刘海粟

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出版者:江蘇美術出版社
作者:刘海粟
出品人:
页数:355
译者:
出版时间:2002-11
价格:380.00元
装帧:精装
isbn号码:9787534414633
丛书系列:
图书标签:
  • 藝術
  • 绘画艺术
  • 美术史
  • 中国近现代美术
  • 刘海粟
  • 艺术传记
  • 艺术理论
  • 绘画技法
  • 艺术教育
  • 文化艺术
  • 艺术大师
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具体描述

一、漫长的艺术生涯

  1.萌芽期——即少儿时期

  2.奠基期——也称垦植滋长期

  3.扩展期——也称木茂花繁时期

  4.冶炼期——也称战火洗礼时期

  5.陶铸期——也称艺术新生期

  6.磨砺期——也称蝉蜕龙变期

  7.辉煌期——也称鼎盛期

  8.晚岁期——

  二、不朽的业绩

  综观海粟大师的艺术,博大精深,远非本文所能尽及,好在现在国内外研究刘海粟的人和出版的专集越来越多,各种报刊杂志也时有他的作品和评论发表,足资参考,这里就不多赘述了。

《江山入画:中国山水画的千年演变与审美意境》 内容提要: 本书是一部系统梳理中国山水画发展脉络的鸿篇巨制,旨在深入剖析自魏晋南北朝萌芽至近现代转型期的山水画艺术,探究其独特的哲学思想、美学原则以及社会文化内涵。全书以时间为轴,结合地域风格与代表画家群体的艺术实践,勾勒出中国山水画从“观物取象”到“抒发性灵”的漫长而精彩的历程。重点阐述了唐代青绿山水的辉煌、五代宋初的全景式宏大叙事、元代文人水墨的“意在笔先”,以及明清之际的南北画派分野与流变。书中不仅详尽论述了笔墨技法(如皴法、点苔、留白等)的演变与理论基础,更着重解读了“可游、可居、可观”的审美理想如何渗透于山水画的创作之中,使观者得以领略中国传统视觉艺术中“天人合一”的终极关怀。 --- 第一章:远古的萌芽与魏晋的初醒——山水入画的哲学基础 中国山水画的产生并非偶然,它深深植根于古代哲学对自然宇宙的理解。《道德经》中“道法自然”的观念,以及庄子“天地与我并生,万物与我为一”的齐物思想,为后世的绘画艺术提供了坚实的形而上学支撑。在魏晋南北朝时期,随着玄学的兴盛和士人阶层对个体精神世界的重视,山水开始从“纯粹的背景”独立出来,成为独立的艺术主题。 本章详细考察了顾恺之“以形写神”理论在山水画早期的体现,尽管此时的画作多为“小景”或“界画”,但已显露出对自然景物的独特观察。重点分析了谢赫“六法”中“气韵生动”的理论如何在山水画中具体落实,并首次探讨了早期山水画中“隐逸情结”的初现,即士人通过描绘远离尘嚣的自然环境,来寄托其超脱世俗的政治抱负与人生理想。 第二章:唐代的格局与气象——青绿与水墨的初次交锋 唐代是中国艺术的鼎盛时期,山水画也展现出空前的气魄与多样的风格。本章着重分析了李思训、李昭道父子的“金碧山水”,这种源于隋代,成熟于唐代的青绿山水,以其矿物质颜料的绚烂色彩和界画式的严谨结构,展现了大唐盛世的富丽堂皇与恢弘气象。 与此同时,水墨山水作为一种更具内省和抒情性的表达方式也开始兴起。虽然现存实物不多,但王维“诗中有画,画中有诗”的理论实践,标志着文人画精神的觉醒。王维主张“不着色,但以水墨为之”,这不仅是技法上的革新,更是审美取向的转向——从对客观景物的忠实描绘,转向对主体心境的象征性表达。这一时期的山水画已经确立了其作为“大题材”的历史地位。 第三章:全景的史诗与个体的沉思——五代宋初的艺术高峰 五代十国时期,特别是后梁、后唐、北宋初年,是中国山水画技法、理论与风格的集大成时期。本章聚焦于“荆、关、董、巨”四大家,他们的创作标志着中国山水画从“青绿主导”彻底转向“水墨主导”。 关仝的雄伟、李成的险峻、范宽的浑厚,共同塑造了北宋初年气势磅礴的全景式山水。范宽的《溪山行旅图》被视为这一时期的典范,其笔下的山体结构严谨、层峦叠嶂,体现了画家对自然力量的敬畏与对“太华”精神的体悟。 进入北宋中期,随着李公麟“水墨为主,间以浅绛”的白描技法的成熟,山水画的写实精神达到一个高峰。