小说创作论

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出版者:
作者:赵昊龙
出品人:
页数:261
译者:
出版时间:2012-8
价格:55.00元
装帧:
isbn号码:9787516112748
丛书系列:
图书标签:
  • 写作
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  • 文学理论
  • 创作技巧
  • 文学批评
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  • 文学史
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具体描述

《小说创作论》引用古今中外小说实例,众多小说作者的创作经验和批评家的评论,概括介绍了小说的形成发展、基本特征、主要类型;以及小说的主题、构思、结构、情节、人物、环境、细节和对话等方面的创作技巧。

现代艺术思潮下的视觉叙事:从印象派到后现代 内容提要: 本书深入剖析了自十九世纪中叶印象派兴起以来,西方艺术领域所经历的深刻变革与思潮涌动。重点关注了艺术本体论的拓展、媒介边界的消融,以及图像在社会文化语境中的权力转移。通过对一系列关键艺术运动——包括后印象主义、立体主义、表现主义、达达主义、超现实主义、抽象表现主义、波普艺术,直至后现代主义思潮的细致梳理,本书旨在揭示艺术家们如何回应工业化、两次世界大战、消费主义兴起和全球化进程,从而重塑了我们理解“美”、“真实”与“意义”的方式。本书尤其强调了技术进步(如摄影和电影的出现)对传统绘画和雕塑的冲击,以及艺术家如何利用新的物质材料和观念策略来挑战既有的艺术机构和观众预期。 第一章:光影的解放与主观视角的建立——印象派与后印象主义的回响 本章首先将时间线拨回至1860年代的巴黎,探讨以莫奈、雷诺阿为代表的印象派画家如何背离沙龙的学院派规范,将目光投向日常生活的瞬间光影与色彩的物理属性。我们分析他们如何通过对户外写生(Plein Air)的坚持,捕捉转瞬即逝的视觉体验,从而使“观看”本身成为艺术的核心议题。 随后,我们将深入剖析后印象主义对这一解放成果的深化与反动。塞尚对几何形体的结构性探索,如何预示了立体主义的诞生;梵高的强烈主观情感表达,如何为表现主义奠定了情感基调;而高更对符号与装饰性的回归,则触及了现代艺术中对非西方文化的挪用与反思。本章着重阐述,印象派的“光学革命”如何为后来的现代艺术提供了摆脱再现传统的勇气。 第二章:空间的解构与多重现实的构建——立体主义与未来主义的张力 进入二十世纪初,艺术进入了对“观看”方式的理性重构阶段。立体主义,由毕加索和布拉克共同开创,是现代艺术史上一次里程碑式的突破。本章细致考察了分析立体主义(Analytic Cubism)中物体被分解为多重视角的几何切片,以及综合立体主义(Synthetic Cubism)中拼贴(Collage)材料的引入。拼贴技术不仅模糊了艺术品与日常物品的界限,更预示了媒体时代的碎片化信息接收模式。 与之形成对比的是未来主义对速度、机器和暴力的狂热颂扬。意大利未来主义者如何将动态的能量融入画布和雕塑,试图将艺术融入现代生活的“噪音”与“运动”之中,反映了早期二十世纪欧洲社会对技术乌托邦的复杂情感。 第三章:精神的内爆与理性的颠覆——表现主义、达达与超现实主义的心理转向 第一次世界大战的创伤,使得艺术家们将目光从外在的“物”转向内在的“心”。本章将探讨德国表现主义(如“桥社”和“蓝骑士”)如何运用扭曲的线条、非自然的色彩来表达对工业化异化和生存焦虑的深刻体验。 紧接着,我们分析了达达主义作为对战争荒谬性的最直接的文化反抗。从杜尚的现成品(Readymades)对“艺术品”的定义发起挑战,到卡拉的形而上绘画对逻辑的嘲弄,达达主义宣告了艺术观念重于技巧的时代来临。超现实主义则从弗洛伊德的精神分析中汲取灵感,通过梦境、潜意识和自动书写,试图发掘比理性世界更真实的“超现实”。 第四章:纯粹形式的探求与媒介的自治——抽象艺术的崛起与光谱 在经历了对再现的激烈反抗后,一些艺术家转而追求艺术媒介本身的纯粹性。本章聚焦于抽象艺术的早期探索,从康定斯基对音乐与色彩的神秘主义关联,到蒙德里安对“新造型主义”(Neoplasticism)中垂直线与水平线的严格几何规范的追求。我们探讨了他们如何试图通过纯粹的形式语言,建立一种超越地域和文化的人类普遍性视觉哲学。 随后,我们将目光转向二战后在美国兴起的抽象表现主义。从波洛克的“行动绘画”中身体的介入与滴溅技法,到罗斯科“色域绘画”中对崇高感的冥想式探索,本章分析了这种宏大叙事如何成为冷战时期西方文化身份的象征,以及它对艺术市场和批评话语的巨大影响。 第五章:图像的消费与观念的胜利——波普艺术与后现代的回响 随着战后西方社会进入高度发达的消费主义时代,艺术家的主题再次发生了转向。波普艺术(Pop Art)直接从广告、漫画和大众媒体中提取图像,模糊了高雅艺术与低俗文化的界限。安迪·沃霍尔的丝网印刷技术及其对批量生产的迷恋,不仅是对消费文化的戏仿,也是对原作概念的彻底消解。 本书的最后部分将探讨后现代主义思潮对上述所有现代主义信条的质疑。通过对挪用(Appropriation)、拼贴、戏仿(Parody)的回归,后现代艺术家(如辛迪·舍曼)揭示了图像的建构性、权力的隐蔽性以及宏大叙事的破产。本章总结了从印象派的光影探索到后现代的符号游戏,现代艺术如何不断地自我批判、自我更新,并最终成为我们理解当代社会复杂性的关键视角。 本书特色: 本书避免了简单的艺术家和作品罗列,而是将每一项艺术运动置于其特定的社会、政治和技术背景下进行考察,强调艺术思潮之间的继承、冲突与对话。通过严谨的理论框架和丰富的视觉案例分析,为读者提供一个全面而深入的现代艺术发展脉络图。

