解答了这些疑问。它不仅仅是将服装穿在模特身上，而是将服装与人体结构紧密地联系在一起，教你如何在绘画中准确地把握人体比例，以及如何通过不同的姿态来展现服装的特点。 书中关于“人体骨骼和肌肉走向”的讲解，虽然看似与服装绘画有些距离，但实际上却是至关重要的基础。作者通过非常清晰的图示，解释了身体的运动如何影响服装的形状，以及如何在绘画中通过肌肉的起伏来塑造服装的立体感。我跟着书中的指导，练习人体结构，并且尝试将这些知识应用到服装绘画中。我惊喜地发现，当我对人体有了更深的理解之后，我画出的模特姿态更加自然，服装的线条也更加流畅，不再是僵硬地贴在身体上，而是仿佛真正地被穿着，与人体融为一体。

我在《服装画表现技法》这本书中，找到了我一直在寻找的关于“透视”的实用讲解。很多绘画教程在讲解透视时，往往会涉及复杂的几何学原理，让初学者望而却步。而这本书则将透视的运用与服装设计紧密结合，用非常直观和易于理解的方式，教我如何在绘画中处理服装的立体感和空间感。 书中对于“不同角度下的服装表现”有着非常详细的图解和分析。无论是正面、侧面，还是背面，甚至是一些特殊的倾斜角度，作者都给出了详尽的绘制指导。我尤其欣赏书中关于“如何绘制褶皱在透视下的变化”的讲解，这解决了我在处理复杂褶皱时经常遇到的难题。通过学习书中提供的透视辅助线和绘制技巧，我能够更自信地绘制出具有深度和空间感的服装画，让我的作品看起来更加专业和具有视觉冲击力。

坦白说，我最初购买《服装画表现技法》这本书，是抱着一种试试看的心态，毕竟市面上的服装插画教程琳琅满目，很多都流于表面，或者过于强调技术而忽略了艺术的表达。然而，翻开这本书的那一刻，我就被它深深吸引了。这本书最让我印象深刻的是它对于“情绪”的捕捉和传达。作者不仅仅教你如何画出服装的轮廓和细节，更重要的是如何通过画面传达服装所承载的情感和穿着者的心境。 书中有一段关于如何表现“连衣裙随风飘动”的描写，作者用非常富有诗意的语言，结合了流畅的线条和模糊的处理，将一种轻盈、自由、甚至是浪漫的情绪烘托了出来。我之前总是觉得自己的画作缺少一种灵魂，一种能够触动人心的力量，看了这段描写和相关范例之后，我才恍然大悟。原来，真正的服装画不仅仅是技术的堆砌，更是情感的抒发。我开始尝试在自己的作品中加入更多的情感元素，思考每一件衣服想要讲述的故事，以及它穿在不同人身上的感受，这让我的创作过程变得更加有趣和充实。

我一直对时尚插画情有独钟，尤其钟爱那些能够展现设计师创意和服装独特魅力的作品。《服装画表现技法》这本书，可以说是我近期阅读过的最满意的一本关于时尚插画的教材。它不仅仅是教你如何画出一件衣服，更重要的是如何通过绘画语言来讲述关于这件衣服的故事，以及它所代表的风格和态度。 书中对“细节的刻画”有着极其深刻的阐述。作者强调，真正能够打动人心的服装画，往往在于那些不易察觉却至关重要的细节。比如，纽扣的光泽、缝线的质感、甚至是指甲油的颜色，这些微小的元素组合在一起，才能构成一个完整而令人信服的时尚形象。我尝试着去运用书中的技巧，在我的作品中加入了更多的小细节，比如在丝巾的边缘加上了细微的磨损感，或者在皮革外套上勾勒出缝线的立体感。这些细微的改变，让我的画作立刻变得更加精致和专业，也让我对“细节决定成败”这句话有了更深刻的体会。

