The Portfolios of Ansel Adams

出版者:Ansel Adams

作者:Ansel Adams

页数:152

出版时间:2006-4-5

价格:USD 24.99

装帧:Paperback

isbn号码:9780821258224

具体描述

From 1948 - 1976 Ansel Adams produced seven portfolios, each a limited edition of 10-15 signed photographic prints. This book reproduces all 90 of these superb images, including many of Adams' most famous monumental landscape photographs and some remarkable, less familiar portraits and architecture studies. The book was first published in 1977 and in 1981 it was decided to take advantage of new printing technology to have the book re-designed. In this new printing the typography from the introductory texts of the original portfolios was reproduced. In addition, new laser-scanned separations were made of all the images to guarantee the best possible reproductions of the photographs. In his eloquent introduction, John Szarkowski observes that 'of all Adams' publications, his portfolios most clearly represent his personal view of the meaning of his work.

用户评价

这本书的阅读体验，与其说是在看一本摄影书的介绍，不如说是在参与一场关于“遗产管理”的深度研讨会。我特别欣赏作者对早期摄影师如何应对“批量生产”与“艺术稀缺性”之间矛盾的处理方式。书中并没有直接展示亚当斯某张照片的精美装裱，而是深入探讨了早期摄影师群体，是如何平衡销售需求（比如明信片、杂志插图）与艺术收藏需求（比如限量版铂金印相）的。这种对商业与艺术平衡点的细致描绘，对于身处数字洪流中的我们来说，提供了一个极具历史纵深感的参照系。它让我明白了，作品集的构建，从来就不是一个纯粹美学上的决定，而是一个关乎生存、传播和历史定位的复杂工程。对于想深入了解艺术实践背后运作机制的读者，这本书绝对是不可多得的佳作。

读完这本书，我感觉自己像进行了一次关于“视觉编年史”的深度挖掘。它没有像我预期的那样，逐页放大展示亚当斯的某个特定系列，比如约塞米蒂的那些宏伟景观，而是专注于探讨不同摄影师（当然，其中也包括对安塞尔·亚当斯创作生涯关键节点的分析，但不是直接展示成品）是如何构建他们的“视觉档案库”的。作者的笔触极其细腻，尤其是在分析早期的摄影师们如何应对技术限制来规划他们的作品集展示时，那种挣扎与创新并存的画面感非常强烈。书中花了大量篇幅讨论了不同纸张、装订方式甚至封面设计的选择，如何潜移默化地影响了观众对内容的感知。这让我意识到，作品集的呈现方式，与作品本身的内容，具有同等重要的地位。我曾经很天真地以为，只要照片够好，其他都不重要，但这本书彻底颠覆了我的看法，它教会我，如何“包装”和“语境化”你的视觉语言，才是将瞬间的影像转化为持久艺术遗产的关键所在。

这本书的文字密度高到需要我时不时停下来，泡一杯浓茶，反复琢磨。它探讨的似乎是“身份构建”与“视觉叙事”之间的深层关联，而不是单纯的摄影技术或景点介绍。我原本期待能看到关于“分区曝光法”的实战应用解析，或者某张经典照片背后的光线秘密，但收获却是关于艺术家如何通过选择性地展示，来塑造公众记忆的社会学分析。书中对几位重要摄影师，在不同时期对自身作品集的“自我审查”和“再定义”过程的描述，简直是艺术史的精彩案例。比如，当一位艺术家对早期的某个系列感到不满意时，他们是如何悄悄地从后续的出版物中剔除这些作品，或者如何通过重新排序来改变整个系列的基调，这些幕后的决策过程，比看到最终的完美照片更有启发性。这种对“创作意图的漂移”的探讨，让我对“定稿”这个概念产生了深刻的怀疑和反思。

令人惊讶的是，这本书的视角非常宏大，它似乎将摄影作品集视为一种跨越时代的文化符号进行解构。我原本以为这会是一本关于“如何制作一本完美的摄影书”的操作指南，结果它更像是一篇关于艺术权力与市场接受度的学术论文，只不过是以极为优美的散文形式呈现。作者花费了大量的笔墨，去比较不同年代的出版商和收藏家，是如何影响艺术家最终作品集面貌的，这部分内容让我看到了艺术背后复杂的商业逻辑。其中有一段关于早期摄影师如何在欧洲和美国的不同展览上，根据当地观众的文化偏好，调整作品集内容的论述，非常引人入胜。这种策略性的展示，让我对“忠于自我”的艺术主张有了更辩证的认识。这本书的价值在于，它迫使你跳出“看照片”的舒适区，转而去思考“照片是如何被组织起来被观看”的这一更深层次的问题。

天哪，这本书简直是摄影史上的瑰宝！我本来是冲着了解那些经典的光影大师们如何构建他们的作品集去的，结果完全被作者的叙事方式和对摄影艺术的深度剖析给迷住了。书中并没有直接展示那些我们耳熟能详的安塞尔·亚当斯的标志性作品的详细拆解，反而是通过对那个时代摄影师们，比如阿尔弗雷德·斯蒂格利茨或者爱德华·韦斯顿这些先驱者们，在他们职业生涯不同阶段如何系统化地整理、选择和呈现他们摄影成果的探讨，来反向映照出“作品集”这一概念在艺术表达中的核心地位。作者非常精妙地梳理了从早期展览用的精选小册子到后来出版的重量级画册的演变过程，这让我对“策展”这个行为的思考提升到了一个新的维度。我尤其喜欢其中对“意图”与“接收”之间张力的描述，那种在无数张底片中挑选出最能代表某个系列或某个创作时期的几幅作品的过程，本身就是一种极具创造性的过滤和再创作。这本书的重点似乎更侧重于“流程”和“哲学”，而非“结果展示”，这对于任何一个试图建立个人视觉语汇的摄影师来说，都是一剂强心针。

美死

= =.........

年表一编，便可以明显看出Adams的进化，虽然拍摄的是相同题材，审美也是类似的，但表达技巧更宽广了。

美死

V/Plate7 太阳出现了负感现象