本章还会探讨宋徽宗时期对绘画的推崇,以及“院体”山水对写生观察的强调,但同时指出,即使在最写实的描绘中,依然渗透着理学对“秩序”与“永恒”的追求。 第四章:士人的自适与笔墨的解放——元四家的文人山水 元代,蒙古族入主中原,传统士大夫阶层在政治上失意,转而将全部情感和才华投入到艺术创作中,山水画迎来了其历史上最关键的转向——“文人画”的完全确立。 本章的核心内容是“元四家”:黄公望、倪瓒、吴镇、王蒙。他们彻底反叛了宋代院体画的“形似”追求,将山水视为“胸中丘壑”的投射。重点分析倪瓒的“折松”、“淡墨”风格,如何以极简的笔墨表达对世俗的疏离和高洁的品格;以及黄公望“皴法点染,随笔赋之”的理论,如何将笔墨语言本身提升为情感的载体。元四家确立的“以书入画”、“以诗入画”的原则,彻底奠定了后世中国山水画的审美基调,使“意境”高于“形体”。 第五章:南北的对峙与技法的繁衍——明清山水画的流派纷呈 明清时期,山水画的发展呈现出两极分化的趋势:一是以董其昌为代表的“江南文人画”的理论化、符号化;二是以吴门画派、浙派为代表的技法探索。 本章详细梳理了董其昌提出的“南北宗论”,虽然这一理论在后世存在争议,但它有效地整合了元代的文人画传统,强调了笔墨的“逸品”地位,并以“董(源)、巨(然)、倪(瓒)、黄(公望)”为正统,形成了强调笔墨趣味和“写意”的保守主流。 同时,本章也分析了明代中晚期在地域上活跃的画家群体,如浙派对传统“院体”的继承,以及晚明以徐渭为代表的“泼墨大写意”如何突破传统规范,为清代乃至近现代的写意花鸟画和山水画探索开辟了新的道路。 第六章:古法与革新的交汇——清代山水画的典范与转折 清代前期,山水画在复古思潮下,形成了以“四王”(王时敏、王鉴、王翚、王原祁)为代表的正统画派。他们系统总结了元明以来的笔墨经验,强调“集大成”,通过临摹前代名作,以求“熟能生巧”。王原祁对“元人笔墨”的理论总结,将程式化的笔墨运用推向极致。 然而,清代中后期,一股反程式化的“个性解放”思潮涌现。以石涛和“金陵八家”为代表的画家,强烈批判了僵化的复古主义,主张“我自发胸臆”、“搜尽奇峰打草稿”。石涛对笔墨语言的拆解与重构,对“点线”力量的强调,预示着中国山水画即将面临近代化的冲击与变革。本书最后将引向对二十世纪山水画如何应对西方现代艺术挑战的讨论,为读者理解当代山水艺术的转型提供历史纵深。 --- 本书特色: 理论与实践并重: 不仅阐述画家生平与时代背景,更对核心技法(如披麻皴、荷叶皴、斧劈皴)的理论根源进行解析。 审美意境的深层挖掘: 引导读者超越单纯的“看画”,进入中国传统知识分子对“道”与“自然”的思考维度。 脉络清晰的梳理: 全书结构严谨,层层递进,有效避免了山水画史繁杂的流派信息带来的理解困难。 图文并茂的赏析: 书中精选了大量关键时期、关键画家的代表作品,配以专业的图像解读,增强阅读的直观性和学术性。

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读后感

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用户评价

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人物塑造的立体感,是这本书最引人入胜的魅力所在。书中出现的每个人物,无论主次,都仿佛是真实存在过的、有血有肉的个体,他们的动机复杂,情感多面,绝非简单的“好人”或“坏人”的标签可以概括。特别是对主角性格中那种矛盾性的揭示,处理得尤为精彩。他身上既有超越时代的创新精神和坚韧不拔的意志力,同时也有着普通人特有的脆弱、固执甚至是一闪而过的局限。作者没有刻意美化或丑化,而是以一种近乎冷静的、近距离的观察者姿态,将这些复杂的特质并置于读者面前。这种真实感带来的代入感非常强烈,让人在阅读过程中,会不自觉地为角色的每一次成功欢呼,也为他们的每一次失落而叹息。这种深度的情感联结,是优秀传记文学的标志。更值得称道的是,书中对配角的刻画也毫不含糊,他们如同散落在主角生命轨迹中的光点,共同构筑了一个丰富而真实的社会环境,使得主角的形象更加鲜明立体,而不是孤立地悬浮在文本之中。