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读后感

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用户评价

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我带着一种近乎挑剔的眼光去阅读的,毕竟市面上关于创作技巧的书籍汗牛充栋,大多是重复陈词滥调。然而,这本书在处理“人物弧光”和“主题深化”这两个核心问题上,展现出了令人耳目一新的深度。作者似乎对人性的幽暗角落有着敏锐的洞察力,他没有满足于构建一个“好人”或“坏人”,而是着重探讨了人物在极端压力下如何产生复杂且矛盾的转变。书中关于“道德模糊地带”的探讨尤其引人深思,它促使我反思自己过去的人物塑造是否过于扁平化。更难能可贵的是,它将叙事结构与哲学思考巧妙地融合,指出一个优秀的故事内核,必然承载着作者对世界的独特理解。我合上书本时,脑海中不再是技巧的堆砌,而是关于“我到底想通过这个故事表达什么”的严肃追问,这无疑将我的创作视角提升到了一个新的哲学高度。

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坦白讲,起初我对这类书是持保留态度的,总觉得真正的故事灵感是无法被“教授”的。但是,这本书彻底颠覆了我的固有认知。它并非试图教你如何复制某个畅销书的模式,而是专注于挖掘你“个人”的声音。书中对于“独特视角如何形成”的论述,堪称一绝。作者通过分析那些风格迥异的大师作品,揭示了风格并非一种外在的修饰,而是人物世界观的自然流露。它引导读者向内探索,去审视自己最深层的恐惧、渴望与偏见,然后勇敢地将其融入笔端。对我这个有些许写作洁癖的人来说,它教会了我如何与不完美和解,如何在保持作品的艺术完整性的同时,也接受叙事中必要的“粗粝感”。这是一种非常成熟的创作观。

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这本书最让我感到震撼的,是它对“读者预期管理”的精妙处理。在当下这个信息爆炸的时代,如何抓住读者的注意力,并让他们心甘情愿地跟随你的设定走下去,是至关重要的挑战。书中关于“悬念设置的有效周期”和“信息释放的密度控制”的章节,简直是教科书级别的范例。它详细阐述了何时该给出答案,何时该故意留白,以及如何通过看似无意的细节埋下日后收束的伏笔。我发现自己过去在写作时,常常因为过于“爱惜”自己的点子,舍不得过早揭示,结果反而让读者感到拖沓。这本书则提供了一套精密的工具箱,让我学会了如何像一位高明的魔术师一样,在最恰当的时机,掀开帷幕,让读者发出惊叹而非不耐烦的叹息。它让我的创作更有目的性和控制力。

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不得不说,这本书的文风非常具有个人魅力,它不像教科书那样刻板僵硬,反而像一位老朋友在与你分享他多年摸爬滚打的经验。语言是那么的接地气,却又不失文学的韵味。我尤其喜欢它在介绍“场景切换与节奏控制”时所使用的那些生动的比喻,比如将叙事节奏比作音乐的快慢板交替,让原本抽象的概念变得可视化、可操作化。对于那些在写作过程中容易迷失方向的创作者来说,这本书就像一盏明灯。它没有给你一蹴而就的秘诀,而是耐心且坚定地告诉你:每一滴墨水都应该是有重量的,每一次停顿都应该是有目的的。读完后,我有一种强烈的冲动,想要立刻清理我电脑里那些杂乱无章的草稿,按照书里提到的“骨架搭建法”,重新梳理我的故事线。这种被“激活”的感觉,非常奇妙。

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这本书简直是为我这种初入门的写作爱好者量身定制的!它的结构清晰得令人惊叹,仿佛有一位经验老到的导师,一步步引导着我穿过小说创作的迷雾。我特别欣赏它对“冲突设置”那一章节的处理,那种深入骨髓的剖析,让我突然茅塞顿开,明白以往自己写的故事为何总是后劲不足。作者并没有停留在空泛的理论说教,而是大量引用了经典名著的片段进行拆解分析,这一点非常实用。比如,书中对某个特定场景的心理描写,不仅仅是告诉我“应该怎么写”,而是用具体的文本实例,展示了作者是如何在人物的潜台词和环境的烘托之间,编织出令人窒息的张力。读完那一节,我立刻拿起笔,尝试重写了我一直卡壳的一个情节,效果立竿见影,那种掌控叙事节奏的自信感,是其他任何书籍都未曾给予我的。它让我感觉到,写作不再是靠灵感拍脑袋的玄学,而是一门可以通过学习和练习精进的手艺。

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创作之前值得看的一本书

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知道了

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翻翻。提炼了一些小说创作的方法。实在没有可看性。

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翻翻。提炼了一些小说创作的方法。实在没有可看性。

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