我对《服装画表现技法》这本书的整体感受是，它提供了一个非常全面且深入的服装绘画学习体系。这本书不仅仅停留于表面的技巧教授，而是着力于培养读者的“观察力”和“理解力”，教会我们如何去“看”服装，以及如何将我们所“看”到的转化为绘画语言。 书中对于“光影在服装表现中的作用”有着非常详尽的讲解。作者通过大量的范例，展示了不同光源下服装的明暗变化，以及如何利用光影来塑造服装的体积感、材质感和立体感。我以前总是觉得自己的画作缺乏立体感，看了这本书之后，我才明白光影的运用是多么的重要。我开始有意识地去观察生活中的光影变化，并且尝试将这些观察运用到我的绘画中。通过学习书中关于高光、暗部和反光的处理技巧，我画出的服装立刻变得更加生动和有质感，仿佛真的有光照射在上面一样。

作为一名希望在服装行业有所建树的潜在设计师，我深知扎实的绘画基础是必不可少的。《服装画表现技法》这本书，可以说是在绘画技巧方面为我打开了一扇新的大门。我之前也看过不少绘画教程，但很多都过于强调某一种特定的风格，或者只停留在基础的素描和色彩上，缺乏对服装绘画特有表现力的挖掘。 这本书最大的亮点在于它对“动态”的捕捉。作者详细讲解了如何在纸上表现人物的行走、站立、甚至是最细微的肢体动作，以及这些动作如何影响服装的线条和垂坠感。我尤其喜欢书中关于“运动中的服装”的分析，比如如何在画面中体现模特在转身时裙摆的飞扬，或者在坐下时裤子产生的自然褶皱。这些细节的描绘，使得人物形象更加生动、自然，赋予了服装画一种鲜活的生命力。我跟着书中的示范，一点点地去练习，发现自己的手感和对形体的把握都有了显著的提升，画出来的服装也更加有“灵魂”。

《服装画表现技法》这本书，可以说是我在服装绘画学习道路上遇到的一个重要的里程碑。它不仅仅提供了一套完整的技法指导，更重要的是，它帮助我建立了一种全新的“思考方式”。我不再是简单地模仿，而是学会了如何去理解服装的设计语言，以及如何通过绘画来传达这种语言。 书中关于“服装与环境的互动”的探讨，也让我眼前一亮。作者强调，服装不仅仅是孤立存在的，它还需要与穿着者、与所处的环境相互呼应。在绘画中，如何通过背景的色彩、构图的布局，来烘托服装的风格和主题，是至关重要的。我尝试着去运用这些理念，在我的画作中加入一些能够衬托服装风格的背景元素，比如在绘制休闲装时，我可能会选择一些街头涂鸦作为背景，而在绘制晚礼服时，则会选择一些优雅的室内场景。这种将服装与环境融为一体的创作方式，让我的作品更加完整和具有故事性，也让我对服装绘画的理解更加深入。

在接触《服装画表现技法》之前，我对服装设计中的色彩运用一直感到有些力不从心。我能够识别出色彩的美感，但如何在绘画中恰当地运用它们，让色彩服务于整体的设计理念，却是我一直摸索的难题。这本书在这方面给了我巨大的启发。它不仅仅是简单地介绍色彩理论，而是将色彩的运用与服装的风格、材质、以及想要传达的情感紧密结合起来。 我非常欣赏书中关于“色彩情绪板”的构建方法，作者引导读者从音乐、电影、自然景观甚至抽象的词语中提取色彩灵感，然后将其转化为服装设计的色彩方案。这种打破常规的思路，让我看到了色彩更广阔的可能性。我开始不再局限于传统的色彩搭配，而是大胆地尝试一些意想不到的色彩组合，并且发现这些组合能够极大地提升服装的个性和独特性。书中关于不同颜色在光影下变化的细致描绘，也让我对色彩的理解更加深入，学会了如何利用光影来塑造服装的体积感和层次感。