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这本书带给我极大的精神震撼,它超越了一般的文学作品,更像是一份对“创造者精神”的深刻致敬和哲学探讨。它不仅仅记录了一个杰出人物的生平事迹,更重要的是,它探讨了“如何生活”以及“如何面对不朽”的终极命题。通读全书,能明显感受到作者在试图回答一个核心问题:真正的艺术生命力来源于何处?书中穿插的那些关于艺术哲学和人生态度的思考,既有高度的概括性,又不失对个体实践的关注。每一次主角在困境中重拾信心的瞬间,都是一次对生命韧性的赞歌。阅读体验是层层递进的,初读时被故事吸引,再读时则被其蕴含的深层思想所触动。合上书本时,心中久久不能平复的,不是对某件具体事件的记忆,而是一种被激发出的对自身生命价值的重新审视。这本书仿佛是一个引子,激励着读者去挖掘自己内心深处那些尚未被开发的潜能和追求,它带来的不是简单的消遣,而是深远的、具有建设性的精神回馈。

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这部作品的叙事节奏把握得极为精妙,仿佛一曲抑扬顿挫的交响乐。开篇如同清晨薄雾笼罩下的江南水乡,带着一丝朦胧的诗意,缓缓铺陈出主角早年的生活图景。作者在环境氛围的营造上,达到了令人惊叹的细腻程度,那些对光影、气味乃至季节更迭的捕捉,都充满了老派文人的那种沉静而深邃的观察力。随着情节的推进,尤其是在描绘那些关键性的转折点时,笔触骤然变得凝练而有力,如同暴风雨来临前的宁静,紧接着便是情感的爆发与冲突的升级。我特别欣赏作者处理人物内心挣扎的方式,并非直白的倾诉,而是通过一系列精心设计的场景和人物的微小动作来侧面烘托,让读者仿佛能透过文字的缝隙,切身感受到角色内心的波涛汹涌。比如某次重要的艺术抉择,书中没有冗长的辩白,只是用了几页篇幅描写主角在画室里,面对一张未完成的画作,手中颜料的干涸与不甘,这种“此时无声胜有声”的叙事手法,极大地提升了阅读的沉浸感和艺术张力。整本书读下来,感觉就像是看了一场精心剪辑的艺术纪录片,节奏的张弛有度,让读者在享受故事的同时,也被这种高超的叙事技巧所折服。

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文字的肌理感是我对这本书印象最深刻的地方。它不像当代许多小说那样追求光洁流畅的表面,而是充满了力量感和质感,仿佛每一句话都是经过精心打磨的石头,带着岁月的痕迹和温度。作者的词汇选择极其考究,既有古典文学的典雅韵味,又不失对现代语境的精准把握,形成了一种非常独特且迷人的语言风格。阅读过程中,我时常会因为某个词语的妙用而停下来,反复品味其背后的多重含义。尤其在描绘艺术创作过程的段落,作者展现了惊人的专业度和激情,那些关于色彩调和、笔触运用的描述,即便对于非专业人士来说,也充满了画面感和启发性。这些描述绝非空洞的说教,而是深深植根于人物的生命体验之中,使得艺术本身成为了推动情节发展的重要内在动力。这种对语言本体的敬畏和锤炼,使得这本书在信息量爆炸的今天,更像是一件需要慢品细嚼的工艺品。它要求读者付出专注力,而这种付出,最终得到了丰厚的回报——精神上的满足和审美上的愉悦。

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这部作品的结构设计堪称鬼斧神工,它巧妙地在宏大叙事与微观细节之间架设了一座坚实的桥梁。故事的时间跨度非常广,涉及了时代风云的变迁,但作者高明之处在于,他从未让历史的洪流冲垮了个体的命运轨迹。相反,每一个宏大的历史事件,都被精准地浓缩并映射在了主角的个人选择和情感抉择上。我尤其欣赏作者处理“时代精神”与“个体反思”关系的方式。它既有对某个特定历史阶段的深刻洞察,展现了那个时代知识分子所面临的困境与担当,同时也极其注重挖掘人物内心深处那种永恒的、关于自我实现的追问。书中的一些章节,通过对比主角年轻时的激昂和晚年的沉静,形成了一种强烈的对照和回响,让人不禁思考:在时间的长河面前,真正的价值究竟是什么?这种复杂的多层次结构,使得本书不仅仅是一个人的传记,更像是一部关于时代变迁下中国现代精神演变的小型史诗。每次读完一个段落,都会有一种“原来如此”的豁然开朗感,这源于作者在看似松散的叙述中,隐藏了严密的逻辑线索。

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