The Films of Roberto Rossellini

出版者:Cambridge University Press

作者:Peter Bondanella

页数:200

出版时间:2003-11-13

价格:USD 85.00

装帧:平装

isbn号码:9780521392365

具体描述

The Films of Roberto Rossellini traces the career of one of the most influential Italian filmmakers through close analysis of the seven films that mark important turning points in his evolution: The Man with a Cross (1943), Open City (1945), Paisan (1946), The Machine to Kill Bad People (1948-52), Voyage in Italy (1953), General della Rovere(1959), and The Rise to Power of Louis XIV (1966). Beginning with Rossellini's work within the fascist cinema, it discusses his invention of neorealism, a new cinematic style that resulted in several classics during the immediate postwar period. Almost immediately, however, Rossellini's continually evolving style moved beyond mere social realism to reveal other aspects of the camera's gaze, as is apparent in the films he made with Ingrid Bergman during the 1950s; though unpopular, these works had a tremendous impact on the French New Wave critics and directors. Rossellini's late career marks a return to his nonrealist period, now critically reexamined, in such works as the commercially successful General della Rovere, and his eventual turn to the creation of didactic films for television.

用户评价

这部关于罗伯托·罗塞里尼电影的著作，读来让人心情复杂。它并非那种简单罗列作品年表、细致分析每一部电影技巧的工具书。相反，它更像是一篇篇充满激情的随笔，试图捕捉这位意大利电影巨匠创作历程中的那些难以言喻的“瞬间”。作者似乎对罗塞里尼早期的新现实主义作品怀有近乎朝圣般的敬意，文字中弥漫着对《罗马，不设防的城市》中那种原始生命力的赞叹。然而，当讨论到他后期转向彩色电影和电视制作时，评价的笔调明显变得审慎甚至有些犹疑。我感受到的那种笔触的跳跃性，仿佛作者本人也在与罗塞里尼的艺术轨迹进行着一场持续的内心辩论。例如，对于他与英格丽·褒曼的合作阶段，书中的分析显得尤为克制，没有过多渲染私生活对艺术的影响，而是专注于探讨这种跨文化、跨语言合作如何挑战了传统电影叙事范式。全书在对“真实”的探讨上花费了大量篇幅，但这种“真实”并非一成不变，而是随着时代的变迁在罗塞里尼的镜头下不断地被重新定义。总体来说，它更适合那些已经对罗塞里尼有所了解，并愿意深入探索其思想内核的深度影迷，而非初学者。它提供的是一种阅读体验，而非标准答案。

这本书的装帧和排版设计本身就是一种对罗塞里尼美学的致敬。整体色调偏冷，大量的留白处理，使得原本可能略显沉闷的理论探讨变得呼吸顺畅。我发现作者在对比分析罗塞里尼与同时代其他新现实主义大师时，运用了非常巧妙的对比手法，并非简单的优劣之分，而是着眼于创作理念上的根本分歧。例如，书中对罗塞里尼如何逐步放弃传统戏剧冲突，转向对日常琐碎近乎残酷的捕捉，这一点分析得极其到位。它揭示了罗塞里尼如何从“记录历史”转向“记录心灵的褶皱”。最让我印象深刻的是关于其纪录片实践的章节，作者认为这些尝试是理解他晚期电影去戏剧化倾向的关键钥匙。这些篇章的论证逻辑严密，观点新颖，让我对罗塞里尼的创作意图有了更深层次的理解。唯一的不足可能在于，对于一些早期鲜为人知的短片和电视项目，资料引用略显单薄，似乎留有探讨的空间，但整体而言，这是一部能让人重新“观看”罗塞里尼电影的优秀读物。

读完这本书，我感觉自己像经历了一次漫长而曲折的朝圣之旅，目的地不是罗塞里尼的任何一部电影，而是他那颗不安分的、不断质疑自身艺术的灵魂。作者的写作风格是极其个人化的，充满了强烈的代入感，仿佛他坐在我身边，用一种耳语的方式分享着他对这些经典之作的秘密解读。特别是当他讨论到罗塞里尼如何运用非专业演员来模糊虚构与现实的界限时，那种兴奋感几乎要溢出纸面。书中对声音设计的探讨相对较少，更多聚焦于视觉叙事和人物的内在心理活动。这种侧重带来了一个明显的后果：对于那些更偏爱技术层面分析的读者来说，这本书可能会显得不够“硬核”。然而，对于追求电影“精神气质”的爱好者而言，这无疑是宝藏。作者擅长用文学化的语言来描述画面运动的内在张力，成功地将胶片上的光影转化成了可供读者触摸的情感纹理。它成功地将罗塞里尼从一个僵硬的“主义”标签中解放出来，还原为一个活生生的、充满矛盾的艺术家。

这本书的结构非常独特，它似乎故意避开了按时间顺序进行的梳理，而是围绕几个核心的、反复出现的主题进行模块化的深入挖掘。比如“旅行与流放”、“神性与世俗的交锋”、“镜头的伦理责任”等。这种跳跃式的回顾反而使得罗塞里尼的创作脉络更加清晰——他始终在追问那些永恒的命题，只是在不同的历史阶段使用了不同的表达工具。我对其中关于罗塞里尼在冷战时期对科技进步的警惕与反思的部分评价极高，作者精准地抓住了“现代性焦虑”如何渗透进他的每一个角色选择中。书中收录了一些罕见的访谈片段，这些片段的穿插处理得非常巧妙，它们像是给原本严肃的理论论述提供了呼吸的空间。不过，我个人认为，书中对罗塞里尼晚期为电视制作的巨大投入，其历史意义和艺术价值的评估略显保守，似乎作者认为那段时期是其艺术创造力的一个“次要阶段”，这一点我持保留意见。总而言之，这是一部要求读者具备一定知识背景，但回报丰厚的作品，它挑战你现有的认知，并引导你探索更深层的电影哲学。

翻开这本厚重的书，我立刻被那种近乎散文诗般的叙事风格所吸引。它不像学术著作那样刻板，反而充满了对电影艺术的独特洞察和个人情感的投入。作者似乎并没有将罗塞里尼视为一个孤立的电影制作人来研究，而是将他置于战后欧洲社会、道德乃至宗教变迁的宏大背景之中去审视。尤其是在论及《扒手》这类作品时，文字的密度陡然增加，那些关于救赎与绝望的哲学探讨被梳理得层层递进，读起来需要极高的专注度。我特别欣赏作者在处理罗塞里尼的叙事结构上的着墨——那种刻意的断裂感、对情节推动的漠视，是如何服务于其对个体存在困境的揭示。书中对于光影的描述往往是感性的而非技术性的，例如，描述《火山边的人》中西西里岛烈日的炙烤，几乎能让人感受到皮肤被灼伤的痛感。然而，书中偶尔出现的过于晦涩的哲学引用，对于我这种非专业人士来说，理解起来略显吃力，仿佛作者在某些段落中，过于急切地想要展示自己阅读的广度，而牺牲了表达的清晰度。但这或许正是罗塞里尼作品本身所带给读者的某种共性体验——在伟大与困惑之间徘徊。