Televising the Performing Arts

出版者:Praeger

作者:Brian Geoffrey Rose

页数:216

出版时间:1992-8-30

价格:USD 112.95

装帧:Hardcover

isbn号码:9780313286179

具体描述

This work offers an inside look at the professional careers of America's leading cultural TV directors. Merrill Brockway, Kirk Browning and Roger Englander have directed some of TV's most memorable programming, including "Dance in America", the Arturo Toscanini concerts, "Amahl and the Night Visitors", "Live from Lincoln Center" and the "Young People's Concerts" with Leonard Bernstein. Together, they revolutionised the way television covers music, dance, opera and theatre. In interviews with TV historian Brian Rose, they offer an engaging survey of five decades of American television. The challenges they faced as cultural directors are brought vividly to life, particularly the difficult task of translating works created for one medium to another. They discuss what it was like to make concert music resonate for the home viewer, how to squeeze grand opera onto the small screen, and what steps to take in choreographing cameras to film ballet. The interviews in "Televising the Performing Arts" reveal the complexities of television production as seen from the vantage point of the director. In detailed examples, Merrill Brockway, Kirk Browning and Roger Englander illustrate the formidable operations involved in shooting large-scale events like a live concert or staging an opera in the narrow confines of a TV studio. They also explore their collaborations with some of the great artists of our time, including George Balanchine, Martha Graham, Leonard Bernstein and Gian Carlo Menotti. In addition to its analysis of the production process, "Televising the Performing Arts" also documents the pressures - both economic and creative - in network television and the significant changes over the years at CBS, NBC, PBS and the cable networks. Through his critical introductions, Brian Rose provides an historical context to understanding the evolution of cultural programming and the lasting achievements of each of the three directors.

用户评价

与其说这是一本关于“电视艺术”的书，不如说它是一部关于“凝视的政治”的深度剖析。作者的叙述风格极其犀利，带着一种不容置疑的学术权威性，却又不失知识分子的悲悯情怀。书中关于镜头语言如何构建男性凝视（或女性凝视）在舞台记录中的体现，简直是教科书级别的分析。例如，作者对舞台调度与摄像机运动之间“权力博弈”的描绘，让我对以往观看过的任何一场舞台录像都产生了全新的怀疑和审视。每一次剪辑的选择、每一次景别的切换，都被作者还原为一种有目的的阐释行为。我特别喜欢其中关于“沉默的剧场”的章节，探讨了当现场观众的鼓掌、叹息、甚至呼吸声都被技术处理后，表演者与观众之间那种无形的、电流般的能量交换是如何被切断的。这种对“非语言信息传递”的关注，极大地丰富了我对现场艺术本质的认知，让人读后久久不能平静。

读罢此书，我最大的感受是作者对“仪式感”消解的忧虑与反思，这种忧虑是通过一种近乎诗意的批判性语言表达出来的，显得尤为有力。书中对古典戏剧在进入电视屏幕后，那种原有的神圣性与不可复制性如何被“标准化”和“可重复性”所侵蚀的论述，直击人心。作者没有简单地谴责技术，而是深入探究了这种“去语境化”的传播机制如何潜移默化地改变了观众对艺术的期待阈值。例如，对舞蹈表演中“身体与空间关系”的讨论，作者巧妙地运用了现象学视角，描述了当特写镜头强行拉近舞台上的微小动作时，宏大的空间叙事是如何被肢解和碎片化的。行文之间，充满了对“原真性”的追问，这种追问不是守旧的抱怨，而是一种对艺术本体价值的深沉守护。书中的遣词造句，时常带着一种旧世界的韵味，让人在阅读时仿佛能闻到老剧院里厚重的灯光和油彩的味道，强烈的对比感，让现代媒介的冰冷质感更加凸显。

这部关于舞台艺术与电视传播交织的作品，简直是一场视觉与思想的盛宴，让人在捧读之际，便能感受到作者深厚的学术功底和对艺术媒介转化的敏锐洞察力。尤其是在探讨“在场感”这一核心议题时，作者没有流于表面的描述，而是深入挖掘了技术介入如何重塑观众的体验，以及这种重塑对表演者本身构成的挑战与机遇。书中详尽地分析了不同历史时期，从早期的黑白电视直播到如今高清数字平台的兴起，舞台艺术如何被“装进盒子”并进行全球化传播的复杂历程。我印象最深的是对歌剧转播案例的细致剖析，作者不仅对比了不同导演对镜头语言的运用差异，还通过大量的口述史资料，还原了幕后团队在确保舞台美学不受损的前提下，进行技术适应的种种挣扎与创新。这种将理论分析与扎实的案例研究完美结合的写法，使得原本可能枯燥的媒介研究变得生动起来，仿佛我正置身于那个充满变革的时代，亲历着艺术的转型。它不仅仅是一本书，更像是一份详尽的田野调查报告，极大地拓宽了我对“表演”边界的理解。

这本书的知识密度令人敬畏，但作者高超的语言驾驭能力，使得这些深奥的理论概念变得触手可及。它不像许多同类著作那样，充斥着晦涩难懂的术语黑话，相反，作者擅长用精准而富有画面感的比喻来解释复杂的媒介理论。对我而言，它像是一把精密的解剖刀，将“舞台艺术的电视化”这一现象的肌理一层层剥开，展示出其内在的经济驱动力、意识形态渗透以及审美标准的变化。我特别欣赏作者在结尾部分对未来趋势的预测，那种既充满希望又保持警惕的态度，非常成熟。书中对于直播技术如何创造出一种“错失的恐惧”（Fear of Missing Out, FOMO）并反过来推动消费的经济学解读，简直是神来之笔。它让我意识到，我们所消费的“艺术”，早已被包裹在一层又一层的媒介和商业逻辑之中。这是一本值得反复阅读，每次都会有新发现的智识之旅。

这本书的结构设计非常精妙，它不像传统的学术著作那样线性推进，反而采用了螺旋上升的方式，不断回到关键的伦理困境上进行多维度审视。我尤其欣赏作者在处理“公共领域”与“私人消费”冲突时的那种冷静与克制。它探讨了当昂贵的歌剧或芭蕾舞团的演出，通过付费点播或免费流媒体进入寻常百姓家时，社会阶层与文化资本的流动是如何被重新定义的。作者并没有提供一个简单的答案，而是搭建了一个复杂的对话场域，邀请读者去思考：媒介的普及性是否必然意味着艺术的平庸化？书中引用了大量来自不同文化背景的媒体评论和观众反馈，这种多声部的处理方式，极大地增强了论述的厚度和说服力。它迫使我跳出自己固有的“文化精英”视角，去审视那些在小屏幕前，第一次接触到交响乐的年轻观众，他们所建立起来的新的审美经验究竟意味着什么。这种对媒介社会学层面的挖掘，远超出了对单纯技术操作的描述。