On Music and Musicians

出版者:University of California Press

作者:Robert Schumann

页数:274

出版时间:1983-9-1

价格:USD 12.00

装帧:Paperback

isbn号码:9780520046856

用户评价

我从这本书中收获的，更多是一种**结构性的思维训练**，而非单纯的音乐知识积累。作者的行文风格非常注重逻辑链条的完整性，他从不轻易下一个结论，而是层层递进，用大量的历史案例和理论推导来支撑自己的观点，整个阅读过程就像是跟随一位顶级的建筑师绘制蓝图。他对于不同历史时期音乐形式的演变规律的总结，简直可以被视为一套通用的艺术分析模型。例如，他分析巴洛克时期“装饰性”的必要性时，追溯到了当时社会对仪式感和可见性的要求；而分析现代主义的“碎片化”时，则联系到了两次世界大战后个体认同的危机。这种跨学科的视角，让我意识到音乐从来都不是孤立存在的，它是特定社会、政治、技术环境下的产物。我合上书本后，那种感觉就像是脑子里被重新整理了一遍复杂的线索网络，对于理解任何一种复杂的系统，似乎都多了一把钥匙。

这本书的**文字之美，达到了文学作品的境界**。我很少看到一本理论性如此之强的书籍，竟然能保持如此高的文学水准。作者的措辞考究，句子结构多变，充满了古典的韵律感，即使是在描述最冰冷、最抽象的数学逻辑时，他的笔下流淌出的依旧是富有画面感的语言。例如，他形容一部作品的高潮部分“如同积蓄了整个冬日的霜雪，在春雷乍响之时，以一种不可阻挡的态势融化成奔腾的江河”，这种描述简直让人心神俱醉。阅读的过程本身，就是一种享受。它对音乐细节的捕捉，细致到了一种近乎偏执的程度——他能从一个单一的延音线上，推导出作曲家彼时的情绪波动和创作意图。对于那些热爱文字的读者来说，这本书提供了双重满足：既能满足对深刻思想的渴求，又能陶醉于优美流畅的文字表达之中，实属难得。

这是一本充满**个人情感投射和强烈批判色彩**的作品。与那些面目模糊的教科书不同，这位作者显然是一位有着自己独特审美坚持和深刻偏见的评论家。他毫不留情地抨击了十九世纪末过度浪漫化和主观化对音乐创作的束缚，并对二十世纪早期那股试图“去人性化”的纯粹结构主义思潮进行了犀利的剖析，字里行间都透着一股不妥协的知识分子的傲气。我尤其对其中关于“审美疲劳”的章节印象深刻，他大胆地提出了一个论断：听众对于新颖性的渴求，正在反噬音乐本身的深度。这观点非常尖锐，甚至有些反主流，但却激发了我进行更深层次的自我审视。读这本书，就像是和一个博学且脾气有些古怪的老教授在咖啡馆里进行一场不间断的激烈讨论，你时常会因为他的某些论断而拍案叫绝，也时常会因为他的偏激而感到不适，但无论如何，你都无法停止思考。它挑战的不是你的知识储备，而是你的既有观念。

这本书，我必须得说，简直是一场智力上的饕餮盛宴！它没有像那些老掉牙的音乐史那样，仅仅罗列作曲家的生卒年月和几部代表作，而是深入骨髓地探讨了音乐背后的哲学思辨。作者的笔触细腻得像最精巧的雕刻刀，将那些晦涩难懂的乐理概念，转化成了人人都能体会的画面感。我尤其欣赏他对“时间性”在音乐结构中扮演角色的论述，那种将声音视为一种流动的时间艺术的观点，彻底颠覆了我以往对交响乐的理解。读到关于德彪西和弦色彩的分析时，我简直感觉自己仿佛置身于他那迷蒙的音景之中，空气中弥漫着香水和雾气的味道。这本书的伟大之处在于，它不满足于告诉你“是什么”，而是强迫你思考“为什么”以及“如何感知”。它不是一本用来快速翻阅的工具书，而是一部需要反复咀嚼、时时回味的文本。我花了整整一个星期才读完关于序列主义那几章，每读完一个小节，我都会放下书，静静地听上几遍斯塔文斯基的作品，试图捕捉作者所描述的那种数学般精准却又充满人性的张力。

说实话，我最初抱着一种怀疑的态度打开这本厚厚的书，毕竟市面上关于音乐的理论著作太多了，大多都是故作高深，读起来味同嚼蜡。然而，这本书却以一种近乎**口语化却又不失严谨性**的叙事方式，瞬间抓住了我的注意力。作者似乎非常懂得如何与“非学院派”的读者对话，他没有使用大量的专业术语来筑起一堵墙，而是通过一系列精妙的类比，将复杂的对位法和和声进行还原为我们日常生活中能接触到的情感模式。比如，他将赋格曲的结构比喻为一场精彩的辩论赛，每个声部都是一个有自己逻辑的发言者，互相追逐、支持、反驳，最终形成一个宏大的结论。这种叙事手法极大地降低了阅读的门槛，同时又不牺牲任何学术深度。我最欣赏的地方在于，它不仅仅停留在西方古典乐范畴，还巧妙地穿插了一些中世纪的圣咏和早期民间音乐的片段作为参照，展现出一种宏大的音乐文化视野。读完之后，我发现自己看音乐会的视角都变了，不再只是单纯地享受旋律，而是开始关注结构和意图。